Poesía y prosa

- En fin, queremos que hagas una columna.

- Soy un poeta.

- ¿Qué diferencia hay entre poesía y prosa?

- La poesía dice demasiado en poco tiempo; la prosa dice demasiado poco y se toma demasiado tiempo.

[Charles Bukowski; Ordinaria Locura]

Gramática de sombras

Gramática de

sombras

una ya conocida

insuficiencia

del lenguaje

para nombrar

las cosas

para nombrarte..

Nada (...)

(…)

no digo nada

para qué decir

cuando cierres

la página

la ausencia de puntos

será la continuidad de tu vida

- Andrea Rivas

Marillion - "Holidays In Eden" (EMI, 1991)

Marillion fue directo al mainstream con el segundo álbum de la era Steve Hogarth, y los resultados fueron mixtos. Las canciones “Holidays In Eden”, “This Town”, arrojaban la impresión de falta de inspiración, y “The Party”, el estudio de Hogarth sobre la inocencia perdida, carecía de la calidad incisiva de Fish.

En el lado positivo, hubo varias buenas canciones que se beneficiaron de la ingeniosa producción de Christopher Neil. Se lanzaron tres sencillos: “Dry Land”, “No One Can” y “Cover My Eyes (Pain And Heaven)”, pero ninguno llegó al Top 30. Claramente, Marillion no fueron hechos para ser estrellas del pop.

Abel Korseniowski: música y cine

“La principal inspiración de lo que escribo es lo que veo, respondo directamente a la imagen. El diálogo y la trama no son tan importantes para mí como las expresiones faciales que indican lo que realmente sucede dentro de la cabeza de un personaje. En general, busco películas que tengan esta capa de complejidad, que se conecten con el público en un nivel superior. Esto es increíblemente importante para mí”.

- Abel Korseniowski

Luz (...)

Tantas calles de afán

las estaciones en sus sitios

la habitación del sueño contenida

la música en palabras

el color de la luz.

Luz Mary Giraldo

Goethe decía...

Goethe decía:

"las mujeres son copas de plata

en las que depositamos manzanas de oro.

Mi idea de las mujeres

no es una abstracción de los fenómenos de la realidad,

sino que la llevo conmigo

desde el principio,

o bien me es innata".

Arcana (...)

Esta

mi arcana

pretensión

por nombrarte

inefablemente

no es más que

una corriente

subterránea

de naturaleza perenne...

Marillion - Marbles (Intact, 2004)

Marbles fue concebido como un álbum doble, pero incluso como un solo CD, menos cuatro pistas, es impresionante. “The Invisible Man” es un clásico de rock progresivo moderno que combina el lirismo de “Wish You Were Here” - con el ambiente oscuro de Massive Attack.

Hay buenas canciones en todas partes, con “You're Gone” y “Fantastic Place” que suenan como un U2 más sutil. La canción principal está llena de humor negro inglés por excelencia. Y, para terminar, hay otra pieza brillantemente extendida: “Neverland”.

Ninguna parte (...)

No vienes

de parte alguna.

Te encuentro

parecido con todo.

-       Pureza Canelo -

Proporción (...)

…Y

corres

tanto

como

te deseo...

Marillion - "Brave" (EMI, 1994)

Después de 1991, orientada hacia el pop- Holidays In Eden alienados algunos seguidores de larga data, Marillion regresó a sus raíces con Brave - un álbum conceptual - inspirado en una noticia acerca de una joven mujer que había sido detenida por la policía en el Severn Bridge y no conocía su identidad o se negó a revelarla.

"Pensé que era una gran primera página para una historia de misterio", dijo Steve Hogarth, quien posteriormente construyó un "documental ficticio" sobre la vida de la mujer. Este pesado tema fue igualado por algunas de las músicas más complejas y emocionalmente cargadas de la carrera de Marillion.

Turbulencia (...)

El paralelismo

entre

el buque caído

y la mujer

de espaldas

nos hace pensar

en una

turbulencia pasional:

aguas removidas,

pasión desmedida.

Erotismo (...)

El

erotismo

no es sólo

entrega, es placer,

es reivindicación

del cuerpo,

y algunas veces

es el aliado

del amor,

aunque

no tiene

por qué

estar

siempre

vinculado

al mismo.

Marillion - "Sounds That Can't Made" (earMusic, 2012)

Famoso, el modelo de autofinanciamiento de Marillion fue citado por el escritor y psicólogo social Malcolm Gladwell como el momento en que comenzó a surgir una nueva propuesta para la industria de la música. Resultaba grato saber que, con 17 álbumes en su carrera, el grupo todavía estaba llena de ideas.

Las canciones gotean de anhelo y arrepentimiento, y nadie transmite esas emociones como Marillion. En 2012, los lectores de la revista Prog votaron a Sounds That Can't Made como el álbum del año.

