La amalgama de Hendrix (V)

Jimi era zurdo, por lo que se tensó y tocó su Fender Stratocaster boca abajo. Eso se veía diferente. Jimi era negro en una época en que el rock'n’roll era principalmente un juego de hombres blancos.

Jimi abrazó el feedback como una fuente musical. Jimi tocaba la guitarra con los dientes. Jimi tocó su guitarra detrás de su cabeza. Jimi prendió fuego a su guitarra. Jimi rompió las reglas. Y cambió la música de guitarra para siempre…

La amalgama de Hendrix (IV)

Hendrix tomó las seis cuerdas de un suave susurro (“The wind cry mary”, “May there be love”, “Purple Haze”, “Foxy Lady”) a través de cósmicos blues de exploraciones enigmáticas hasta bordear los solos de art-rock en el jazz.

La amalgama de Hendrix (III)

La música de Jimi fue una amalgama de todo lo que conocíamos (y mucho de lo que no conocíamos): puso a la música de cabeza. Abrazó el blues, el rock, el rock tradicional, el soul y el country, incluso. Su sonido era un torbellino sonoro de retroalimentación chirriante, riffs empapados con un notable sentido de la melodía envuelto alrededor de él. La disonancia de los acordes inesperados que se unieron fue parte de la magia de Jimi.

La amalgama de Hendrix (II)

El joven músico de Seattle destruyó la forma en que la gente pensaba en la guitarra, en términos de técnica musical, teatralidad e incluso hasta el equipo que usaba. Se enganchó con un joven ingeniero llamado Roger Mayer, quien fabricaba pedales de efectos de guitarra.

Inspirado en una Jimmy Page pre-Zeppelin, Mayer desarrolló la primera caja de fuzz adecuada: el resultado fue un dispositivo que no sólo le dio a la guitarra eléctrica el brutal tono saturado, sino que también permitió un sostenido increíble.

La amalgama de Hendrix (I)

Hace cuatro décadas, un modesto guitarrista llamado James Marshall Hendrix llegó al Reino Unido y es difícil cuantificar el impacto que tuvo sobre la música. Si bien no necesariamente se cuantificaría su producción musical como 'heavy metal', sí fue un precursor, y muchas de sus feroces técnicas han sido adoptadas y tomadas como modelo para el metal. Su influencia, simple y llanamente, es perdurable.

Sin riff, no hay heavy metal...

Sin riff, no hay heavy metal. Tan simple como eso. Podemos discutir qué es, o no, heavy metal, una cosa es indiscutible: el metal tiene que ver con el riff de guitarra.

Un riff de guitarra es el bloque de construcción alrededor del cual nace una canción de rock. Los riffs más potentes y reconocibles generalmente nacen en la guitarra. En el caso del heavy metal, la guitarra eléctrica.

Los riffs pueden ser simples, pueden ser complejos, pero  al final de cuentas, la clave para un gran riff es que taladra en tu interior antes de que te des cuenta. De facto, el riff será mucho más importante y reconocible al instante que la propia letra… Sin riff, no hay heavy metal.

The Jam – Jammy Deal – Polydor (VI)

Sin embargo, no fue hasta el 25 de febrero de 1977 que el sello discográfico anunció el acuerdo: The Jam eran suyos por un solo álbum. Esa noche, el grupo encabezó The Fulham Greyhound. Menos de una semana después, estuvieron en Polydor Studios, concretando  In The City en tan sólo 11 días.

Una tasa de trabajo tan rápida sería un sello distintivo de la carrera del grupo: en los cinco años que pasaron juntos desde que firmaron con el sello, The Jam produciría seis álbumes y 18 sencillos. En el evento, todos fueron grabados para Polydor, haciendo del trato inicial algunos de los mejores seis grandes en que el sello discográfico haya invertido nunca antes.

The Jam – Jammy Deal – Polydor (V)

Aquella noche asistió Chris Parry, de Polydor, quien no perdió tiempo en hacer una demostración del grupo para la etiqueta. El 9 de febrero, grabaron cuatro canciones en los Estudios Anemone de Londres: "Sounds from the street", "I’ve changed my address", "Time for truth" y la eventual canción del título de su álbum debut; seis días después, firmaron con Polydor por seis mil libras.

The Jam – Jammy Deal – Polydor (IV)

Once noches después, el mismo día en que NME publicó una reseña en vivo del grupo, Paul Weller, Bruce Foxton y Rick Buckler estaban en el escenario de The Marquee. Durante el concierto, Weller prendió fuego a una copia del influyente fanzine punk Sniffin ’Glue; aunque no está relacionado con NME.

