The Beatles │“Rubber Soul” │1965 (II)

A diferencia de los cinco álbumes que lo precedieron, Rubber Soul se grabó durante un período continuo, mientras que el grupo había grabado álbumes previamente durante los descansos entre las fechas de la gira u otros proyectos.

El nombre del álbum proviene del término “Plastic Soul” que los músicos de Soul afroamericanos más populares acuñaron para describir a Mick Jagger, un músico blanco que cantaba Soul.

Fue el segundo álbum de The Beatles, después de la versión británica de A hard day's night, que solo contenía material original; The Beatles no grabarían más versiones de sus discos hasta 1969, con el extracto de “Maggie Mae” aparecido en Let It Be.

The Beatles │“Rubber Soul” │1965 (I)

The Beatles lanzaron su LP Rubber Soul el 3 de diciembre de 1965. El álbum es considerado como uno de los mejores álbumes en la historia de la música popular. En el año de 2012, Rubber Soul ocupó el puesto número cinco en la lista de la revista Rolling Stone de los “500 mejores álbumes de todos los tiempos”.

Rubber Soul es el sexto álbum de estudio del grupo de rock inglés The Beatles. Se grabó en poco más de cuatro semanas para llegar al mercado navideño y se lanzó el 3 de diciembre de 1965. Fue producido por George Martin. 

Similitudes música – cine: Jim Jarmusch (XIII)

En 1997, Jarmusch estrenó su película Year of the Horse, que documentó los viajes de Jarmusch con Neil Young y Crazy Horse durante 1996, que probablemente sea la combinación perfecta de “película en vivo” y sonido en vivo, por así decirlo. Según Jarmusch, Young le dijo: “No pensamos en nuestra música, nunca”.

Al reflexionar sobre esto, el cineasta agregó: “Y es algo cierto para los actores también. Es un trabajo muy difícil ser actor, simpatizo mucho con los actores porque son como niños porque tienen que ser una persona imaginaria al mando”.

Al comparar esto con el trabajo de un músico, Jarmusch agrega: “Depende del tipo de música que toques; en algunas, obviamente, tienes que pensar y trabajar, y pensar, no en la forma en que toco”.

Similitudes música – cine: Jim Jarmusch (XII)

Jarmusch relaciona esta observación con su propia experiencia de grabación con sus compañeros de banda: el baterista, Carter Logan, y el organista/ingeniero de sonido, Shane Stoneback: “Pero hay algo honesto en eso, y creo que eso es cierto musicalmente, y a veces tal vez sea bueno que Shane diga “no te excedas, ya sabes, eres un guitarrista rudo, y suena bien de esa manera. No quieres refinarlo, ¿sabes?”.

Similitudes música – cine: Jim Jarmusch (XI)

Toda la visión de Jarmusch sobre la realización de películas es “aproximarse al tiempo real para la audiencia”. En este sentido, Jarmusch es un “cineasta en vivo”. En paralelo, Jarmusch graba con su banda, Bad Rabbit.

Acerca de la naturaleza de las primeras tomas en lo que respecta a hacer películas en comparación con la música, explica: “Es un poco impactante para mí, y tal vez sea cierto que a menudo en una película la primera toma es la mejor porque no están pensando sobre eso tanto. Los diferentes actores son diferentes, pero muy a menudo la primera toma es la más honesta, en cierto modo, y generalmente es la que está jodida por razones técnicas, porque es la primera toma”.

Similitudes música – cine: Jim Jarmusch (X)

A lo que Jarmusch responde que estaba escuchando mucha música etíope en ese momento, además de jazz de forma libre. “Sí, definitivamente, porque para mí hacer cine es como hacer un disco, a diferencia del teatro, que es como tocar en vivo, probablemente, no soy un tipo de teatro, pero solo tienes ese momento, estás siguiendo tu línea de tiempo en tiempo real”.

Similitudes música – cine: Jim Jarmusch (IX)

Acerca de las insinuaciones en las correlaciones detrás de la música africana, específicamente el músico etíope Mahmoud Amed, y cómo el oído occidental no está acostumbrado a este estilo: “En la música occidental, terminaría de nuevo en la nota tónica, y aquí siempre está un poco apagado, medio paso en cualquier dirección”, dijo.