Explicación (...)

...Ahora

es ella

quien

mira

y ésa

puede ser

la explicación

de que

su Poesía

halague

tanto

a éste

hombre

que la lee...

Vértigo (...)

«Allí te busco: / alrededor del vértigo, / cerca del desencanto, / debajo de los párpados, / delante del abismo del pasado; / donde nada sucede / encima del espacio, / enfrente del mundo, alojados / fuera de todo menos de nosotros: lejos, más lejos / adrede el laberinto».

-       Elena Torres

Marillion - "Seasons End" (EMI, 1989)

¿Marillion sin Fish? No parecía atractivo. Muchos admiradores acérrimos de Marillion estaban molestos con Steve Hogarth: había estado en agrupaciones de pop. Pero Seasons End soslayó por completo las dudas. Hogarth tenía su propio estilo, más naturalmente melódico que Fish, y si sus letras (coescritas con su amigo John Helmer) carecían del borde idiosincrásico de su predecesor, había una astuta excavación de Fish en “The Uninvited Guest”.

Musicalmente, Seasons End fue una progresión sutil, que alcanzó su punto máximo con la elegante “Easter” y una canción de temática verde desarrollada a partir del Día de Beaujolais, canción que el grupo presentó con Fish en 1988.

Instante (...)

...como

si

lo

que

sucede

sólo

dependiera

de

un

instante

fugaz...

y te encuentro…

¿Quién soy?

¿En dónde estoy?

Atravieso

la puerta mágica

y te encuentro…

Malinali Montes Victoria

Marillion - "FEAR" (Fear MUSIC, 2016)

FEAR (Fuck Everyone And Run) sugirió que Marillion había tomado los momentos más emocionalmente potentes y fervientemente dinámicos de los 27 años de esta formación y los había moldeado en una nueva forma exponencialmente envalentonada.

Desde el abridor y maravillosamente fluido “El Dorado” hasta la incómoda expansión de “The New Kings”, FEAR es a la vez conmovedor y silencioso: el sonido de una agrupación veterana completamente comprometida con su música, su visión del mundo y sus razones para mandar todo al carajo.

Neo gramática (...)

…y, entonces,

apareció la

gramática

de sombras,

un neo mundo

gestado

a partir de ti,

desde el cual

intentas

sobrevivir

en mi escritura…

Acerca del minimalismo de Nils Frahm

La música de Nils Frahm revela una gran cantidad de influencias, que van desde la "simplicidad clásica" de Erik Satie hasta el jazz de forma libre y la producción de música electrónica. La fuerza de las melodías de Frahm no proviene del ajetreo sonoro, sino del minimalismo.

Cada componente musical sigue un camino simple, pero organizado de tal manera que evoca una recompensa emocional máxima. Esto es típico del trabajo de Frahm, que alcanza la grandiosidad utilizando un crescendo en bucle que comienza en silencio, se arrastra hasta un pico, antes de volver al silencio. (Hugo Méndez - Neostálgica Idea Musical)

Dustin O'Halloran: emoción abrumadora

Dustin O'Halloran: un artista de belleza majestuosa. Claros acordes de piano se entrelazan, inmersos en su propio drama silencioso. Una vacilante suspensión antes de ejecutar la siguiente nota o acorde, agregando no sólo una sensación de suspenso sino también la impresión de alguna emoción abrumadora.

Piezas que trasladan a secuencias de notas que aparecen casi de la nada, antes de volver con sutileza, fuerza y verdad; edificantes segmentos de cresta de una ola que presentan elevadores trinos de una melodía que impele a más.

Joyas musicales que tienen en su centro una melodía de gran belleza; elegiaca, triste, memorable. Acontece, así, la gestación de piezas que parecieran cantar, casi, directamente del piano. Ideas Musicales realmente notables y conmovedoras. (Hugo Méndez – Neostálgica Idea Musical)

Ólafur Arnalds: momentos fílmicos

Propuesta musical de grandes contrastes, tanto en dinámica como en tempo. Ólafur Arnalds exige atención, sin mencionar las repetidas escuchas, para atraer la belleza. A veces uno podría acusarlo de perderse en su propia experimentación, esquivando entre un estilo y otro, sin decidirse nunca.

Sin embargo, la acumulación fugaz de efectos contrastantes podría sostenerse igualmente como positivo: no hay lugar para el estancamiento. Audaz calidad con arreglos que espesan los sintetizadores y agregan textura al sonido.

Hay calor que fluye incluso debajo de los momentos más desolados. Hay momentos desolados plagados de melodías energéticas. Piezas llenas de emoción, a la vez que profundamente reflexivas y dolorosamente melancólicas.