The Who, en campaña por los Stones (IV)

A pesar de que The Who venía de un éxito sustancial con 'Pictures of Lily', que alcanzó el número 4 en el Reino Unido en mayo, el single no fue un gran éxito, alcanzando el número 44. El gran éxito surgió de la saga de "We Love You", de los Stones, y agradecen a sus seguidores por su apoyo.

Respaldado con "Dandelion", el single pasó la mayor parte de septiembre de 1967 en el top ten del Reino Unido, alcanzando el puesto número 8. En noviembre, The Who volvió a estar entre los diez primeros, con el tema "I Can See For Miles".

The Who, en campaña por los Stones (III)

Para expresar solidaridad con sus compañeros, el trío grabó covers de '(This Could Be) The Last Time' y 'Under My Thumb'. John Entwistle, en su luna de miel, dio el visto bueno para que Townshend tocara el bajo y sobregrabara las partes.

Con 'The Last Time' en el lado A (y la copia de la etiqueta que indica "en apoyo de Mick Jagger y Keith Richard", como era entonces), el single estuvo en las tiendas dos días después de la grabación, momento en el que Jagger y Richards se encontraban en libertad bajo fianza.

The Who tenía la intención de continuar grabando canciones de los Stones mientras Mick y Keith estuvieran en la cárcel.

The Who, en campaña por los Stones (II)

Mientras tanto, como se refiere en el libro Rolling With The Stones de Bill Wyman, "estallaron manifestaciones espontáneas en todo Londres. "Moon y su novia Kim fueron fotografiados (fuera del Wimpy Bar), sosteniendo una pancarta de "Free Keith", y el baterista de The Who portando otra pancarta que decía "Stop Pop Persecution!"

El 30 de junio, los Stones fueron liberadas bajo fianza en espera de una apelación que, unas semanas más tarde, vería anuladas las sentencias. Pero el día 28, con los fanáticos y muchos en el establecimiento improbable al unísono por la dureza del veredicto original, Pete Townshend, Roger Daltrey y Keith Moon convocaron apresuradamente una sesión de estudio en De Lane Lea en Londres.

The Who, en campaña por los Stones (I)

El 30 de junio de 1967, The Who rindió homenaje a sus amigos los Rolling Stones. Lanzaron versiones de dos canciones de los Stones, esperando ayudar a Mick Jagger y Keith Richards a pagar la fianza, después de que fueron encarcelados tras su infame busto de drogas.

Después de que la noticia de News of the World provocó una redada policial en la casa de Richards en Redlands en febrero de ese año, el juicio de Mick se inició el 27 de junio en Chichester y el de Keith al día siguiente.

El 29 de junio trajo el veredicto de que ambos habían sido declarados culpables. Jagger fue condenado a tres meses por posesión de anfetaminas y Richards a un año por permitir que se fumara cannabis en su hogar.

Sólo podía ser "Exile on Main St." (VIII)

"Siempre estuve orgulloso de ello", concluyó Richards en el artículo del Sunday Times. "Mostraba a los músicos en su mejor momento, no sólo en la música, que obviamente es muy importante, sino en la forma en que el grupo se agazapó y rodeó los vagones".

Sólo podía ser "Exile on Main St." (VII)

Al revisar Exile en su primer lanzamiento, se admira su "enfoque estrecho en los componentes básicos del sonido de los Stones como siempre lo hemos sabido, rock and roll proveniente del Blues, respaldado por una sensación de negrura penetrante donde los Stones rara vez han fallado.

Cuando fue reeditado, los medios especializados se desbordaron en alabanzas. "Hasta que inventan el viaje en el tiempo, no hay mejor manera de inhalar el aire decadente de los primeros años 70'", escribió la revista Q. "Nunca fue mejor, este es el mayor triunfo de la banda de rock and roll del mundo", dijo, por su parte, Clash.

Sólo podía ser "Exile on Main St." (VI)

"Pero ese era el estilo de vida entonces. Era sólo otra forma de vivir. Hay mucha gente con más perchas ahora que nunca. Había mucha droga. Pero ya sabes, no es una fábrica. No es un molino en el norte de Inglaterra. Es un ambiente de rock 'n' roll".

Pero de tales circunstancias poco prometedoras surgió un disco que continuó con la forma cegadora de la era de los Stones. Lanzado el 12 de mayo de 1972, llegó al puesto número 1 en ambos lados del Atlántico, su sexto primer puesto en su propio país, y en muchos otros países desde España hasta Canadá.

Se certificó como platino en EU. Para el año 2000, y la reedición de lujo en el top-chart se convirtió en platino en el Reino Unido.

Sólo podía ser "Exile on Main St." (IV)

"El sótano era el lugar más extraño", dijo Richards en el mismo artículo. "Era grande, pero estaba dividido en cubículos, se parecía al bunker de Hitler. Podías escuchar la batería sonando, por ejemplo, pero tardarías un poco en encontrar el cubículo de Charlie".

