Incluso después de su ruptura, las integrantes de Fanny continuaron presionando por la inclusión de mujeres en la industria de la música.
En 1983, por ejemplo, June fundó el
Institute for Musical Arts, una organización sin fines de lucro diseñada para
apoyar a las mujeres en la música. Luego, en 2018, Fanny regresó con un nuevo
álbum y una gira.
Quizá se sintió atraído por su
confianza. Como dijo una vez June: “No importa cuánto se burlara la gente, seguíamos
mejorando y eso importaba”. Bowie invitó a Fanny a una fiesta en Liverpool.
“Resultó ser el anfitrión perfecto”, recordó Addie. “Sabía cómo mezclarse y
contar historias. Incluso hizo una demostración de mímica para nosotras”.
Pero lo que más llamó la atención de Fanny fue que todas parecían preocuparse genuinamente el uno por el otro. En comparación con las agrupaciones de estadios encabezadas por hombres, Fanny parecía deleitarse con la camaradería en lugar del antagonismo.
“Estaban entusiasmados con la forma en que toqué”, dijo Nickey en una entrevista en la que describió sus primeros días con el grupo, “realmente les gustó. Supongo que estaba acostumbrada a ser la única chica en grupos de rock... Parecían tener una amistad real y un entendimiento como los grupos, pero nunca había visto eso con mujeres”.
Fanny lanzó su debut homónimo en 1970, que le valió elogios de la crítica y varios admiradores notables, incluida Barbara Streisand, para quien los miembros de Fanny también trabajaron como músicas de sesión, actuando en el álbum de 1971 de la cantante, Barbra Joan Streisand.
Pronto, comenzaron a recorrer el mundo, abriendo para todos,
desde Slade y Jethro Tull hasta Humble Pie, con sus eléctricas actuaciones que
les valieron la reputación de ser una de las mejores agrupaciones del circuito.
También fue en este momento que concretaron una amistad con David Bowie, quien
quedó tan impresionado con el sonido de Fanny que les escribió una carta, algo
que continuó haciendo hasta su muerte.
Sintiéndose desanimada, la agrupación decidió empacar para siempre, pero solo después de una última actuación en el club Troubadour de Los Ángeles. Resultó ser una buena decisión.
El productor
Richard Perry estaba entre la multitud esa noche y accedió a ficharlas para su
sello. Después de cantar para Reprise en 1969 y de reclutar a la tecladista
Nickey Barcley, nació Fanny.
Durante mucho tiempo no pasó nada. Después de mudarse a Los Ángeles, Wild Honey pasó el año siguiente trabajando como un grupo de covers de Motown, pero parecía que la escena musical no tenía lugar para ellas, siempre favoreciendo a las agrupaciones de rock exclusivamente masculinas con las que tocaban.
“Cuando era niña, no podía decirle a nadie 'Estoy en un grupo'”, dijo
June Millington. “También podrías decir: 'Voy a volar a la luna'. Simplemente
no estaba en el ámbito de la experiencia. Tuvimos que crear nuestro propio
marco y luego entrar en él”.
Pero, ¿dónde empezó todo? June y Jean emigraron de Filipinas cuando aún eran adolescentes y se establecieron en Sacramento, California en 1961, llegando a una época en la que la radio estaba llena del sonido de los pequeños boppers y el tintineo de las guitarras de surf.
Escuchar e
interpretar música se convirtió rápidamente en una forma para que las hermanas
construyeran un sentido de comunidad en su nuevo hogar. Después de haber
aprendido el ukelele como una forma de pasar el tiempo, June y Jean formaron
The Svelts, que rápidamente se transformaría en Wild Honey, con Brie Brandt en la
batería y Addie Lee en la guitarra.
No solo fueron pioneras en el
papel de la mujer en la música, sino que también fueron una de las primeras agrupaciones
multirraciales que surgieron de la escena hippie de finales de los años sesenta.
Fue una de las agrupaciones más revolucionarias de la década de 1970. Fanny, un grupo de féminas formado por June Millington y su hermana Jean, la bajista, a menudo son etiquetadas como un grupo de mujeres proto que allanó el camino para varias artistas.
Y aunque ayudaron a establecer una presencia femenina en el mundo de la música rock dominado por los hombres, Fanny era mucho más que un grupo de mujeres.
David Bowie lo dijo muy claro: “eran una de las mejores agrupaciones de rock de su tiempo”.
“Debido a que las contribuciones de las mujeres a menudo se ocultan de su historia, cuando comenzó el movimiento “Riot Grrrl” en EU, esas mujeres prácticamente no sabían que sus hermanas del Reino Unido habían estado librando batallas paralelas dos décadas antes”, agregó.
“Pero los estadounidenses estaban mucho mejor financiados y organizados de lo que habíamos estado, dando bandazos a través de la tierra de nadie para hacernos oír. Pasó un tiempo antes de que Kurt Cobain tomara partido y Sonic Youth se uniera a The Slits”.
Las principales voces
femeninas del género como Patti Smith, Debbie Harry, Bikini Kill han dejado su
huella en la escena con una serie de temas referenciales. En una amplia
exploración de las figuras femeninas prominentes del punk, Vivien Goldman escribió
que “el punk liberó a las músicas”.
Para Joe Strummer, el líder de
The Clash una vez le dijo: “El punk rock está destinado a ser nuestra libertad.
Estamos destinados a poder hacer lo que queremos hacer”.