“Siempre hay estas notas que crean una especie de tensión con el único acorde zumbante. Y pensé que era interesante en el contexto de Broken Flowers porque toda la película no está resuelta, en cuanto a quién escribió la carta, si la carta es real, es realmente un padre, incluso al final”.

Similitudes música – cine: Jim Jarmusch (VIII)

Incluso en el nivel mecánico de la actuación, Jarmusch se esfuerza por mantener el estado de ánimo y la intuición. Jarmusch analiza la escritura detrás de su comedia dramática de 2005: Broken Flowers y cuánto de ella fue informada por una pieza musical en particular.

Similitudes música – cine: Jim Jarmusch (VII)

Jarmusch dijo sobre trabajar con músicos en su película: “Creo que algunos músicos son actores naturales porque están actuando, y otros no, por la razón que sea. Y otros varían según el director. He visto a Mick Jagger hacer algunas cosas no tan interesantes y, sin embargo, creo que su actuación en la película Performance es fantástica, un gran personaje que hicieron. Me encanta ver esa película, la he visto diez veces y siempre estoy impresionado”, dijo el cineasta previo a agregar: “Así que no sé cuál es esa ecuación, para mí, de todos modos, siempre es intuitiva”.

Similitudes música – cine: Jim Jarmusch (VI)

En cada película que Jarmusch ha creado, independientemente de los temas que explore, siempre existe una relación simbiótica entre la música y el cine. Esto se ha trasladado al casting de Jarmusch de músicos convertidos en actores.

Tom Waits, por ejemplo, ha aparecido continuamente en las películas de Jarmusch, ya que Waits como artista habita lugares de expresión similares. Down By Law, Mystery Train, Coffee and Cigarettes y The Dead Don’t Die, son todas las películas de Jarmusch que ha protagonizado Waits.

Similitudes música – cine: Jim Jarmusch (V)

“Para mí, son fases en las que estoy muy solo, escribiendo, y luego me estoy preparando, obteniendo el dinero, y luego estoy con la tripulación y en un barco y es increíble, agotador y estimulante, y luego 'Estoy de nuevo a solas con el editor”, agregó.

“Lo he dicho antes, es como la seducción, el sexo salvaje y luego el embarazo en la sala de edición. Eso es lo que siento por mí”.

Jarmusch es como el Iggy Pop del cine. Esta idea de equiparar el sexo con la creación de la música es en realidad una teoría milenaria, planteada por primera vez por el científico Charles Darwin, quien dijo en su libro The Descent of Man: “Las notas musicales y el ritmo fueron adquiridos por primera vez por los progenitores masculinos y femeninos de la humanidad por el bien de encantar al sexo opuesto”.

Similitudes música – cine: Jim Jarmusch (IV)

“Puse 'Una película de' como protección de mis derechos, pero realmente no lo creo”, dijo Jarmusch en 2014. “Es importante para mí tener un corte final y lo hago para cada película. Así que estoy en la sala de edición todos los días, soy el navegante del barco, pero no soy el capitán, no puedo hacerlo sin el aporte igualmente valioso de todos”.

Esto fue en respuesta a que Jarmusch fuera llamado “autor”, lo que significa alguien cuya película se define por una calidad autobiográfica, tanto que su nombre escrito por todas partes, es innegable que es de ellos.

Similitudes música – cine: Jim Jarmusch (III)

En 2014, Wissem describió la actitud de Jarmusch hacia la realización cinematográfica y la musicalidad como intrínsecamente vinculadas, en cuyo caso se acerca a ambos medios desde un lugar similar, de manera creativa.

“Sé que la forma en que Jarmusch hace sus películas es como la de un músico”, dijo. "Tiene música en la cabeza cuando escribe un guion, por lo que está más informado por una cosa tonal que por cualquier otra cosa”.

Para artistas como Jarmusch, no importa necesariamente en qué medio se trabaja. Es el tipo de artista que ha incursionado en diversas formas de arte a lo largo de los años. Así como los tonos y los estados de ánimo conforman sus películas, su proceso creativo corre paralelo a esto. 

Similitudes música – cine: Jim Jarmusch (II)

Por lo tanto, sus películas se basan en gran medida en el estado de ánimo que se establece a través del espacio negativo, por todo lo que no se dice. El músico y colaborador Josef Van Wissem, un lutista eléctrico (toca un instrumento medieval, un laúd) contribuyó con la música de la película de 2013 de Jarmusch, Only Lovers Left Alive. 