Empero, también hay una sensación sorprendentemente moderna, incluso en lo que respecta a momentos fílmicos que recuerdan a Yann Tiersen. (Hugo Méndez – Neostálgica Idea Musical)

“Robarse” - Julio Trujillo

“Salir de este paréntesis

y solamente respirar como antes,

limpiamente,

sin piedras que arrojar de los pulmones.

Salir a dónde,

a qué discurso que ya no pronuncie nadie”.

- Julio Trujillo - “Robarse” (Fragmento)

Antes, el roce de la luz - Elena Torres

«Antes, el roce de la luz. / Después, la caricia de lo oscuro. / En manos del vacío, lo intocado», y pese a ello, la poeta entiende — o debería decir intuye — que a través de la palabra es lo más cerca que estaremos de la verdad:

«Alrededor del vértigo / giramos casi inmóviles. / En la imperfecta desnudez / de dos palabras / que no huelen a miedo».

- Elena Torres

La paradoja de Marillion (IV)

Irónico que un grupo una vez se burlara de sonar como los dinosaurios del rock de los 70 terminaría por ser pionero de la era de internet. Pero esta visión de futuro ha asegurado el futuro de Marillion: Fuck Everyone and Run (FEAR) de 2016 terminó por ser un nuevo pico creativo, y al año siguiente la agrupación vendió en su totalidad las entradas para el icónico Royal Albert Hall de Londres en minutos.

La paradoja de Marillion (III)

En la era de los peces, Marillion era portador estándar del rock progresivo, pero con Hogarth el grupo ha sido progresiva en el sentido más amplio. Su música ha evolucionado mucho más allá de esas influencias primarias, y después de ser eliminados del catálogo de EMI en 1996, Marillion creó un nuevo modelo de negocio basado en Internet que los ha visto prosperar como una industria artesanal independiente.

Ocho años antes de que Radiohead vendiera In Rainbows exclusivamente en línea, Marillion financió su álbum marillion.com invitando a 30 mil de sus seguidores de su base de datos a precomprar el álbum incluso antes de que fuera grabado.

La paradoja de Marillion (II)

Sin embargo, Hogarth siempre será considerado "el nuevo". Tal fue el impacto de la música que Marillion hizo con Fish, especialmente Misplaced Childhood y su exitoso sencillo “Kayleigh”, una canción que el cantante acreditó con tal de inventar un nombre original. Como alguna vez comentó: "Me he acostumbrado a firmar autógrafos para Kayleigh desde los 13 años".

La paradoja de Marillion (I)

Marillion se formó en Aylesbury, Buckinghamshire en 1979. La agrupación se llamó originalmente Silmarillion después de un trabajo publicado póstumamente por John Ronald Reuel Tolkien (J..R.R. Tolkien).

El nombre se acortó en 1981, el mismo año en que el carismático Scotsman Fish (Derek William Dick) se unió al grupo. Después de firmar con EMI al año siguiente, Marillion lanzó cuatro álbumes de estudio, todos ellos éxitos del Top 10 del Reino Unido, antes de que Fish partiera para una carrera en plan solista en 1988. Su reemplazo, Steve Hogarth, anteriormente de The Europeans, ha sido el líder de Marillion durante más de tres décadas.

Ólafur Arnalds: fusión acústico-electrónica

Armonías y acordes limpios, junto con melodías carismáticas y tonos nítidos pueden acreditarse a los muchos talentos de Ólafur Arnalds. Pero independientemente del por qué, la música de Ólafur Arnalds es verdadera y simplemente hermosa.

El multi-instrumentista islandés fusiona acústica con electrónica, combinando los límites entre lo clásico, lo instrumental y lo ambiental. Para el escucha, la belleza de un instrumento acústico podría ser la pureza de su sonido; una nota incorrecta o un tono incompleto es sólo una consecuencia de su aspecto humano y, por lo tanto, no es una consecuencia en absoluto.

La belleza de un instrumento acústico para el intérprete podría ser su capacidad de comunicar lo que le falta a las palabras: una multitud de emociones sin nombre. (Hugo Méndez – Neostálgica Idea Musical)

Delirio (...)

«Allí te busco. /

En la tierra mojada, /

tras la cancela de los cuerpos, /

rincón exacto del delirio. /

Aquí te encuentro. /

En el verdor de lo habitado».

Elena Torres

Byrds: ventana brillante a un lugar y tiempo inolvidables (IV)

Las piedras en el camino incluyen drogas duras ("Artificial Energy" advierte elípticamente que la velocidad mata) y guerra ("Draft Morning" se asoma dentro de la mente de un joven que es enviado a Vietnam). El despertar de la conciencia se celebra extática y psicodélicamente en "Natural Harmony".

