Incluso después de su ruptura, las integrantes de Fanny continuaron presionando por la inclusión de mujeres en la industria de la música.
En 1983, por ejemplo, June fundó el
Institute for Musical Arts, una organización sin fines de lucro diseñada para
apoyar a las mujeres en la música. Luego, en 2018, Fanny regresó con un nuevo
álbum y una gira.
Quizá se sintió atraído por su
confianza. Como dijo una vez June: “No importa cuánto se burlara la gente, seguíamos
mejorando y eso importaba”. Bowie invitó a Fanny a una fiesta en Liverpool.
“Resultó ser el anfitrión perfecto”, recordó Addie. “Sabía cómo mezclarse y
contar historias. Incluso hizo una demostración de mímica para nosotras”.
Pero lo que más llamó la atención de Fanny fue que todas parecían preocuparse genuinamente el uno por el otro. En comparación con las agrupaciones de estadios encabezadas por hombres, Fanny parecía deleitarse con la camaradería en lugar del antagonismo.
“Estaban entusiasmados con la forma en que toqué”, dijo Nickey en una entrevista en la que describió sus primeros días con el grupo, “realmente les gustó. Supongo que estaba acostumbrada a ser la única chica en grupos de rock... Parecían tener una amistad real y un entendimiento como los grupos, pero nunca había visto eso con mujeres”.
Fanny lanzó su debut homónimo en 1970, que le valió elogios de la crítica y varios admiradores notables, incluida Barbara Streisand, para quien los miembros de Fanny también trabajaron como músicas de sesión, actuando en el álbum de 1971 de la cantante, Barbra Joan Streisand.
Pronto, comenzaron a recorrer el mundo, abriendo para todos,
desde Slade y Jethro Tull hasta Humble Pie, con sus eléctricas actuaciones que
les valieron la reputación de ser una de las mejores agrupaciones del circuito.
También fue en este momento que concretaron una amistad con David Bowie, quien
quedó tan impresionado con el sonido de Fanny que les escribió una carta, algo
que continuó haciendo hasta su muerte.
Sintiéndose desanimada, la agrupación decidió empacar para siempre, pero solo después de una última actuación en el club Troubadour de Los Ángeles. Resultó ser una buena decisión.
El productor
Richard Perry estaba entre la multitud esa noche y accedió a ficharlas para su
sello. Después de cantar para Reprise en 1969 y de reclutar a la tecladista
Nickey Barcley, nació Fanny.
Durante mucho tiempo no pasó nada. Después de mudarse a Los Ángeles, Wild Honey pasó el año siguiente trabajando como un grupo de covers de Motown, pero parecía que la escena musical no tenía lugar para ellas, siempre favoreciendo a las agrupaciones de rock exclusivamente masculinas con las que tocaban.
“Cuando era niña, no podía decirle a nadie 'Estoy en un grupo'”, dijo
June Millington. “También podrías decir: 'Voy a volar a la luna'. Simplemente
no estaba en el ámbito de la experiencia. Tuvimos que crear nuestro propio
marco y luego entrar en él”.
Pero, ¿dónde empezó todo? June y Jean emigraron de Filipinas cuando aún eran adolescentes y se establecieron en Sacramento, California en 1961, llegando a una época en la que la radio estaba llena del sonido de los pequeños boppers y el tintineo de las guitarras de surf.
Escuchar e
interpretar música se convirtió rápidamente en una forma para que las hermanas
construyeran un sentido de comunidad en su nuevo hogar. Después de haber
aprendido el ukelele como una forma de pasar el tiempo, June y Jean formaron
The Svelts, que rápidamente se transformaría en Wild Honey, con Brie Brandt en la
batería y Addie Lee en la guitarra.
No solo fueron pioneras en el
papel de la mujer en la música, sino que también fueron una de las primeras agrupaciones
multirraciales que surgieron de la escena hippie de finales de los años sesenta.
Fue una de las agrupaciones más revolucionarias de la década de 1970. Fanny, un grupo de féminas formado por June Millington y su hermana Jean, la bajista, a menudo son etiquetadas como un grupo de mujeres proto que allanó el camino para varias artistas.
Y aunque ayudaron a establecer una presencia femenina en el mundo de la música rock dominado por los hombres, Fanny era mucho más que un grupo de mujeres.
David Bowie lo dijo muy claro: “eran una de las mejores agrupaciones de rock de su tiempo”.
Añadiendo: “Realmente no sé por qué me encanta tanto, pero he estado en muchas situaciones en las que me hubiera gustado que el tiempo se detuviera y que un grupo tocara y cantara esa canción a la gente. Lo he grabado dos veces. La segunda vez, había tenido más experiencias y realmente lo sentí. Me encanta la forma en que sus canciones cambian de octava. Estoy sufriendo mucho por el Covid y mi voz está quebrada, pero estoy tratando de recuperarla cantando 'It's All Over Now, Baby Blue'”.
Pero además de ser un amigo cercano, Faithfull siempre ha apreciado la composición de Dylan, admirando su capacidad para capturar sentimientos universales en solo unas pocas líneas.