En 2014, Wissem describió la actitud de Jarmusch hacia la realización cinematográfica y la musicalidad como intrínsecamente vinculadas, en cuyo caso se acerca a ambos medios desde un lugar similar, de manera creativa.

Similitudes música – cine: Jim Jarmusch (I)

Como cineasta, a Jim Jarmusch le encanta crear paisajes visuales, a menudo a través de paisajes sonoros musicales creados por exploración experimental. Como director, Jarmusch se propone “aproximar el tiempo real para la audiencia”.

Jarmusch no es alguien a quien le guste dar de comer a sus espectadores. En todo lo que se propone crear, ya sean películas, composiciones musicales o poesía, todo lo que hace con regularidad, busca desafiar a su audiencia; evita las estructuras narrativas naturales e ignora la satisfacción de las personas con una narración lineal.

Como resultado, sus películas a menudo son fragmentadas, minimalistas, de ritmo lento, pero ricas en tono y color.

Marianne Faithfull, Bob Dylan, Canciones (VI)

Añadiendo: “Realmente no sé por qué me encanta tanto, pero he estado en muchas situaciones en las que me hubiera gustado que el tiempo se detuviera y que un grupo tocara y cantara esa canción a la gente. Lo he grabado dos veces. La segunda vez, había tenido más experiencias y realmente lo sentí. Me encanta la forma en que sus canciones cambian de octava. Estoy sufriendo mucho por el Covid y mi voz está quebrada, pero estoy tratando de recuperarla cantando 'It's All Over Now, Baby Blue'”.

Marianne Faithfull, Bob Dylan, Canciones (V)

Pero además de ser un amigo cercano, Faithfull siempre ha apreciado la composición de Dylan, admirando su capacidad para capturar sentimientos universales en solo unas pocas líneas.

Al describir su pista favorita de Dylan, Faithfull continuó diciendo: “Creo que 'It's All Over Now, Baby Blue' trata sobre esos momentos en la vida en los que solo tienes que decir: 'Está bien, lo intentamos, no funcionó', pero es una forma mucho más elegante de decirlo. Es muy cariñoso, pero obviamente todo ha terminado”.

Marianne Faithfull, Bob Dylan, Canciones (IV)

En una entrevista, Marianne Faithfull describió su introducción a un Bob Dylan enamorado en la década de 1960: “Conocí a Bob en el Savoy en 1965”, dijo, y agregó: “Hay un clip de Joan Baez y yo cantando 'As Tears Go By 'en la habitación del hotel mientras Bob teclea en una máquina de escribir.

Más tarde, cuando lo rechacé, me dijo que había sido un poema sobre mí, pero que lo había roto. Estaba tan molesto, pero lo superamos y hemos sido amigos durante 56 años. El realmente me agrada”.

Marianne Faithfull, Bob Dylan, Canciones (III)

Broken English marcó el final de la ausencia de Faithfull del mundo de la música debido a problemas de salud. En la década de 1970, le diagnosticaron una laringitis grave. Esto, junto con su abuso de drogas, cambió significativamente su estilo vocal.

En los años sesenta, la cantante era famosa por su alto registro, pero el efecto de su estilo de vida en los setenta la dejó con un tono más ronco y maduro. Muchos argumentaron que fueron estas voces “empapadas de whisky” las que permitieron a Faithful capturar las complejas emociones de Broken English con tanta eficacia.

Marianne Faithfull, Bob Dylan, Canciones (II)

Faithfull comenzó su carrera en 1964 después de conseguir algunos conciertos en cafés locales y clubes de folk. Fue en este momento que fue descubierta por el manager de The Rolling Stones, Andrew Oldham, quien pasó a componer algunos de sus primeros éxitos.

El ascenso de Faithfull también fue apoyado por la muy publicitada relación romántica que tuvo con Mick Jagger de 1966 a 1970. Y aunque muchas de sus primeras canciones fueron escritas por Jagger y Oldham, Faithfull se estableció como una exitosa artista discográfica por derecho propio, lanzando su álbum aclamado por la crítica, Broken English, en 1979.