Idea Musical: ‘Tom Sawyer’│ Rush (III)

“El tambor es tan detallado”, reveló Neil Peart por su parte. “Pero cuando pasamos a la mitad de la parte del tiempo impar, fue improvisado. Me perdí y me abrí paso a puñetazos y volví a la primera. Y esa improvisación se convirtió en una parte nueva... Es una de esas partes clave que amo y fue absolutamente un error del que tuve suerte y salí”, dijo el baterista.

Idea Musical: ‘Tom Sawyer’│ Rush (II)

“La hice volar”, dijo Alex Lifeson sobre su solo de guitarra. “Entré, hice cinco tomas, luego me fui y me fumé un cigarrillo. Estoy en mi mejor momento para las dos primeras tomas; después de eso, pienso demasiado en todo y pierdo la chispa. En realidad, el solo que escuchas está compuesto a partir de varias tomas”.

Idea Musical: ‘Tom Sawyer’│ Rush (I)

Geddy Lee inicialmente no quería incluir a 'Tom Sawyer'. “¿Pero cómo no? Nos cambió la vida”, admitió con franqueza el cantante y bajista de Rush. La canción tomó una segunda vida después de su uso en la película de Paul Rudd, I Love You, Man, que difundió la música de Rush a una nueva generación.

“Decidimos que cualquier cosa a la que íbamos a decir que no instintivamente, ahora diríamos que sí. Nos sirvió mucho”, dijo sobre la inclusión de 'Tom Sawyer' en la cinta.

Respeto tardío por los Stone Temple Pilots (VIII)

Por extraño que parezca, los Stone Temple Pilots estuvieron tan calientes durante el ciclo Purple que el único número que pudo sacarlos del puesto 1 fueron ellos mismos. "Interstate Love Song", el tercer sencillo del álbum, hizo exactamente eso, y luego se mantuvo en el puesto número 1 durante 15 semanas.

La canción comenzó con un ritmo bossa nova entregado por Robert DeLeo y eventualmente se convirtió en la gran canción de rock que conocemos. Al igual que muchas de las otras canciones del álbum, Weiland le echó un vistazo a la letra.

En su autobiografía, el vocalista admite que la canción trata de la honestidad, o falta de ella, cuando se trata de su hábito de drogas. Le había dicho a su novia que no consumía heroína, cuando no era así y escribió las primeras líneas de la canción sobre lo que él sentía que debía estar pensando.

Respeto tardío por los Stone Temple Pilots (VII)

En junio de 1994, con el álbum aterrizando en las estanterías, Stone Temple Pilots avanzaron con el rockero "Vasoline". La introducción agresiva se produjo cuando Robert DeLeo decidió probar algo diferente, canalizando su bajo a través de un pedal wah.

En cuanto al significado de la canción, ha habido algunas interpretaciones. Weiland declaró que se trataba de sentirse como un insecto bajo una lupa. Robert DeLeo dijo que trata de la sensación de cómo la banda se estaba entregando a los medios. Y Weiland luego declararía en su autobiografía, Not Dead and Not for Sale, que "Vasoline" fue escrita sobre su propensión a las drogas.

Específicamente, dijo: "Se trata de quedar atrapado en la misma situación una y otra vez. Se trata de que me convierta en un adicto. Se trata de mentirle a Jannina [la primera esposa de Weiland] y mentirle al grupo sobre mi adicción a la heroína".

Respeto tardío por los Stone Temple Pilots (V)

El grupo ya había comenzado a rodar cuando llegó el álbum Purple el 7 de junio de 1994. En virtud de su éxito, el grupo había sido buscado para contribuir con la banda sonora de la cinta The Crow, uno de los primeros éxitos de taquilla de 1994.

La agrupación entregó una melancólica canción llamada "Big Empty", y como cayó en la línea de su último sencillo Core, "Creep", la canción sirvió como el puente perfecto para Purple. En determinado momento, "Big Empty" llevaba el título "Only Dying", según Robert DeLeo, pero la agrupación lo cambió después de la muerte del actor Brandon Lee mientras filmaba la cinta.

'Bloodletting': un oscuro oasis (IX)

Pero al menos podría haberse preparado para la trágica belleza del cerrador, 'Tomorrow, Wendy'. Escrito por Andy Prieboy, de Wall of Voodoo, es un poco de belleza trágica desde el punto álgido de la crisis del SIDA, lamentando el fallecimiento inminente de una víctima.