Al describir su pista favorita de Dylan, Faithfull continuó diciendo: “Creo que 'It's All Over Now, Baby Blue' trata sobre esos momentos en la vida en los que solo tienes que decir: 'Está bien, lo intentamos, no funcionó', pero es una forma mucho más elegante de decirlo. Es muy cariñoso, pero obviamente todo ha terminado”.
En una entrevista, Marianne Faithfull describió su introducción a un Bob Dylan enamorado en la década de 1960: “Conocí a Bob en el Savoy en 1965”, dijo, y agregó: “Hay un clip de Joan Baez y yo cantando 'As Tears Go By 'en la habitación del hotel mientras Bob teclea en una máquina de escribir.
Más tarde, cuando lo rechacé, me dijo que había sido un poema sobre mí, pero que lo había roto. Estaba tan molesto, pero lo superamos y hemos sido amigos durante 56 años. El realmente me agrada”.
Broken English marcó el final de la ausencia de Faithfull del mundo de la música debido a problemas de salud. En la década de 1970, le diagnosticaron una laringitis grave. Esto, junto con su abuso de drogas, cambió significativamente su estilo vocal.
En los años sesenta, la cantante era famosa por su alto registro, pero el efecto de su estilo de vida en los setenta la dejó con un tono más ronco y maduro. Muchos argumentaron que fueron estas voces “empapadas de whisky” las que permitieron a Faithful capturar las complejas emociones de Broken English con tanta eficacia.
Faithfull comenzó su carrera en 1964 después de conseguir algunos conciertos en cafés locales y clubes de folk. Fue en este momento que fue descubierta por el manager de The Rolling Stones, Andrew Oldham, quien pasó a componer algunos de sus primeros éxitos.
El ascenso de Faithfull también fue apoyado por la muy publicitada relación romántica que tuvo con Mick Jagger de 1966 a 1970. Y aunque muchas de sus primeras canciones fueron escritas por Jagger y Oldham, Faithfull se estableció como una exitosa artista discográfica por derecho propio, lanzando su álbum aclamado por la crítica, Broken English, en 1979.
Marianne Faithful se hizo famosa durante la “Invasión Británica” a EU en la década de 1960. La meliflua voz de soprano de Faithfull en “As Tears Go By” ganó la atención mundial y lanzó una carrera que abarcaría cinco décadas.
Fue una carrera que la vio cruzarse con varios artistas que se convertirían en figuras clave en la historia de la música. Una de esas figuras fue Bob Dylan.
Habló también sobre cómo estos aduladores casi matan a los “poetas del rock” al no escuchar el trabajo de Leonard Cohen. Aunque esto parece muy severo, explicó por qué: “Cualquier músico que se describiera a sí mismo como un poeta que no respondiera al nombre de Leonard Cohen prácticamente garantizaba la decepción. Demasiados poetas del rock que se autodenominan casi han matado el fenómeno”.
Al atribuirse el título de “autodidacta”, Smith deja muy claro su punto de vista. Es tan apropiado hoy como lo fue en la década de 1970.
Las opiniones de Smith no deben tomarse a la ligera. En sus memorias de 2010, Just Kids, proporcionó una toma que muchos aspirantes a músicos necesitan escuchar.
Smith habló sobre la clase de músicos de los que proviene, como Dylan, Cohen y Joni Mitchell, y cuántos intentan aferrarse a su poder en un intento por asegurarse la fama.
Existe una especie de "relación yin y yang" entre el rock y la poesía que no necesita una discusión real. Sin embargo, al mencionar brevemente esta asociación, suele soslayarse a Patti Smith, quien es aclamada como la “poeta laureada del punk”.
Un verdadero artífice de la palabra de la era moderna, Smith ha influido en todos. Esta extensa y glamorosa lista de discípulos le ha dado un aire de respeto que solo es superado por Bob Dylan y Leonard Cohen.
Al igual que Dylan y Cohen, es una escritora de palabras profundamente cerebral y sus obras son muy conmovedoras. Se las arregla para trabajar temas tanto de la sociedad como de la ficción, creando una magia única que muchos han intentado y no han podido imitar.
La música de rock ha cultivado una relación casi simbiótica con la poesía a lo largo de los años. Los héroes antes mencionados y personajes como Lou Reed y Leonard Cohen estaban profundamente en deuda con el ámbito de la poesía.
Probablemente Cohen sea el más importante de todos, e incluso comenzó su carrera creativa como poeta antes de pasar finalmente a la música.
Una de sus facetas centrales es su relación profundamente arraigada con la literatura, que abre al oyente a autores de los que nunca hubiéramos oído hablar y, a menudo, esto cambia la vida. Los autores inspiran a los músicos y viceversa.
De hecho, la cantidad de literatura que ha influido en la música, en general, es vertiginosa.
De hecho, la mayoría de los avances modernos en la música se realizaron por primera vez en el rock. No hablamos solo de la música en sí, sino de las actitudes y el cambio cultural que trajeron.
Si mencionamos tan solo Little Richard, The Beatles, el movimiento punk y Kurt Cobain, hay que poner atención a lo que queremos decir.
Además de ser un amplio espectro que tiene muchos subgéneros, el rock es la definición de interseccionalidad creativa.