A raíz del auge del punk a lo largo de la década de 1970 con agrupaciones como New York Dolls, Suicide, The Ramones y The Clash, el punk estaba desarrollando numerosos y amplios mensajes a través de su música.
El simple mensaje de que el antisistema ya no era la fuerza prominente, sino que los subtemas de esa consideración más amplia estaban ganando impulso.
Tratando de definir la
formación del punk, el baterista de los Ramones, Tommy Ramone, dijo una vez:
“En su forma inicial, muchas cosas de la década de 1960 eran innovadoras y
emocionantes. Desafortunadamente, lo que sucede es que las personas que no
podían compararse con los de Hendrix empezaron a alejarse. Pronto tuviste
interminables solos que no iban a ninguna parte. En 1973, supe que lo que se
necesitaba era algo de rock 'n' roll puro, despojado, sin tonterías”.
Desde que existe el punk, la música ha traído un mensaje, una filosofía y un espíritu para defender una determinada ideología que se dirigió directamente a quienes siguieron el movimiento.
Una expresión de inconformismo, una contracultura que se mueve activamente en contra de la norma de la sociedad dominante, el punk surgió como un acto de rebelión e individualismo a través de la música, la moda y el movimiento anti-establecimiento que arrasó con los sellos discográficos independientes, lugares de música y la industria de la música rock en su conjunto.
Y quizá la máxima aquiescencia de los años sesenta a un futuro simplista y el paradigma definitorio de su vida alegórica es el mareo comercial de “We Built This City”. Una pista que resalta irónicamente que el imperio de los años sesenta había regresado a la arena y desaparecido de la mano de Slick y otros que una vez lo sostuvieron en alto tan gloriosamente que casi parece tan legendario como la vida de Slick en retrospectiva.
Afortunadamente, todavía tenemos buenos triunfos de época de Surrealistic Pillow para demostrar que todo esto realmente sucedió.
Slick sucumbiría a estas fuerzas como muchas otras. Apareció en la portada de la revista Teenset con el subtítulo de “Grace Slick y Jimi Hendrix sobre ser negros”. A partir de entonces, terminó en un enfrentamiento armado con la policía después de que fueron llamados a su propiedad tras recibir informes de que “una mujer ebria estaba disparando una escopeta en la casa”. Se produjo un enfrentamiento armado, pero afortunadamente, el arma fue retirada sin víctimas.
Joni Mitchell dijo alguna vez: “En la década de 1970 viste cómo esa cosa hippie descendía a la depresión por las drogas. Inmediatamente después de Woodstock, pasamos por una década de apatía en la que mi generación se chupó el pulgar y luego decidió ser codiciosa y pornográfica”.
Lo que siguió al punto culminante de El “Verano del Amor” para Slick fue una sombría caída. Los nuevos ideales surgidos del envalentonado poder del sexo, las drogas y el rock pronto se vieron empequeñecidos bajo la llamativa superficie de esa impía trinidad.
Y fallarían, lo harían. El glorioso crescendo de completar de “White Rabbit” es la alegoría perfecta para la época, que aceleró a 100 mph con un viento de cola de progreso y esperanza hacia un semáforo en rojo. Era un torbellino de belleza, que se tambaleaba en la línea entre una obertura trágica y una diversión extática, sonaba glorioso y si el primer verso de “Somebody to Love” (“Cuando se descubre que la verdad son mentiras / Y toda la alegría dentro de ti muere / ¿No quieres a alguien a quien amar?”)
Esa vibrante acumulación pronosticó el delirio de Alice que se avecinaba.
Esta fue una generación criada en la desesperación de la guerra, o al menos en la era depresiva del racionamiento que siguió. Ahí reside el corazón de todos los movimientos de los años 60, ya sean los Beatniks o las Black Panthers: una determinación singular de marchar al ritmo de un tambor diferente y renunciar a esto casi desafiando a sus antepasados.
Si los niños del “Verano del Amor” iban a fracasar, lo harían en sus propios términos, no en los banales establecidos por las generaciones anteriores.
Hasta el “Verano del Amor”, los años sesenta habían viajado al precipicio, como explicó Grace Slick, estaba lista para saltar por la madriguera del conejo, las pastillas viejas estaban fuera y las nuevas estaban dentro: “Me identifiqué con Alicia en el país de las maravillas. Pasé de los planeados y anodinos años 50 al mundo de estar en un grupo de rock sin mirar atrás. Fue mi momento de Alice, dirigiéndome hacia el agujero”.
Lo mismo puede decirse de todos los que se deleitaron con la música que produjeron los grupos. Los colores caleidoscópicos del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band pasaron a primer plano cuando la tecnología se puso al día y todo resultó rápidamente inflexible. Slick les dio la bienvenida a su trabajo.
1967 fue el “Verano del Amor”, pero también podría llamarse el verano de Slick. Fue un verano en el que “White Rabbit” pondría el soundtrack, y un evento cultural del que el mundo todavía está traqueteando, ya que la proclamación de Bob Dylan de que los tiempos estaban cambiando y los que se quedaron atrás no deberían criticar lo que no pueden entender, finalmente se hizo realidad. . Ese verano, la contracultura anunció que no era una moda de nicho, sino una fuerza subversiva.
El problema era que estaba respaldado por una caída en picada de hedonismo imposible de sostener, pero en este punto, la canción aún no había alcanzado su punto máximo de “arrojar la radio al baño”. Todavía estaba en su vorágine desafiante a la autoridad de un ocho medio.