Sólo tres meses después del lanzamiento de Bloodletting, Concrete Blonde interpretó una canción del álbum emblemático de Leonard Cohen, I’m Your Man, y obtuvo un éxito con "Everybody Knows" de la banda sonora de Pump Up the Volume.

Para ese momento, Bloodletting ya había demostrado la capacidad del grupo para iluminar un poco la oscuridad y hacer que la gente los amara.

“Empty Glass”: el álbum de The Who que no fue (XII)

Pete Townshend no era el único miembro de The Who que trabajaba en un proyecto paralelo en ese momento. El cantante Roger Daltrey protagonizó la película McVicar y lanzaría una banda sonora para la película dos meses después de Empty Glass.

Sin embargo, Daltrey se lamentaría de que Empty Glass fuera una oportunidad perdida para The Who, utilizando material que hubiera servido bien al grupo.

La posición de Townshend como el compositor principal de The Who significa que se podría decir sobre cualquiera de sus proyectos solistas, y dados los propios intereses externos de Daltrey, indicaba algo de un doble estándar.

“Empty Glass”: el álbum de The Who que no fue (II)

En mayo del año siguiente, el renovado grupo hizo su debut en vivo, y las grabaciones iniciales de la nueva alineación pronto siguieron con nuevas pistas en la banda sonora de Quadrophenia. El grupo parecía haber resistido esa tragedia (y otras, incluida la muerte de 11 asistentes en diciembre de 1979 en su concierto en Cincinnati) con notable resistencia, pero el viaje a Face Dances en 1981 incluiría varios desvíos.

Uno de ellos, el proyecto solista de Pete Townshend, en mayo de 1980, Empty Glass, ha sido citado como un disco de The Who que nunca fue, pero su forma final se beneficia del desarrollo como proyecto personal del guitarrista, y habría disminuido como empresa de la agrupación.

Eddie Cochran inspira a los Pistols (III)

Elegido por Virgin Records como sencillo de 45 de la nueva banda sonora de la película The Great Rock ‘n’ Roll Swindle, el sencillo apareció después de la partida de Johnny Rotten y, por lo tanto, el álbum contó con voces de diferentes artistas.

Incluyeron a Edward Tudor-Pole, del entonces actor punk Tenpole Tudor, y al guitarrista de los Pistols, Steve Jones, quien tomó la delantera en el lado A del single: "Friggin" In The Riggin".

Aparece "The Killing Moon" (1984)

El 4 de mayo de 1984, un día antes del 25 cumpleaños del líder Ian McCulloch, Echo & the Bunnymen lanzó su cuarto álbum de estudio: Ocean Rain. Considerado como el mejor trabajo de la agrupación, Ocean Rain incluye los singles "The Killing Moon" (reavivado con una popularidad casi estratosférica después de aparecer de manera prominente en la banda sonora de Donnie Darko), "Silver" y "Seven Seas".

El grupo escribió las canciones para el álbum en 1983 mientras grababa durante 1984 en París usando una orquesta de 35 piezas (con otras sesiones en Bath y Liverpool para “The Killing Moon”).

Siguiendo el tema islandés para Porcupine, la portada para Ocean Rain fue diseñada por Martyn Atkins y la fotografía del grupo flotando en un barco en una caverna iridiscente fue tomada por el fotógrafo Brian Griffin.

En 2008, Echo & the Bunnymen celebraron el álbum realizando Ocean Rain durante varios conciertos con el respaldo de una orquesta.

Yardbirds, Beck y Page: ‘Blow-Up’ (VII)

Resultó que, una oscura banda llamada The In Crowd, con el futuro integrante de Yes, Steve Howe, fue inicialmente elegida para el papel. Pero se convirtieron en la multitud una vez que los más populares The Yardbirds estuvieron disponibles.

Se crearon varias imitaciones de guitarras Gibson ES-175 para la multicitada escena.

Yardbirds, Beck y Page: ‘Blow-Up’ (VI)

Por supuesto, hay una historia detrás de la historia. Antonioni, quien fue nominado a Mejor director y Mejor guion original por Blow-Up, la primera película en idioma inglés del italiano, había esperado conseguir a los también ingleses The Who, ya conocido en Londres por las acrobacias de Pete Townshend.

Los rumores de que tanto The Animals como los estadounidenses del Velvet Underground también se consideraron se han difundido a lo largo del tiempo.

