Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (XII)

La realidad de la canción “Supersonic” es que bien puede ser la canción favorita de los hermanos Gallagher, pero también es una de las de todo mundo. La canción representa el pistoletazo de salida de la revolución del “Britpop”.

Una vez que esta canción comenzó a hacerse un nombre para Oasis, el grupo solo estaba destinado a la cima. La agrupación es un equipo polarizador, se deshacen de sus admiradores tan rápido como los ganan por su alboroto machista del rock, y “Supersonic” es la tipificación de su inquebrantable  iconografía.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (XI)

El video también muestra a Oasis en la azotea interpretando la canción “Let It Be” (la guitarra de Johnny Marr también hace acto de presencia). Algunos admiradores señalan “My Sweet Lord”, de George Harrison, como una inspiración directa para la melodía de la canción.

The Beatles fueron una gran influencia en Oasis pero, en ese momento, el grupo volaba hacia adelante tan rápido que realmente no tenían tiempo para mirar atrás.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (X)

Noel Gallagher pudo haber tenido una determinada agrupación en mente al escribir la pista. The Beatles siempre han sido considerados una gran influencia en Oasis, y la canción hace referencia a ellos con la frase: “¿Puedo viajar contigo en tu BMW? Puedes navegar conmigo en mi submarino amarillo”. 

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (IX)

“Supersonic” sería el sencillo debut de Oasis, pero no estaba destinado a serlo. Bonehead recordó: “Estábamos grabando, 'Bring it on down' y, a mitad de la sesión, Noel desapareció de la sala de control.

Cuando salió, dijo: “Detén la sesión, he escrito una nueva canción”. En un par de horas habíamos terminado “Supersonic”. Ese es Noel para ti. Ponlo en una habitación durante 10 minutos y saldrá con un clásico”.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (VIII)

La pista se convirtió en un himno casi de la noche a la mañana. Si bien el programa de radio había visto las noticias de la agrupación filtrarse a través de los que lo sabían, se necesitaría una actuación típicamente libertina en el programa de televisión juvenil nocturno The Word, de Channel 4, para la canción y, a su vez, Oasis terminaría estableciéndose.

Paul ‘Bonehead’ Arthurs recordó en 2014: “Había muchos nervios. De mi parte. No estábamos imitando, tocábamos de verdad. Recuerdo preocuparme por qué camisa ponerme. Noel tenía una gran chamarra de cordón verde, que le pedí prestada. Cuando nos subimos, toqué el acorde de apertura de 'Supersonic' y estábamos bien”.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (VII)

Después de que le preguntaran sobre sus letras favoritas de todos los tiempos, respondió: “Necesito ser yo mismo, no puedo ser nadie más, me siento supersónico, dame gin-tonic”, en un tono no tan sutil, como referencia a la canción. No es de extrañar entonces que “Supersonic” se encuentre entre sus temas favoritos.

Hablando sobre la pista, Gallagher dijo: “Me gustan las palabras, me gustan las guitarras y todavía me parece una melodía extraña”, refirió en una entrevista. “No es como tu melodía normal de rock y todavía disfruto cantándola”.

“Supersonic” se convertiría en su sencillo debut característico y marcaría el comienzo de una carrera impresionante.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (VI)

Hay una manera fácil de saber que la canción está fuertemente influenciada por la cocaína que consumía Gallagher: la letra. Contiene una de las peores frases que jamás haya compartido el gripo. Curiosamente, la canción también sería una de las favoritas de Liam Gallagher, debido a esa extraña letra.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (V)

Gallagher agregó que sentía que las drogas realmente lo ayudaron a componer: “Por eso son tan buenas. Eso me enfada. Pienso: 'Tal vez debería volver a tomar drogas, y entonces sería brillante de nuevo'. Pero ese pensamiento dura menos de un segundo”.

El guitarrista incluso recordó específicamente haber escrito esta canción: “Recuerdo que me volví loco y fui a la trastienda y me puse el objetivo de escribir una canción en 10 minutos, eso fue 'Supersonic'”.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (IV)

Comportándose como estrellas de rock antes de que se convirtieran en eso, Noel Gallagher dijo una vez: “Antes de 1997, no había escrito una canción sin la ayuda del antiguo equipo de marcha colombiano (cocaína). No lo olvides, estaba drogado incluso antes de estar en un grupo. Los primeros tres álbumes se escribieron sobre drogas”.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (III)

Típico de su explosión espontánea al estrellato, Noel Gallagher dice que escribió “Supersonic” en solo un día. A juzgar por algunas de las letras sin sentido, esto bien puede ser cierto. La pista fue enormemente influenciada por las drogas que la agrupación consumía. 

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (II)

Tomado de su álbum debut, Definitely Maybe, “Supersonic”, como palabra, personifica las habilidades de caminar sobre el agua que el grupo poseía durante sus primeros años.

A medida que avanzan los singles de debut, no se vuelven mucho más enfáticos que “Supersonic”, que inmediatamente llamó la atención de la gente y, en doce meses, todo mundo sabía quién era Oasis. Eran superestrellas auténticas, lo supiera el mundo o no.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (I)

Descrita como la canción favorita de Oasis de todos los tiempos por parte de Liam Gallagher, “Supersonic” es una pista que ha tipificado todo lo que representaban los gobernantes mancunianos del Britpop.