El aura de un mundo en agitación es atrapado como un rayo en un frasco con "Change is now", con su evocación de esperanza e incertidumbre, familiaridad y extrañeza intimidante. Esas combinaciones hacen de The Notorious Byrd Brothers una ventana brillante a un lugar y tiempo inolvidables. (Hugo Méndez - Neostálgica Idea Musical)

Byrds: ventana brillante a un lugar y tiempo inolvidables (III)

El sonido etéreo y fresco del álbum debe mucho al productor Gary Usher, el autor detrás de innumerables discos de surf pop de los años sesenta y coautor de clásicos de The Beach Boys, como "In My Room". Los sintetizadores Burbling Moog y las ronroneantes guitarras de acero se unen en las limpias odas folk-cósmicas de The Byrds.

El idealismo utópico se mezcla con visiones más oscuras: el anhelo espiritual es evidente en las canciones que miran a la naturaleza ("Dolphin's Smile"), la infancia ("Goin 'Back") y la mente grupal ("Tribal Gathering") en busca de orientación. (Hugo Méndez - Neostálgica Idea Musical)

Byrds: ventana brillante a un lugar y tiempo inolvidables (II)

Sólo tres de los cinco miembros originales del grupo, el guitarrista Roger McGuinn, el bajista Chris Hillman y el baterista Michael Clarke, aparecen en la portada de The Notorious Byrd Brothers y, en su lanzamiento, en enero de 1968, incluso Clarke se había ido.

Despedido a mitad de las sesiones de grabación, David Crosby es una presencia espectral, coescribió tres de las canciones más mordaces del disco y arrojó haces de luz angulares sobre otros con su guitarra rítmica de otro mundo a la par que su armónica voz. (Hugo Méndez: Neostálgica Idea Musical)

Byrds: ventana brillante a un lugar y tiempo inolvidables (I)

El genio inicial de The Byrds tuvo que ver con asociar las sensibilidades de Bob Dylan y The Beatles en el soleado sur de California. Los cambios llegaron rápidamente para el grupo, cuya evolución estilística podía rastrearse no sólo de un álbum a otro, sino de un sencillo a otro. El exceso de talento que hizo posible un crecimiento tan acelerado también condenó a The Byrds a volar, mientras las visiones y los egos chocaban. (Hugo Méndez: Neostálgica Idea Musical)

Cocteau Twins: enigmáticos y etéreos

Misteriosos, oblicuos, sombríos… Surgieron completamente de las sombras post-punk y desarrollaron un sonido que se convertiría en el estándar de oro para el indie-pop enigmático y etéreo.

Evidencia auditiva en pro del cambio. Cocteau Twins se había graduado de ser un grupo como tal pasando a ser ejemplo declarado de un género. (Hugo Méndez - Neostálgica Idea Musical)

Silencio (...)

…días expertos

en silencio

sin rincón

donde ocultarse...

(Silvia Loustau)

“Silencio” – Hilda Figueroa

“Mas este primer silencio aun no es el

silencio. Que se espere, pues las hojas

de los arboles van a acomodarse mejor

todavía. Tal vez algún tardío paso, con

esperanza se atreva por los peldaños”.

Hilda Figueroa – “Silencio” (Fragmento)

The Only Ones: momento mágico y atemporal

Mientras que el punk era impulsado por anfetaminas, The Only Ones eran imbuidos por la creciente presencia de heroína que infundía en sus canciones un encanto narcótico que inevitablemente comenzó a palidecer una vez que los efectos más adormecedores de la droga comenzaron a aparecer.

Este momento mágico y atemporal, donde todo está bien y el despegue garantizado después de esos primeros acordes distintivos, fue la punta de un iceberg musical que iba a contracorriente en los años 70 dominados por el punk.

The Only Ones, grupo fuertemente influenciado por la psicodelia, desde la guitarra de John Perry a lo Hendrix, hasta el condenado toque de Syd Barrett de Peter Perrett. Resultado: post-punk sin adulterar. (Hugo Méndez - Neostálgica Idea Musical)

"Heroes": Bowie acepta su mortalidad

"Heroes" es la segunda entrega de la Trilogía de Berlín de David Bowie. La Trilogía, y “Héroes" en particular, muestran todos los signos de un artista en franco crecimiento, sacudiéndose las trampas y el éxito del ego capitalista. A menudo suena como si Bowie estuviera conduciendo el caos, rompiendo objetos para descubrir nuevas formas -aterradoramente hermosas.

El 23 de septiembre de 1977, David Bowie lanzó su sencillo "Heroes", de la Era de Berlín. A sus 30 años, Bowie estaba contento con su arte, feliz de explorar las luchas existenciales de la humanidad mientras vivía en una ciudad dividida y devastada por la guerra. Berlín le dio perspectiva y compasión. Bowie comenzaba a aceptar, así, su propia mortalidad. (Hugo Méndez - Neostálgica Idea Musical)

Rush – “2112” (1976)

Desde un principio fuertemente influenciado por Led Zeppelin y Cream, el trío canadiense Rush ganó impulso cuando reclutaron al extraordinario baterista Neil Peart para su segundo álbum. Después de algunos trabajos anteriores prometedores, 2112 es el álbum crucial de los años 70 de Rush.