Yardbirds, Beck y Page: ‘Blow-Up’ (V)

Thomas tiene aún menos interés en la música que los otros miembros de la audiencia, pero siempre está fascinado por lo inusual y las cosas salen mal, por lo que comienza a notar que un sonido estático crujiente que emerge del amplificador defectuoso de Beck irrita cada vez más al guitarrista.

Thomas se mueve entre la multitud y toma su lugar más cerca del escenario mientras Beck, a pesar de los intentos de ayuda de Relf y un roadie, finalmente se harta, golpea el cuello de su guitarra en el amplificador que funciona mal y, finalmente, la golpea en el piso del escenario. Beck la pisa, levanta el cuello destrozado y lo arroja a la multitud. No cuesta mucho adivinar quién termina sus presentaciones así.

Yardbirds, Beck y Page: ‘Blow-Up’ (IV)

El quinteto se mece con fuerza, tocando una canción que llaman "Stroll On", pero que es, no hay que equivocarse, una versión apenas disfrazada de "The Train Kept A-Rollin'", una composición de 1951 del artista de R&B Tiny Bradshaw, cuyo arreglo fue después interpretado por la agrupación estadounidense The Rock and Roll Trio, liderada por Johnny Burnette.

Yardbirds, Beck y Page: ‘Blow-Up’ (II)

La guitarra y el ritmo de boogie-blues, cada vez más fuerte, atrae al personaje de Hemmings, un fotógrafo llamado Thomas, a un club de música rock, el “Ricky-Tick”. La audiencia, desde un lado al principio, aburrida, inmóvil, sin expresión, la música no tiene un impacto notable en ella. ¿Desconocen que se trata de The Yardbirds, una de las mejores agrupaciones que surgió de la increíblemente fértil invasión británica?

Yardbirds, Beck y Page: ‘Blow-Up’ (I)

Escuchas al grupo antes de ver la escena, una de las más recordadas en el clásico Blow-Up de Mod británico de 1966, del cineasta Michelangelo Antonioni, tiene aproximadamente cinco minutos de duración. Comienza cuando el actor David Hemmings, pensando que ha visto a alguien que está buscando (Vanessa Redgrave, en realidad), estaciona su auto, sale y corre en su dirección.

Ella desapareció, si alguna vez estuvo ahí, algo común en el centro del subyacente mensaje de la cinta, pero algo le ordena que vaya en otra dirección, girando en un callejón.

Gal Costa: "Gal" (1969)

El movimiento brasileño de la Tropicália tenía tanto que ver con la psicodelia como con una declaración política: era una música radical hecha contra un gobierno opresivo. También fue emocionante en términos puramente musicales, produciendo obras emblemáticas de Tom Zé, Os Mutantes y Caetano Veloso.

Pero este álbum de 1969 de Gal Costa fue el más radical y bello de todos. Ya conocido como un cantante pop superior, Costa colabora aquí con una banda de estudio sublimemente extraña. Lo que hacen con 'Cinema Olympia' de Veloso, originalmente una pequeña canción sobre películas, es realmente alucinante.

Emitt Rhodes: "Emitt Rhodes" (1970)

Aunque no es un nombre familiar, Emitt Rhodes inspiró a muchos artistas de la grabación de bricolaje con este clásico relativamente oscuro del pop-rock. Lanzado el mismo año que el debut solista de Paul McCartney, el álbum homónimo estaba plagado de melodías divertidas ("Somebody made for me") y extravagantes ganchos que, en su espíritu inventivo, rivalizaban con las del ex Beatle.

Consignado durante mucho tiempo al estado de culto, Rhodes disfrutó de un resurgimiento cuando su canción, "Lullabye", apareció en la película de 2001 The Royal Tenenbaums.

Mike Oldfield — "Tubular Bells" (1973)

Algunas personas descartan Tubular Bells como un arquetipo de la música New Age, pero no se puede negar la brillantez del álbum con respecto tanto a la concepción como a la ejecución. Con tan sólo 19 años cuando hizo el disco, produciendo 99% de él mismo, Oldfield elaboró ​​una epopeya conceptual de 50 minutos, cuyas únicas pistas se titularon "Tubular Bells, Part One" y "Tubular Bells, Part Two". se basó en el rock, la música tradicional clásica y británica e irlandesa.

Tubular Bells no sólo proporcionó a la película de terror The Exorcist la sección más memorable de su banda sonora, sino que también ayudó a gestar su primera fortuna al fundador de Virgin Records: Richard Branson.