Los hermanos en el centro del grupo bien pueden ofrecer puntos de vista polarizados, pero una cosa es segura: que l grupo exuda un espíritu de rock que se pensaba se había perdido en el tiempo.

Grace Slick: la reina del ácido (XXII)

Y quizá la máxima aquiescencia de los años sesenta a un futuro simplista y el paradigma definitorio de su vida alegórica es el mareo comercial de “We Built This City”. Una pista que resalta irónicamente que el imperio de los años sesenta había regresado a la arena y desaparecido de la mano de Slick y otros que una vez lo sostuvieron en alto tan gloriosamente que casi parece tan legendario como la vida de Slick en retrospectiva.

Afortunadamente, todavía tenemos buenos triunfos de época de Surrealistic Pillow para demostrar que todo esto realmente sucedió.

Grace Slick: la reina del ácido (XXI)

Slick sucumbiría a estas fuerzas como muchas otras. Apareció en la portada de la revista Teenset con el subtítulo de “Grace Slick y Jimi Hendrix sobre ser negros”. A partir de entonces, terminó en un enfrentamiento armado con la policía después de que fueron llamados a su propiedad tras recibir informes de que “una mujer ebria estaba disparando una escopeta en la casa”. Se produjo un enfrentamiento armado, pero afortunadamente, el arma fue retirada sin víctimas.

Grace Slick: la reina del ácido (XX)

Joni Mitchell dijo alguna vez: “En la década de 1970 viste cómo esa cosa hippie descendía a la depresión por las drogas. Inmediatamente después de Woodstock, pasamos por una década de apatía en la que mi generación se chupó el pulgar y luego decidió ser codiciosa y pornográfica”.

Lo que siguió al punto culminante de El “Verano del Amor” para Slick fue una sombría caída. Los nuevos ideales surgidos del envalentonado poder del sexo, las drogas y el rock pronto se vieron empequeñecidos bajo la llamativa superficie de esa impía trinidad.

Grace Slick: la reina del ácido (XIX)

Y fallarían, lo harían. El glorioso crescendo de completar de “White Rabbit” es la alegoría perfecta para la época, que aceleró a 100 mph con un viento de cola de progreso y esperanza hacia un semáforo en rojo. Era un torbellino de belleza, que se tambaleaba en la línea entre una obertura trágica y una diversión extática, sonaba glorioso y si el primer verso de “Somebody to Love” (“Cuando se descubre que la verdad son mentiras / Y toda la alegría dentro de ti muere / ¿No quieres a alguien a quien amar?”)

Esa vibrante acumulación pronosticó el delirio de Alice que se avecinaba.

Grace Slick: la reina del ácido (XVIII)

Esta fue una generación criada en la desesperación de la guerra, o al menos en la era depresiva del racionamiento que siguió. Ahí reside el corazón de todos los movimientos de los años 60, ya sean los Beatniks o las Black Panthers: una determinación singular de marchar al ritmo de un tambor diferente y renunciar a esto casi desafiando a sus antepasados.

Si los niños del “Verano del Amor” iban a fracasar, lo harían en sus propios términos, no en los banales establecidos por las generaciones anteriores.

Grace Slick: la reina del ácido (XVII)

Hasta el “Verano del Amor”, los años sesenta habían viajado al precipicio, como explicó Grace Slick, estaba lista para saltar por la madriguera del conejo, las pastillas viejas estaban fuera y las nuevas estaban dentro: “Me identifiqué con Alicia en el país de las maravillas. Pasé de los planeados y anodinos años 50 al mundo de estar en un grupo de rock sin mirar atrás. Fue mi momento de Alice, dirigiéndome hacia el agujero”.

Lo mismo puede decirse de todos los que se deleitaron con la música que produjeron los grupos. Los colores caleidoscópicos del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band pasaron a primer plano cuando la tecnología se puso al día y todo resultó rápidamente inflexible. Slick les dio la bienvenida a su trabajo.

Grace Slick: la reina del ácido (XVI)

1967 fue el “Verano del Amor”, pero también podría llamarse el verano de Slick. Fue un verano en el que “White Rabbit” pondría el soundtrack, y un evento cultural del que el mundo todavía está traqueteando, ya que la proclamación de Bob Dylan de que los tiempos estaban cambiando y los que se quedaron atrás no deberían criticar lo que no pueden entender, finalmente se hizo realidad. . Ese verano, la contracultura anunció que no era una moda de nicho, sino una fuerza subversiva.

El problema era que estaba respaldado por una caída en picada de hedonismo imposible de sostener, pero en este punto, la canción aún no había alcanzado su punto máximo de “arrojar la radio al baño”. Todavía estaba en su vorágine desafiante a la autoridad de un ocho medio.

Grace Slick: la reina del ácido (XV)

Fue un fracaso, al igual que “Somebody to Love”, una canción que contiene una pizca del significado de la vida misma. Todo el mundo estaba en un grupo y todo el mundo era bueno en eso, así que, ¿qué posibilidades tenía el sentido adrenalínico de la vida de hacerse oír entre la multitud? The Great Society no logró escapar del Área de la Bahía.

Pero pronto, Jefferson Airplane estaba buscando un nuevo cantante. Y vaya si no fuera la ironía de su “forma profesional” lo que atrajo a Slick a unirse. La década de los años sesenta estaba moviéndose, pero seguía siendo un negocio, y “The Airplane” tenía la estructura para llevar las canciones de Slick a lo más alto.