The Beatles │“Rubber Soul” │1965 (II)

A diferencia de los cinco álbumes que lo precedieron, Rubber Soul se grabó durante un período continuo, mientras que el grupo había grabado álbumes previamente durante los descansos entre las fechas de la gira u otros proyectos.

El nombre del álbum proviene del término “Plastic Soul” que los músicos de Soul afroamericanos más populares acuñaron para describir a Mick Jagger, un músico blanco que cantaba Soul.

Fue el segundo álbum de The Beatles, después de la versión británica de A hard day's night, que solo contenía material original; The Beatles no grabarían más versiones de sus discos hasta 1969, con el extracto de “Maggie Mae” aparecido en Let It Be.

The Beatles │“Rubber Soul” │1965 (I)

The Beatles lanzaron su LP Rubber Soul el 3 de diciembre de 1965. El álbum es considerado como uno de los mejores álbumes en la historia de la música popular. En el año de 2012, Rubber Soul ocupó el puesto número cinco en la lista de la revista Rolling Stone de los “500 mejores álbumes de todos los tiempos”.

Rubber Soul es el sexto álbum de estudio del grupo de rock inglés The Beatles. Se grabó en poco más de cuatro semanas para llegar al mercado navideño y se lanzó el 3 de diciembre de 1965. Fue producido por George Martin. 

George Harrison impele a Led Zeppelin (VII)

Según Brad Tolinski a través de un informe de Rolling Stone, Harrison le dijo a Bonham en una fecha anterior que el único problema con Led Zeppelin era que “ustedes nunca hacen baladas”. Una agrupación aparentemente de rock duro, tenían sus puntos más suaves, incluidos “Going to California” y “The Battle of Evermore”.

‘Acid Tongue’ – Jenny Lewis (II)

“Al final de esa experiencia”, continúa, “mi mamá estaba fuera de la ciudad en un viaje por su cuenta y regresó para buscarme unas 5 libras menos y yo tenía - estaba tan desesperada por volver a la normalidad que decidí beber un galón entero de jugo de naranja. Vi que estaba en el refrigerador y decidí que esto eliminaría el LSD de mi sistema, pero no me di cuenta de que hacía exactamente lo contrario”.

‘Acid Tongue’ – Jenny Lewis (I)

Lanzado en 2008 como la pista titular del álbum de Jenny Lewis, ‘Acid Tongue’ se inspiró directamente en una noche fatídica. La mayoría de las canciones de nuestra lista tienen un toque positivo en su sonido, sin embargo, Lewis se centra en su primer viaje ácido cuando era adolescente y en cómo moldeó su vida.

“Culminó en una escena similar a algo de Fear and Loathing en Las Vegas, la escena en la que Hunter S. Thompson tiene que encerrar al abogado en el baño”, recordó Lewis cuando habló con Rolling Stone.

“En cierto modo asumí que el personaje de Hunter S. Thompson y mi amiga - ella había tomado demasiado - decidió sacar un cuchillo de carnicero del cajón de la cocina y perseguirme por la casa”. Eso no es exactamente lo que necesitas.

Roger Waters │ Su canción favorita de Leonard Cohen (VII)

Waters dejó Pink Floyd en 1985, citando diferencias creativas con David Gilmour, y los dos apenas se ponen de acuerdo sobre qué día es, y mucho menos sobre cualquier otra cosa. Sin embargo, una cosa que sí tienen en común es su amor compartido por Leonard Cohen. 

Hablando con Rolling Stone, Gilmour reveló que ahora no solo es admirador de las letras y composiciones de Cohen, sino también de su forma de tocar la guitarra. Puede haber sido la razón de la atención adicional que prestó a las portadas cuando dijo a la publicación:

Fleetwood Mac inspiró un grandioso éxito (V)

El cover resultó ser bueno y malo para Green. Tras su salida de Fleetwood Mac, regalaría toda su fortuna y se encontraría cerca de la pobreza a finales de los años setenta, utilizando sus cheques de regalías de esas canciones para mantenerse a flote.

Sin embargo, según Christine McVie, la canción también fue un instigador de su caída, ya que lo llevó a conocer a muchas personas interesadas en la magia negra.

En una entrevista con Cameron Crowe para Rolling Stone, McVie sugirió que estas personas lo convirtieron en ácido y pusieron las ruedas en movimiento para su confusión.

Las punks que lucharon por la igualdad (VIII)

También emergieron rápidamente como contendientes en la escena punk del Reino Unido X-Ray Spex, liderado por la anárquica y anglo-somalí Poly Styrene (también conocida como Marion Elliott). Más tarde, descrita por Billboard como el "arquetipo del punk feminista moderno", Poly usaba con orgullo aparatos dentales y, quizá la mayoría de las punks femeninas de la época, se resistía a la idea de la estrella de rock estereotipada de objetos sexuales de los 70.

