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jueves, 11 de noviembre de 2021

Recordando a David Roback (VII)

David Roback no era un músico llamativo, ni siquiera era el más técnico de los músicos, pero lo que hizo con una guitarra fue convertir a franjas de una generación en el rock. El grupo puede haber sentado las bases del grunge en estos mismos momentos, pero nunca estuvieron interesados ​​en convertirse en superestrellas.

David Roback fue guitarrista, músico y artista. Ser una estrella de rock nunca entró en la ecuación.

Recordando a David Roback (VI)

De esta forma, el grupo lanzó algunos EP con diferentes nombres, pero su gran avance llegó con el LP Happy Nightmare Baby que se lanzó en 1987. El LP debut ya está disponible… pero estamos a unas semanas de que Kendra Smith deje el grupo a mitad de la gira y se retire a los bosques del norte de California, siendo reemplazada posteriormente por Hope Sandoval, con la agrupación en la cima.

Recordando a David Roback (V)

Después de comenzar con el grupo que se llamaba Clay Allison, el grupo tomaría su nuevo nombre de una canción de Syd Barrett: 'Opel' y comenzó a canalizar el trabajo del gran hombre de Pink Floyd, mientras colocaban capas de guitarras y voces etéreas con órganos desgarradores.

Compuesto por Roback en la guitarra, la bajista Kendra Smith (de Dream Syndicate) y el baterista Keith Mitchell, el grupo estaba más que listo para comenzar.

Recordando a David Roback (IV)

Presentar no uno, sino tres grupos en escena (y muchos argumentarían que construyó la escena en gran parte por sí mismo). La fase previa a Mazzy Star por parte de Roback, Opal, puede no haber ganado la fama que él y Hope Sandoval obtuvieron más tarde con el grupo, pero vieron cómo Roback puso en práctica su visión y estampa su autoridad en el movimiento clandestino que seguía ganando ritmo y con Kendra Smith sabía que podía llevar Opal a otros niveles.

Recordando a David Roback (III)

La escena nació del renacimiento del garage rock que estaba surgiendo en todo California y vio cómo se rendía homenaje a grupos como Love y The  Byrds, que habían llegado antes que ellos. Fue aquí donde David Roback hizo su hogar.

Recordando a David Roback (II)

Paisley Underground es un género musical que se originó en California y fue particularmente popular en Los Ángeles, alcanzando su punto máximo a mediados de los años ochenta. El subgénero contó con agrupaciones que incorporaron psicodelia caleidoscópica, armonías vocales ricamente texturizadas y una deslumbrante interacción con la guitarra.

Recordando a David Roback (I)

Es posible que el grupo no haya sido el mayor logro de David Roback, con Mazzy Star siempre siendo el punto de contacto cultural con el que muchos estamos familiarizados, pero es digno de reconocerse lo importante que fue Opal, no solo para la evolución de Mazzy Star, sino para toda la burbujeante escena subterránea de Paisley. 

domingo, 7 de marzo de 2021

Las punks que lucharon por la igualdad (IV)

Mientras tanto, en la otra costa, dos artistas femeninas icónicas estaban a punto de pasar a primer plano en la floreciente y altamente competitiva escena punk de la ciudad de Nueva York, centrada principalmente en dos clubes legendarios, CBGB y Max's Kansas City.

Más tarde, aclamado como uno de los primeros álbumes de "art punk" del mundo, el legendario LP de Patti Smith, producido por John Cale, Horses, fue lanzado por Arista en diciembre del 75, con letras por demás originales, llenas de poesía Beat.

La rudimentaria locura del garage-rock aseguró que el álbum ganara rápidamente elogios de la crítica.

domingo, 3 de mayo de 2020

13th Floor Elevators: "The Psychedelic Sounds of The 13th Floor Elevators" (1966)

En el contexto de la carrera del líder del grupo, Roky Erickson, esto se ubica como un álbum de rock'n'roll relativamente directo: la apertura 'You're gonna miss me' es nada menos que un hito punk, una jarra eléctrica y todo. Sin embargo, de alguna manera, este es el gran álbum psicodélico que The Rolling Stones debería haber hecho. Los Elevadores se ocupan de canciones crudas de blues-rock con imágenes embriagadoras y, como siempre, el aullido de otro mundo de la voz de Erickson.

Grateful Dead: "Aoxomoxoa" (1969)

Esta producción musical fue tan psicodélica como los Grateful Dead alguna vez en el estudio. El tema 'What's become of the baby', de ocho minutos de duración fue, efectivamente, su 'Revolution 9', pero hay que tomar en cuenta cómo la voz de Jerry Garcia le da a 'China cat sunflower' una sensación de misterio de la cual carecen muchas versiones en vivo.

Mientras tanto, atestiguamos los indicios de las primeras tendencias de rock de garage de los Grateful Dead ('Doin' that rag') y, en 'St Stephen', su futuro en Americana.

sábado, 4 de abril de 2020

Iron Buterfly – “In-A-Gadda-Da-Vida” (1968)

Éste fue el primer álbum en ser certificado platino (para ventas de un millón de copias) en EU. Actualmente, su reputación se basa en la extensa pista del título, que abarca todo el segundo lado de la versión de vinilo.

Un fenómeno cultural que hizo mucho para presentar una audiencia más amplia a las artimañas del metal, esa pista está lejos de ser lo único positivo en un álbum donde la psicodelia disfuncional se encuentra con un sonido de garage que bombea, como escuchar a Led Zeppelin con las drogas equivocadas. “My mirage” y “Flowers and beads” son temas por demás efectivos. El lado oscuro de la ideología hippy.

Iggy and The Stooges – “Raw Power” (1973)

De pie en la encrucijada en la que el metal, el punk y el garage chocaron de frente, este es un álbum cuya influencia e inspiración ha crecido a lo largo de los años.