Con todo un lado del vinilo dedicado a la maravillosa canción principal de siete partes, completa con el gran final: 'Hemos asumido el control ...', las cinco canciones más cortas, “A Passage To Bangkok”, “The Twilight Zone”, proporcionaron un claro contraste. La producción de 2112 puede sonar un poco anticuada ahora, pero aún conserva todo su poder original.

Travis y un latente 1999

Brillantes guitarras eléctricas, acústica rasgueada, deleitable procesión de tempos con buen ritmo, coros sencillos. Esta era la música alternativa de finales de los 90, muy bien pulida. Alegre y estimulante, musicalmente inquebrantable.

Toda una cabalgata de melodías pop alegres tornadas en auténticos himnos cotidianos. “The Man Who” fue el perfecto sucesor espiritual de OK Computer en 1999.

Donde la producción de Radiohead vio letras que expresaban paranoia sobre la política del siglo XXI, “The Man Who” se muestra paranoico por salir de 1999. La música británica, efectivamente, estaba en un lugar diferente en aquel latente 1999. (Hugo Méndez - Neostálgica Idea Musical)

El blues duro de "Hooker 'n Heat"

*Apóstrofe

El blues duro de Hooker 'n Heat

por José Luis Durán King

A principios de 1971, el bluesman John Lee Hooker y la banda angelina de rhytm and blues Canned Heat lanzaron un disco al que titularon simplemente Hooker 'n Heat. Este extraordinario trabajo, de entrada, es un tributo al padre del boogie, el músico que más inspiró a Canned Heat. Hooker 'n Heat es, también, el último álbum que grabó el guitarrista, armoniquista, compositor y cantante Alan Wilson, "Blid Owl", quien murió a los 27 años, en septiembre de 1970, a causa de una sobredosis de droga.

El registro de su labor musical quedó en el disco. Sin embargo, para la fotografía de la portada sólo se ve el rostro de Wilson en un marco en la pared. El bajista icónico de Canned Heat, Larry Taylor, tenía meses de estar distanciado del grupo y no participó en las sesiones de grabación, por lo que fue sustituido por el mexicano Antonio "Olaf" de la Barreda, cuyo despliegue de habilidades en la guitarra de cuatro cuerdas logró que se extrañara muy poco al señor Taylor.

El requintista Henry Vestine, famoso por sus excesos con el alcohol y las drogas, llevaba perdido varias semanas y tampoco acudió a tomarse la foto. En realidad, quien se tomó la imagen fue el productor Skip Taylor, a cuyo cuerpo después, en un trabajo de cut and paste, se le añadió el rostro de Vestine.

Quienes sí aparecen son John Lee Hooker --de quien destacan sus zapatos perfectamente boleados--, los mexicanos Antonio de la Barreda y Adolfo "Fito" de la Parra, y Robert Hite Jr. "The Bear", cantante de Canned Heat que, salvo un "yeah" apenas audible en la pieza "Boogie Chillen No. 2", no cantó una sola estrofa en el histórico álbum.

Hooker 'n Heat es una obra de blues duro, primitivo, urbano y nocturno, permeado por letras que remiten a atmósferas de bares de mala muerte, como la pieza "Whiskey and Wimmen'", en la que por cierto la nitidez de la grabación permite apreciar el trabajo notable en la armónica de Alan Wilson, al que John Lee Hooker se refirió como "El músico de armónica más talentoso que he escuchado".

Marillion - "Script for a Jester's Tear" (EMI, 1983)

Lanzado en un momento en que Genesis tenía éxitos pop convencionales, el debut de Marillion fue un homenaje al Genesis de antaño. Cuatro de las seis pistas duraron más de ocho minutos, incorporando inteligentes firmas de tiempo, mientras que Fish adoptó los gestos teatrales de Peter Gabriel para entregar su prolija poesía.

“Garden Party” era una sátira estruendosa de snobismo de clase.“Forgotten Sons”, una acusación desgarradora de la presencia del ejército británico en Irlanda del Norte, el título épico era una franca admisión de fracaso romántico. De golpe, Fish era un héroe de culto y Marillion estaba entre los diez mejores grupos de la época.

Etérea Khatia Buniatishvili

Khatia Buniatishvili: alguien que lo siente todo y puede retratarnos tan singularmente como para ser inolvidable en su impacto. (Hugo Méndez - Neostálgica Idea Musical)

Oscuridad tersa y alegre: The Delgados

Hermosa visión de cuerdas, guitarras, melancólicas melodías y gloriosas armonías se tornan realidad. Las voces de Emma Pollock y Alun Woodward se entrelazan con hermosa fragilidad. La música, mientras tanto, se desliza con fácil encanto a menos de un millón de millas de la serenidad de otro mundo de Mercury Rev.

