PJ Harvey: Inquebrantable brillantez artística (X)

Fue con el segundo álbum del trío, Rid of Me, donde la suerte de Harvey realmente cambió. El álbum incorporó blues, goth y grunge. El grunge no solo era el zeitgeist en ese momento, el productor de Rid of Me, no era otro que el favorito de todos, Steve Albini.

Volviendo a Kurt Cobain, fueron las grabaciones de Rid of Me lo que Albini le mostró a Nirvana para asegurar su papel como productor de su icónico álbum final, In Utero.

Las punks que lucharon por la igualdad (XIV)

Durante los años 90, sin embargo, el punk se manifestó más obviamente en Riot Grrrl: un movimiento punk hardcore feminista clandestino que se originó en paralelo al grunge en el estado de Washington en el noroeste del Pacífico.

Un movimiento subcultural que aún combina una conciencia feminista con una ética de bricolaje inspirada en el punk, incluida la organización de base y el activismo político, Riot Grrl generó muchos íconos de los últimos días para las punks femeninas, junto con algunas fantásticas agrupaciones, como Bikini Kill, Bratmobile, el Reino Unido. -basado en Huggy Bear, y el trío en constante evolución de Portland, Oregon, Sleater-Kinney.

"Song 2" / Blur

Cuando Blur escribió la canción, querían tocarla para su discográfica como una broma, pues pensaban que era demasiado ruidosa como para lanzarla como single. "Song 2" era atípica del estilo de Blur, ya que suena menos como el resto del catálogo de Britpop de la agrupación.

La canción fue escrita para burlarse de la música grunge en EU. Graham Coxon estaba cansado de hacer partes complicadas y quería hacer algo simple, con tanto ruido como fuera posible.

"Song 2" fue producida en Maison Rouge Studio, con las voces grabadas en vivo y mucho fuzz y distorsión en la guitarra, generando el sonido fuerte que Coxon buscaba. "Song 2" contó con dos kits de batería, con Dave Rowntree y Graham Coxon tocando la batería simultáneamente.

Las tendencias duales de Sonic Youth

El hecho de que A Thousand Leaves careciera de "ideas de canciones clásicas" podría haber alimentado el desdén de algunos críticos por ella en 1998, aunque gran parte del disco se haya añejado bastante bien. “Sunday”, una joya innegable, Dylan Dávila, que se ubica en el marco de las tendencias duales de Sonic Youth hacia la melodía y los giros experimentales, fue uno de los primeros sencillos.
 
El tema sería “editado” por la radio comercial: sus cinco minutos originales pasarían a tres. Dicha versión omite el pasaje más interesante de la canción: un auténtico duelo entre las guitarras de Thurston Moore y Lee Ranaldo. Mientras sus instrumentos se desencadenan, Moore dice inexpresivamente: "Contigo, el domingo nunca termina", justo antes de que las luces se apaguen...y la canción se disuelva. 

 

Respeto tardío por los Stone Temple Pilots (X)

Ninguna agrupación tuvo que lidiar con un rap peor en la era del grunge que los Stone Temple Pilots, con sede en San Diego.

Considerados, injustamente, como intrusos calculadores en el zeitgeist de Seattle, el grupo de Scott Weiland tuvo que responder a sus críticos con un éxito incondicional, comenzando con el popular Core de 1992 (ocho veces Platino y contando) y continuando con Purple, de 1994, que pasó al número 1 y generó éxitos que definieron la era:

"Vasoline", "Interstate Love Song" y "Big Empty". Una gran cantidad de cortes de calidad ("Meatplow", "Army Ants", etc.) han garantizado la longevidad comercial e incluso un respeto crítico tardío por Purple.

Respeto tardío por los Stone Temple Pilots (IX)

"Creo que este álbum es mucho más satisfactorio", agrega Weiland. "Musical, sonora, líricamente, todo se siente mejor para mí. Parece que pudimos ser mucho más honestos, pero aun así vulnerables en cierto sentido".

Casi tres décadas después, Purple, de los multicitados Stone Temple Pilots es un álbum clásico y puede verse como el disco donde el grupo realmente comenzó a establecer su identidad musical.

Respeto tardío por los Stone Temple Pilots (VIII)

Por extraño que parezca, los Stone Temple Pilots estuvieron tan calientes durante el ciclo Purple que el único número que pudo sacarlos del puesto 1 fueron ellos mismos. "Interstate Love Song", el tercer sencillo del álbum, hizo exactamente eso, y luego se mantuvo en el puesto número 1 durante 15 semanas.