Escuchemos cuán tan fuertes se han puesto las guitarras. Sumerjámonos en la energía feroz que se mantiene en todo momento. Algunas personas han argumentado que The Stooges nunca fueron un grupo de metal. Aunque es estrictamente cierto, este disco, después cierto tiempo en pausa, tiene todo lo que impulsó a los thrashers una década más tarde.

Canciones como “Search and destroy”, “Gimme Danger” y “Shake Appeal” están llenas de actitud de metal. Es sorprendente que David Bowie lo haya mezclado originalmente.

viernes, 27 de marzo de 2020

"Here Are The Sonics!!!" (VII)

Empero, Here Are The Sonics!!! no fue un gran éxito comercial, su influencia reverberó en la industria musical durante más de una década después de su lanzamiento. El grupo lanzó un nuevo álbum, Boom, a comienzos de 1966, pero a fines de ese año su apogeo comenzó a disminuir.

"Here Are The Sonics!!!" (VI)

El resto del segundo lado presenta una mezcla de canciones de versiones contemporáneas. “Money (That’s what I want)” es el primer tema donde el grupo parece reservado ya que esta versión es más tranquila que la versión de The Beatles.

"Walking the Dog", de Rufus Thomas, ofrece un buen cambio de ritmo como una versión de rock blues, mientras que Roslie exhibe plenamente sus habilidades vocales en "Night time is the right time", de Lew Herman. Todo esto lleva al tema de cierre aparentemente lógico, "Good golly Miss Molly", ya que Roslie rinde homenaje a Little Richard con una agradable pista de piano.

"Here Are The Sonics!!!" (V)

"Dirty Robber" como una canción que Ormsby trajo con él de los Wailers, seguida de "Have love will travel". Tal vez la canción más pegadiza del álbum, el cover de Richard Berry presenta excelentes riffs y ritmos que respaldan un verdadero escaparate para las voces principales de Roslie.

El lado dos presenta un par de temas originales que parecen ser sobre el abuso del alcohol y las drogas, la regla de terror "Psycho" y "Strychnine", el oscuro rockero "Ode to posion" dirigido por un piano con un atractivo espacio para instrumentos entre los versos.

"Here Are The Sonics!!!" (IV)

Después del popular tema de apertura, vienen un par de covers. "Do you love me", de Berry Gordy Jr, bastante cerca del original, pero con voces de acompañamiento ligeramente diferentes, mientras que "Roll over Beethoven", de Chuck Berry, es una interpretación original con voces solistas duales y muy buenos riffs de guitarra.

"Boss Hoss", de Roslie, es el segundo tema original del álbum, con este rockero constante impulsado por el ritmo constante de Bennett y un buen saxo gruñido liderado por Lind.

"Here Are The Sonics!!!" (III)

Buck Ormsby, bajista contemporáneo de la agrupación Northwest the Wailers, firmó con el sello independiente de su banda, Etiquette Records, y asumió el rol de productor para su álbum debut. Las canciones fueron grabadas con un número limitado de micrófonos, dando una sensación de muy enérgica y alta fidelidad. Antes del lanzamiento del álbum, se lanzó el sencillo "The witch".

Escrita por Roslie, esta canción original que daría inicio al álbum presentaba un rumor sombrío de saxo, guitarra y órgano combinados con la voz tensa de Larry Parypa quien le da a la canción una ventaja que la adelantó a su tiempo. Por vía de la transmisión en estaciones de radio, se convirtió en uno de los singles independientes más vendidos en la región.

"Here Are The Sonics!!!" (II)

The Sonics se formaron en 1960 en Tacoma, Washington, por el entonces guitarrista y vocalista Larry Parypa. Aproximadamente un año después, el hermano de Larry, Andy Parypa, se unió al bajo con tres miembros de otra agrupación llamada The Searchers, el saxofonista y vocalista Gerry Roslie Rob Lind y el baterista Bob Bennett, quienes llegaron en 1963.

El grupo desarrolló un sonido basado en progresiones de acordes simples, velocidad y agresión tonal, y su repertorio en vivo comenzó a acelerarse en el área de Seattle hasta 1964 con el objetivo de "mover el piso y romper ventanas".

"Here Are The Sonics!!!" (I)

Here Are The Sonics!!!: álbum debut de 1965 del grupo estadounidense de rock de garage The Sonics. Dicha producción musical presenta una docena de canciones del rock más poderoso y optimista de aquellos días con algunos arreglos de impactante blues sin pulir, con pistas densas y superando los tres minutos de duración.

Con esta grabación de estudio, el grupo capturó finamente su mezcla en vivo de versiones y algunos originales mientras alcanzaban su máximo poder, convirtiéndola en una de las primeras influencias del género punk rock.

jueves, 16 de enero de 2020

“Whisky A Go Go” (III)

Muy pronto, el efecto “Whisky” llevó a que el aspecto 'go go' se convirtiera en estándar en todos los programas de variedades de televisión en los años 60.

Mientras que Johnny Rivers y Billy Lee Riley prepararon el escenario en el Whisky, Adler y Valentine comenzaron a reservar actos más sofisticados de folk-rock y psicodelia en el garage a finales de 1965, aparentemente estableciendo a Los Ángeles como la sede del pop estadounidense en los años 60.

El Whisky no solo fue el centro de la floreciente escena local, sino que también fue el anfitrión de actos de gira prometedores como Led Zeppelin, Jimi Hendrix Experience, The Velvet Underground, Cream, The Who, The Animals, The Kinks e innumerables otros. Cuando no había un gran nombre en la ciudad, Valentine también instituyó la política de presentar grupos locales que incluían a Love, Buffalo Springfield y The Doors, sólo por nombrar algunos.