'Accused Of Stealing' comienza como un extracto del marqués de Sade: "Cuéntame tus confesiones, déjame ser el oído de todos tus pecados", emana sutil y seductoramente la voz de Emma, mientras la música nos desliza a través de un tema tan oscuro como terso y alegre - como infinita ovación de pie en el banco al final de la noche. Excelsa Idea Musical - Indie Rock de Glasgow, Escocia. (Hugo Méndez – Neostálgica Idea Musical)

Avidez (...)

Convertiste

la lectura

en algo que

conectaba

fácilmente

con lo emocional

e intelectivo;

proyectabas

la fragilidad

y avidez

de una conciencia

desnuda

en la convulsa cima

de tu inteligencia

y sensibilidad.

“Fisherman's Blues” - The Waterboys

The Waterboys: exitosa agrupación británica de guitarras, con no poco de ADN celta. Colisión radical de influencias country, folk y blues. “Fisherman's Blues” (1988): la producción musical más vendida de los trovadores escoceses e irlandeses. Recreación histórica de un momento congelado en el tiempo.

Exactamente el tipo de Idea Musical que hace que algunos retrocedamos ante estos neostálgicos proyectos. (Idea Musical: Hugo Méndez)

La historia de “Truth” (X)

Poco más de 40 años después de que fue concebido, Truth todavía tiene la capacidad de hacerte sentir por mucho tiempo cuando se hacían esos álbumes.

Por supuesto, 1968 nunca volverá a aparecer, pero Jeff Beck todavía graba. “Bueno, creo que me esfuerzo tanto como cualquiera. Todo lo que quiero es intentar juntar algo y presentarlo a la atención del público. No voy a meter nada en la garganta de nadie. Es una pérdida de tiempo. Como intentar tirar de una chava que no está contigo".

La historia de “Truth” (IX)

"Creo que debe haber sido Mickie. Pero no había productor ahí; cualquier interacción que se produjo fue con Peter Grant, quien se encargaría de manejar a Jeff Beck Group y Led Zeppelin. Estuvo ahí durante toda la sesión de grabación, y luego Mickie entró para la mezcla".

John Paul Jones también recordó el caos de esa sesión de grabación: "El grupo que tocó en “Beck’s Bolero” se llamaría Led Zeppelin", recordó Jones. “Estábamos pensando en salir de gira, ¿te imaginas a este montón de locos? Es una pista asombrosa y una de las piezas realmente notables en el álbum. Incluso John Paul Jones, un veterano de la sesión que tocó con todos los grandes guitarristas del día, incluidos Page y Ritchie Blackmore, quedó fascinado por el desempeño de Beck.

"Pudo haber sido tan grande como Led Zeppelin pero no fue lo suficientemente consistente", ha dicho Jones. 

La historia de “Truth” (VIII)

Incluso la discográfica misma no infundía confianza en el proyecto. "Los promotores de Columbia Records estaban confundidos", recordó Beck años más tarde. "Dijeron: 'Siempre supimos que Beck lo lograría. Por cierto, ¿quién es el tipo de la guitarra?". Dijeron eso. Todavía tengo esas palabras resonando en mis oídos".

Con ese dudoso sello de aprobación, el grupo se puso a trabajar. "Fue una de las primeras sesiones independientes permitidas en Abbey Road", recordó Ken Scott, ingeniero de Truth, quien ya era un veterano en muchos de los álbumes de The Beatles.

La historia de “Truth” (VII)

"Era un bastardo", se quejó Dunbar de Beck. "Era tan fuerte que no podía escuchar. No tenía ningún micrófono en mi batería; el grupo tenía amplificadores Marshall de 100 vatios a todo volumen; intenta tocar algo bonito y sutil con 100 vatios de amplificadores a todo volumen en tu oído. Cualquier pequeña sutileza desapareció. "Nunca tuve la sensación de ser una banda, siempre fue Jeff Beck y sus compañeros".

Con el baterista Mickey Waller recontratado, y después de varios meses de conciertos, el cuarteto entró en Abbey Road Studios el 14 de mayo de 1968 para comenzar a grabar un álbum. Mickie Most dio luz verde a las sesiones de grabación, aunque tenía poca o ninguna fe en la agrupación con un álbum de mérito potencial comercial, y tendía a evitar las sesiones.