La canción comenzó con un ritmo bossa nova entregado por Robert DeLeo y eventualmente se convirtió en la gran canción de rock que conocemos. Al igual que muchas de las otras canciones del álbum, Weiland le echó un vistazo a la letra.

En su autobiografía, el vocalista admite que la canción trata de la honestidad, o falta de ella, cuando se trata de su hábito de drogas. Le había dicho a su novia que no consumía heroína, cuando no era así y escribió las primeras líneas de la canción sobre lo que él sentía que debía estar pensando.

Respeto tardío por los Stone Temple Pilots (VII)

En junio de 1994, con el álbum aterrizando en las estanterías, Stone Temple Pilots avanzaron con el rockero "Vasoline". La introducción agresiva se produjo cuando Robert DeLeo decidió probar algo diferente, canalizando su bajo a través de un pedal wah.

En cuanto al significado de la canción, ha habido algunas interpretaciones. Weiland declaró que se trataba de sentirse como un insecto bajo una lupa. Robert DeLeo dijo que trata de la sensación de cómo la banda se estaba entregando a los medios. Y Weiland luego declararía en su autobiografía, Not Dead and Not for Sale, que "Vasoline" fue escrita sobre su propensión a las drogas.

Específicamente, dijo: "Se trata de quedar atrapado en la misma situación una y otra vez. Se trata de que me convierta en un adicto. Se trata de mentirle a Jannina [la primera esposa de Weiland] y mentirle al grupo sobre mi adicción a la heroína".

Respeto tardío por los Stone Temple Pilots (VI)

La banda interpretó la canción en vivo por primera vez durante la grabación de su especial de MTV Unplugged, pero la canción quedó inicialmente fuera del especial editado. Sin embargo, con la canción en las listas (alcanzó el número 3), MTV comenzó a transmitir la actuación de Unplugged de la canción que serviría como video para el tema.

Respeto tardío por los Stone Temple Pilots (V)

El grupo ya había comenzado a rodar cuando llegó el álbum Purple el 7 de junio de 1994. En virtud de su éxito, el grupo había sido buscado para contribuir con la banda sonora de la cinta The Crow, uno de los primeros éxitos de taquilla de 1994.

La agrupación entregó una melancólica canción llamada "Big Empty", y como cayó en la línea de su último sencillo Core, "Creep", la canción sirvió como el puente perfecto para Purple. En determinado momento, "Big Empty" llevaba el título "Only Dying", según Robert DeLeo, pero la agrupación lo cambió después de la muerte del actor Brandon Lee mientras filmaba la cinta.

Respeto tardío por los Stone Temple Pilots (IV)

Weiland: "Estoy tan seguro de la composición de la gente de este grupo, la gente con la que toco música, que no dejaré que ninguna persona intente juzgarme como persona o compositor, porque yo sé dónde estamos. No estoy diciendo que somos mejores que todos los demás, pero somos una entidad completamente diferente a cualquier otra persona. Estoy satisfecho con este álbum, y espero que sigamos desafiándonos y progresando como compositores".

Respeto tardío por los Stone Temple Pilots (III)

Envalentonados por las experiencias que habían ocurrido durante unos años difíciles para la banda, el vocalista Scott Weiland canalizó algunas de las tensiones y autorreflexión en el contenido lírico, mientras que los miembros restantes del grupo aumentaron su juego proporcionando las partes musicales y expandiendo los sonidos del grupo.

Respeto tardío por los Stone Temple Pilots (II)

Antes del lanzamiento de Purple, el bajista Robert DeLeo dijo: "Es una pena para la prensa tener la oportunidad de basar nuestra existencia en un álbum. No es justo para ninguna banda, y no me preocupa que 12 canciones sean lo único que haremos. Todos estamos creciendo como personas y músicos, sólo dale tiempo y las cosas se ramificarán". Y se ramificaron.

Respeto tardío por los Stone Temple Pilots (I)

Cuando llegó 1994, los Stone Temple Pilots estaba en una buena racha, generando éxito tras éxito de su disco debut: Core. Sin embargo, con todo el éxito, todavía había algunos detractores que sentían que habían llegado tarde al movimiento grunge aprovechando el camino trazado por aquellos que los precedieron y específicamente haciendo comparaciones con Pearl Jam.