El hirviente, anti-consumista y pro-feminista debut de X-Ray Spex 45, "Oh Bondage Up Yours!" todavía se considera como uno de los discos de 45 más importantes del punk, mientras que su único y subestimado LP, Germfree Adolescents, también incluyó tres éxitos del Top 40 del Reino Unido.

Las punks que lucharon por la igualdad (VII)

Otra compositora fenomenal relacionada con el séquito inicial de Sex Pistols fue Chrissie Hynde, ex colaboradora de NME, nacida en Ohio. Después de haber trabajado en el emporio SEX inspirado en el punk de Malcolm McLaren y Vivienne Westwood en King's Road de Londres, formó The Pretenders en 1978, firmó con Dave Hill's Real Records y, a finales del 79, había obtenido dos números 1 en el Reino Unido por cortesía de la adictiva. 45 “Brass In Pocket” y el LP debut homónimo, duro pero logrado, de su agrupación.

"Time and a Word", de Yes (III)

Ray Davis, de The Kinks, al escuchar la canción “Everydays” del álbum en una prueba con los ojos vendados en 1970: “Bien, me gustan las cuerdas al principio. Es muy difícil conseguir ese sonido. Suena como Cleo Laine, probablemente destinado a sonar como ese tipo de The Zombies. ¿Es una banda sonora? "

El baterista Bill Bruford fue todo un oráculo cuando le dijo a Melody Maker, en 1970: “La diferencia entre el primer y el segundo LP es inmensa. En consecuencia, preveo una gran mejora entre el segundo y el tercero".

Ese tercer álbum fue el álbum The Yes, con Steve Howe en la alineación, un clásico del rock progresivo.

The Beatles se convirtieron en The Beatles

Rubber Soul, el álbum donde The Beatles se convirtieron en The Beatles. Era la música más extrovertida que jamás habían hecho, pero también la más cálida, amigable y emocionalmente directa.
 
Tan pronto como se lanzó el álbum, en diciembre de 1965, Rubber Soul cortó la historia de la música pop a la mitad. "Finalmente nos hicimos cargo del estudio de grabación", le dijo John Lennon a Jann S. Wenner de la revista Rolling Stone en 1970.
 
"En Rubber Soul estábamos aprendiendo la técnica. Fuimos más precisos al hacer el álbum, eso es todo. Y nos hicimos cargo de la portada…y de todo".

El influyente y mitologizado Peter Green (XVI)

"La carga de nuestro éxito lo perseguía", señaló Fleetwood. "Peter pensó que todo era una mierda y estaba convencido de que a la gente nunca le gustó".

En abril de 1970, una entrevista de NME reveló el alcance del agotamiento de Green. “Siento que es hora de un cambio. Quiero cambiar toda mi vida, de verdad, porque no quiero ser parte del mundo condicionado y, en la medida de lo posible, me voy a salir de él".

Saldría de él, en ambos sentidos. A principios de 1970, después de una desastrosa dosis de LSD en un enclave hippie de Munich, el frágil espacio para la cabeza de Green se hizo añicos por completo, lo que llevó al guitarrista a abandonar al grupo y caer en una existencia narrada principalmente por los titulares de los periódicos.

El influyente y mitologizado Peter Green (IX)

Aun así, Green no tardó mucho en formar parte de los Bluesbreakers. Los miembros originales de Fleetwood Mac recuerdan su enfoque como equivalente a una pandilla de prensa ("Peter preguntó si quería un trago", recordó el guitarrista Jeremy Spencer, "y mientras estábamos junto en el bar, habló como si ya estuviera en él").

Y a fines del verano de 1967, Vernon desbloqueó Decca Studios al amparo de la oscuridad para una sesión secreta de la naciente formación, completada por el baterista Mick Fleetwood y el bajista original Bob Brunning (reemplazado en breve por John McVie).

Muy pronto, la prensa musical zumbó (Melody Maker: "El ex guitarrista de John Mayall, Peter Green, está formando un nuevo grupo tipo Cream") y Mayall aceptó gentilmente la pérdida de un segundo dios de la guitarra en tantos años. En verdad, Melody Maker estaba fuera de lugar.

‘Walk Away’: The James Gang (IV)

En julio de 1971, el baterista de James Gang, Jim Fox, le dijo al New Musical Express: "No vamos conscientemente a los estudios y grabamos un sencillo, esa es la decisión de otra persona de qué lanzar de un álbum. Todos nuestros singles se han desprendido de álbumes. Nos han ido bien con los álbumes y ese es nuestro objetivo, hemos logrado lo que estamos buscando".

Tenía razón: un año después, Thirds recibió certificación de oro por parte de la RIAA, sólo nueve meses después de que su predecesor, The James Gang Rides Again, obtuviera el mismo reconocimiento.