La historia de “Truth” (VI)

Con un cantante a cuestas, Beck se dispuso a buscar un bajista. Ronnie Wood continúa la historia: "Conocía a Jeff, pero nunca tuve la oportunidad de asistir a un espectáculo completo. Acababa de escuchar pequeños fragmentos de él cuando solía tocar con un grupo llamado The Tridents, el grupo de Beck antes de los Yardbirds. Supongo que Jeff era uno de mis mejores amigos, aunque estaba en otra banda".

Después de la relativa facilidad de conseguir los dos primeros miembros para la agrupación, encontrar un baterista fue una pesadilla. Beck pasó por Ray Cook, su antiguo compañero en The Tridents, Viv Prince de Pretty Things, el ex baterista de John Mayall: Mickey Waller, Rod Coombes (más tarde de The Strawbs) y otro antiguo Mayall, Aynsley Dunbar. "Toqué con Jeff durante cuatro meses", dijo Dunbar. "Al final lideré su grupo, eso es lo que sucedió. También estaba cuidando a Jeff". 

La historia de “Truth” (V)

"Tuve que reunir a un cantante", continuó. "No podía pensar en quién conseguir. Siempre me gustó Rod Stewart. Su cabello no era como ahora, estaba enroscado debajo de la espalda. Era como una pieza de fibra de vidrio moldeada; parecía que se había puesto un casco, se veía tan mal. Le dije: "Rod, por favor, deshazte de ese peinado".

"Estaba sin trabajo en ese momento. Estaba dando vueltas alrededor de un club de Londres llamado The Cromwellian. Le pregunté si quería trabajo y, pensando que Beck estaba borracho, dijo: "Sí, pero no te creo. Llámame mañana’. Estaba más sobrio de lo que nunca había estado esa noche. No podía creer que dijera que sí, porque pensé que era un snob".

La historia de “Truth” (IV)

En 1968, Beck grabó otra selección de Most, una versión instrumental de la balada “Love is blue”. Pero a estas alturas ya había tenido suficiente. Incluso mientras se preparaba para grabar ese single, ya había estado haciendo movimientos para formar su propio grupo, como otros dos guitarristas de los ex Yardbirds. Cream, con Eric Clapton, estaban a un año de la extinción; Jimmy Page estaba apoderándose de su propio monstruo; Beck estaba decidido a no quedarse fuera de la carrera.

"Siempre mantuve los dedos en los músicos", comentó Beck en los años 70. “Todos los músicos de Londres siempre sabían lo que estaba haciendo el otro. Todos los grupos solían venir a verse tocar, y fue muy agradable. Parecía haber un propósito. Fue como una competencia. Fue muy divertido; agradable, una competencia caliente. Me gustó mucho la escena entonces.

La historia de “Truth” (III)

Con Beck estableciéndose como un guitarrista de primer nivel en un cuarteto de audaces y malvados álbumes de The Yardbirds en 1965 y 1966 (For Your Love, Have A Rave Up With The Yardbirds, The Yardbirds [Roger The Engineer] y Over Under Under Sideways Down), el productor/manager Mickie Most, pensando en capitalizar el potencial del guitarrista, concibió la idea de convertir a Beck en un cantante de pop.

Olvidando que Beck fue, ante todo, un instrumentista, Most lo encadenó con una serie de canciones menos enfocadas a la guitarra. De hecho, convirtió a Jeff en un Top-The Pops.

La historia de “Truth” (II)

Beck, empero, se reiría de tales observaciones. Para el guitarrista, había llegado el momento de que Jeff Beck Group hiciera un álbum, y en su cabeza eso era todo: "Decidimos que era hora de que grabáramos algo de lo que habíamos estado tocando en el escenario. Y no teníamos un álbum".

Con el lanzamiento de Electric Ladyland de Hendrix, Wheels Of Fire de Cream, Tons Of Sobs de Free, Beggars Banquet de los Stones y el seminal White Album de The Beatles, 1968 fue un año decisivo para la música rock. Gran Bretaña era un terreno fértil para quienes que buscaban músicos de ideas afines. El rock eléctrico estaba en su infancia, la gente estaba dispuesta a abrazar lo atrevido, lo diferente.

La historia de “Truth” (I)

El 29 de julio de 1968, Jeff Beck, junto con un vocalista, un futuro de Rolling Stone y un baterista con un montón de golpes, lanzó Truth. El álbum fue una muestra de furia y belleza, un testimonio de las asombrosas destrezas de un guitarrista de 24 años que, en el transcurso de 10 pistas y alrededor de 40 minutos, exhibió una gama de blues eléctricos y R&B modificado a psicodélico.

Rock influenciado, clásico, e incluso un poco de instrumentalismo heavy metal. Con Truth, lanzado pocos meses antes del debut de Led Zeppelin, y con canciones y personal en común, Jeff Beck, el cantante Rod Stewart, el bajista Ronnie Wood y el baterista Mickey Waller hicieron un álbum que se convertiría en referente de todos los guitarristas. Obligado para cada agrupación de hard rock.