Para cuando la agrupación terminó de promocionar su set de segundo año, Purple, esos detractores fueron silenciados en gran parte.

'Bloodletting': un oscuro oasis (II)

Sin embargo, de vez en cuando, una melodía sorprendentemente suculenta atravesaba el árido páramo y momentáneamente hacía que las cosas parecieran estar bien. "Joey", de Concrete Blonde fue una de esas canciones.

Concrete Blonde ya había estado dando vueltas por un buen tiempo cuando Bloodletting fue lanzado el 15 de mayo de 1990. Lanzaron su primer sencillo en 1982, su LP debut homónimo en 1986 y el siguiente, Free, tres años después.

'Bloodletting': un oscuro oasis (I)

Lanzado en mayo de 1990, Bloodletting, de Concrete Blonde fue un oasis para aquellos que morían por una gota de algo profundo, oscuro y rico.

El tiempo entre el final del auge del rock alternativo de los años 80 y el ascenso de Nirvana fue malditamente cercano a lo Dickensiano en su desolación. Claro, había un montón de gemas pop y delicias subterráneas para desenterrar, pero la mayoría de las ondas principales no eran inspiradoras.

Nirvana: "The Story of Simon Simopath" (1967)

Musicalmente, el dúo inglés Nirvana no podría ser diferente de la agrupación de Seattle del mismo nombre. En deuda con Donovan y The Incredible String Band, este álbum conceptual está impregnado de dulzura de rima infantil y fantasía de flores. Sin embargo, el concepto central, sobre un inadaptado que encuentra nueva vida después de una estancia en una institución mental, era algo que sus homónimos del grunge de Nirvana podrían haber apreciado.

"Where the Wild Things": un recipiente para dibujar

A diferencia de la mayoría de las cantantes con una reputación de actuaciones físicamente extremas, el comportamiento en el escenario de Karen O nunca está sujeto a una interpretación psicoanalítica, ni debería serlo: esa sonrisa vertiginosa e infantil que muestra de forma rutinaria nos deja entrar en la fantasía imaginaria de todo, recordándonos una vez más que el rock es en realidad la versión adulta de construir un fuerte o jugar con muñecas.

Para Karen O, Where the Wild Things Are no es tan sólo una banda sonora: es un recipiente a través del cual puede volver a dibujar sus alrededores.

En cierto sentido, esta banda sonora cumple una función similar para los Yeah Yeah Yeahs, como lo hizo la serie MTV Unplugged para las presentaciones de grunge a mediados de los 90, una oportunidad para desnudarse, pero también para ser más elaborados y acumular vibraciones, instrumentos de viento de madera y otras texturas acústicas.

Pixies - "Doolittle" (1989) - B

Sin embargo, la contribución definitoria de Doolittle fue el cambio esquizofrénico silencioso/ruidoso que pronto sería una moneda común en el paisaje sonoro del rock de los 90. "Dinámica pura", refirió David Bowie acerca de esos golpes sonoros. “Muy obvio ahora, pero no tan obvio en ese momento. Una dinámica de mantener el verso extremadamente silencioso y luego estallar en una llamarada de ruido".

Incluso Kurt Cobain admitiría que “Smells like teen spirit” fue su intento de "estafar a los Pixies". Algo que Francis estaba feliz de aceptar en 2013. "Si Kurt Cobain lo confesó, entonces a la mierda, estoy de acuerdo con eso, ¡nos estafaste...!”.

Pixies - "Doolittle" (1989) - A

El líder de los Pixies, Black Francis, recordó haberse acostado en el piso de la sala del guitarrista Joey Santiago mientras tocaba el demo de Doolittle, sintiendo que su grupo estaba a punto de causar un cambio tectónico. “Recuerdo haber dicho: 'Guau, realmente hicimos algo especial'. Y ni siquiera habíamos hecho el disco".

Nirvana disparó con Nevermind, movilizando al rock alternativo. Empero, los Pixies llegaron dos años antes, incluso antes de Bleach, con un segundo álbum que combinaba la furia erizada con los ganchos para llevarlo a la superficie.

Leftfield golpeó singles como “Monkey gone to heaven” y “Here comes your man” que terminaron siendo una navaja de afeitar en el globo ocular de la escena del rock, estableciendo que los inadaptados de la ciudad podrían secuestrar el brillo de MTV.