‘Walk Away’: The James Gang (II)

Una de las cuatro canciones de Joe Walsh, integradas en Thirds , "Walk Away" abrió un álbum que subiría al número 27 y obtendría la certificación de oro al año siguiente. El sencillo escaló la cuenta regresiva para todo junio y la mayor parte de julio, y se detuvo en el número 51.

Fue su mejor presentación en el Hot 100. A Walsh le gustó tanto la canción que la volvió a grabar como solista, en una versión que figura en la sección 'Bubbling Under' de Billboard en el número 105 en el año de 1976.

‘Mad Dogs & Englishmen’: Joe Cocker (VIII)

El profundo amor de Cocker por el soul estadounidense exigió que él y Russell arreglaran un popurrí de canciones asociadas con Ray Charles, Sam y Dave y Otis Redding, y todas las noches derribaban la casa, al igual que su ruidosa interpretación de Ashford y Simpson: "Let's go get stoned" y el amplificado "Cry me a river".

Como John Mendelsohn, de Rolling Stone, escribió en 1968, “Cocker ha asimilado la influencia de Ray Charles hasta el punto de que su sentimiento por lo que está cantando no puede ser cuestionado. Y, en respuesta a la pregunta de por qué alguien debería escuchar a Cocker cuando hay que escuchar a Charles, ¿cuántas veces en los últimos años se ha aplicado este último a un material moderno tan excepcional?

Efectivamente, Cocker no tiene miedo de abordar el material de "Brother Ray" directamente, como en la excelente interpretación de llamada y respuesta coral de "Sticks and Stones", una canción que Charles originalmente emitió en ABC-Paramount en 1960.

Marianne Faithfull: musa en sus propios términos (VII)

De hecho, sus años de reclusión empapada en heroína no fueron tan apartados como a menudo se pintan. Dio una entrevista notable a la NME, en la que dijo sobre los Rolling Stones: "Dormí con tres y luego decidí que el cantante era la mejor opción". (Se negó a nombrar a los otros dos). Apareció en el especial de televisión estadounidense de David Bowie en 1973, The 1980 Floor Show, interpretando “20th Century Blues”, de Noël Coward y dándole un dueto con Bowie en “I got you babe”.

Un álbum de 1976, Dreaming My Dreams, perteneció a su época (el country-rock elegante estaba teniendo un momento pre-punk) y aparentemente construido con un ojo puesto en el pasado: ocasionalmente hay algo de la obsesión de Andrew Loog Oldham por Spector sobre la producción.

"Sticky Fingers": vigencia transgeneracional (VII)

Teniendo en cuenta algunos de los problemas que el grupo había enfrentado con las portadas de los álbumes anteriores, estaban decididos a tener una que se viera como querían, por lo que Mick y Charlie comenzaron a trabajar con Andy Warhol para llegar a un concepto que le agradara al grupo.

La portada del vinilo original, con su cremallera totalmente funcional, es ahora una de las portadas de álbumes más conocidas del mundo; en ese momento, se le solicitó al New Musical Express que escribiera: "La fama se ha extendido desde los labios de Mick Jagger hasta sus cremalleras".

Todo era parte de la determinación con la que los Stones concretaron Sticky Fingers a la perfección.

"Sticky Fingers": vigencia transgeneracional (III)

Tras su lanzamiento, Sticky Fingers fue recibido con deleite por admiradores y críticos por igual. Como dijo la revista Rolling Stone: "Es el último hermoso capítulo de la historia continua del mejor grupo de rock del mundo". El 8 de mayo de 1971, alcanzó el número 1 en el Reino Unido.

Dos semanas después, el 22 de mayo de 1971, el álbum destituyó a Crosby, Stills, Nash & Young con su álbum en vivo 4 Way Street de la posición número 1 en la lista de álbumes de Billboard y luego permaneció allí durante el próximo mes.

Bob Seger: “Against the wind” (III)

Después llegaría Against the wind. Lanzado en Capitol el 25 de febrero de 1980, su undécimo álbum, acreditado a Bob Seger y la Silver Bullet Band, que había formado en 1974, finalmente llevó al músico al puesto 1 en la lista de Billboard. Permaneciendo ahí durante seis semanas.

Against the Wind no fue necesariamente un álbum mejor que su última pareja: Rolling Stone, en su crítica devastadora, lo calificó como "no sólo el peor disco que Bob Seger haya hecho, sino también uno absolutamente cobarde".

Pero Against the Wind hizo clic con el público de una manera que no lo había hecho antes. De ésta producción se desprenderían no menos de cuatro singles: "Fire Lake", la canción principal, "I'll accomp'ny me” y "The horizontal bop", colocando a Seger, por fin, en el escalón superior del rock estadounidense.