U2 – “Joshua Tree” (VI)

Capturando el corazón de su atractivo, ese histórico artículo de portada de Time señaló: "Bono acecha una canción tanto como la canta, y en el momento en que sube al escenario, no hay duda de cuáles son sus términos: rendición incondicional.

"Adam Clayton y el baterista Larry Mullen Jr han encontrado algunas bases musicales sólidas, y el guitarrista principal, The Edge, puede trabajar un riff alrededor de una epifanía".

Si había una sensación de llegada, se leía con humildad. "La gente responde a nuestra ingenuidad", dijo Clayton en el mismo artículo. "Creo que ven a cuatro irlandeses que no quieren dejar ir sus sueños".

U2 – “Joshua Tree” (V)

Apuntalando todo esto, se encontraba la fuerza imparable que era U2 en concierto, ahora abarcando estadios y arenas: 96 espectáculos, 11 países, mientras el árbol echaba raíces, en América del Norte en abril de 1987: cinco noches en Los Angeles Arena, el mismo número en Meadowlands en Nueva Jersey, luego en Europa hasta el verano, incorporando

Dos poderosas noches en el estadio de Wembley. Luego vuelven a los coliseos y estadios de América del Norte durante otros dos meses y medio. Nadie podría decir que U2 no era ya la agrupación más grande del mundo.

Pronto, los premios MTV y BRIT precederían a sus dobles honores Grammy por The Joshua Tree, que también incluía el Mejor Desempeño de Rock. Fueron los dos primeros Grammys en una colección que actualmente suma 22 trofeos.

U2 – “Joshua Tree” (IV)

"En The Joshua Tree, U2 llena los bocetos con signos de crecimiento, a veces, impresionantes", escribió Robert Hilburn en Los Angeles Times. "Las letras de Bono están más enfocadas y diseñadas de manera más elocuente que en álbumes anteriores, y su canto subraya las expresiones de desilusión y esperanza del grupo con el poder y la pasión recién descubiertos". Rolling Stone dijo que el álbum "podría ser el más grande".

Cuánta razón tenían. En su lanzamiento de marzo de 1987, The Joshua Tree se convirtió en platino en el Reino Unido en 48 horas y vendió 235 mil copias en su primera semana, convirtiéndose en el álbum más vendido de Gran Bretaña hasta ese momento. Alcanzó las listas de éxitos en toda Europa y rompió las certificaciones de platino en América, con cuatro millones de envíos a finales de año y la certificación de diamante, raramente otorgada, por diez millones, en 1995.

U2 – “Joshua Tree” (III)

Bono diría más tarde que gran parte del material de The Joshua Tree se grabó esencialmente en la sala de Adam Clayton, o en el dormitorio de Larry Mullen Jr, en sesiones que eran casi de demos. "Queríamos la idea de un disco de una sola pieza, no de lado a lado, de lado a lado".

Los recurrentes temas espirituales se ajustaron perfectamente a las imágenes visuales del álbum, inspiradas en una sesión de fotos con Anton Corbijn en el desierto de Mojave, en medio de los árboles del título.

U2 – “Joshua Tree” (II)

En junio de 1985, los irlandeses estaban en casa frente a 55 mil admiradores en el Croke Park de Dublín, cuando el EP Wide Awake In America ​​se convirtió en una nueva tarjeta de visita en EU.

Semanas más tarde, una audiencia calculada en miles de millones vio a Jack Nicholson, vía satélite de Filadelfia, presentar la contribución de U2 a "Live Aid" en el estadio de Wembley. Los lectores de Rolling Stone lo votaron como el mejor rendimiento, y en esta de las estrellas más destacadas de todo el mundo, eso decía algo.

U2 – “Joshua Tree” (I)

Fue la portada del 27 de abril de 1987 de la revista Time, dos días después de la fecha en la que U2 llegó al número 1 en EU, lo que envió el mensaje incontrovertible. Time publicó el nombre de U2 en oro llameante, con una foto de cuatro muchachos irlandeses: "U2", emitió el titular. "Rock's Hottest Ticket".

El tiempo transcurrido desde The Unforgettable Fire, tres años antes, había sido uniformemente trascendental, en etapas que respondieron en tamaño y escala a la actual popularidad global de U2. Cuando Time hizo su pronunciamiento, U2 se sentó orgullosa en la cima del álbum de álbumes de EU por primera vez, en un reinado de nueve semanas por la declaración artística que ganó el Premio Grammy al Álbum del Año: The Joshua Tree.

Palabra (...)

«En este Universo,

la palabra pasa

a ser ella misma

el centro de su expresión,

es decir,

palabra que es

a la vez es forma

y contenido,

cuerpo y alma».

- Valeria Sandi