Mick Jagger agregó: "La vida de todos estaba llena de problemas. Algunos de ellos fueron muy divertidos, todos son buenos por un tiempo, pero cuando realmente lo intentas, no los quieres porque sólo lo retrasan todo.

Sólo podía ser "Exile on Main St." (III)

"Estábamos muy resentidos por tener que dejar nuestro país, a eso es realmente a lo que se refiere", dijo Keith Richards en su momento, en un artículo del Sunday Times cuando tuvo lugar la reedición de lujo de Exile on Main St en 2010.

Las sesiones para canciones que terminaron en el álbum comenzaron en la finca de Stargroves de Mick Jagger desde 1969 y continuaron en los Olympic Studios de Londres. Pero el Exile on Main St se grabó, con considerable dificultad, en la villa Nellcote de Richards, en el sur de Francia.

Los desafíos fueron innumerables, desde las limitaciones audiofónicas hasta los interminables retrasos causados ​​por el estilo de vida de los Stones. Las sesiones fueron capturadas en su célebre estudio móvil Rolling Stones, pero sólo después de ciertas modificaciones.

Sólo podía ser "Exile on Main St." (II)

Las célebres circunstancias de la creación de este legendario álbum doble fueron tan desafiantes y su gestación tan prolongada, que pocos seguidores de los Stones podrían haber imaginado cómo el Exile on Main St reclamaría un lugar tan especial en su historia.

Fue nombrado así, con gran ironía harto conocida, por los impuestos de que eran objeto, desde su propio país, después de que finalizaron una gira por el Reino Unido en la Roundhouse de Londres en marzo de 1971.

Sólo podía ser "Exile on Main St." (I)

Es el álbum que, para muchos discípulos de los Rolling Stones, sigue siendo su hora de definición. Es un disco de una apelación tan duradera que superó las listas del Reino Unido dos veces, con 38 años de diferencia, siendo anfitrión de favoritos como 'Rocks Off', 'Sweet Virginia', 'Shine A Light', 'Happy' and 'Tumbling Dice'. Solo podía ser Exile on Main St.

Irrealidad * Sueño

A partir de este punto,

la Irrealidad comienza

a externarse en el Sueño…

Dylan, detenido por "desaliñado"

En Long Branch, Nueva Jersey, en 2009, Bob Dylan, quien se encontraba en la ciudad para asistir a un concierto, decidió dar un paseo. Esto no terminó bien. Un par de oficiales de policía, respondiendo a las quejas acerca de un "viejo desaliñado que actuaba sospechosamente", detuvieron al cantante - quien no portaba identificación.

Dylan fue llevado de regreso a su hotel, donde el personal de recepción les explicó a los oficiales, exactamente, a quién habían detenido.

Mitchell, molesta con Dylan

En la biografía Joni Mitchell Both Sides Now, se refiere que la cantautora canadiense tuvo una mala experiencia al compartir un micrófono con Bob Dylan en un concierto en Japón en 1994.

"En la tercera noche, pegaron el micrófono de Bob conmigo... nunca se lava los dientes, por lo que su respiración era como... justo en mi cara". A razón de lo cual, Mitchell ha molestado a Dylan a lo largo de los años, diciendo, entre otras cosas: "Me gustan muchas de las canciones de Bob Dylan, aunque musicalmente no es muy dotado".

Lluvia de ideas para Dylan

En sus memorias, Wishful Drinking, Carrie Fisher refiere haber recibido una llamada de Bob Dylan. Al músico le habían pedido que promocionara una colonia llamada "Just Like a Woman", pero no le gustaba ese nombre y quería su consejo para otras opciones.

Fisher le dio algunas opciones sarcásticas: "Ambivalencia, por el olor de la confusión"; "Arbitrario, para el hombre que no le importa una mierda cómo huele"; y "Empatía: siéntete como ellos y huele así". Para su sorpresa, a Bob le gustaron dichas sugerencias.

“Tablas alfonsíes” / Jaime Augusto Shelley

(…) puedes bajar

los pocos escalones

y rozar, con mirada feliz

el último peldaño, como siempre dijiste

que lo harías,

sola.

[Jaime Augusto Shelley – “Tablas alfonsíes”]

The Jam – Jammy Deal – Polydor (III)

Poco más de seis meses después de que los Sex Pistols organizaran una residencia típicamente confrontacional en la meca del punk de Londres, The 100 Club, The Jam estaba en el mismo lugar, el 11 de enero de 1977, como grupo de apoyo para Clayson and The Argonauts.

The Jam – Jammy Deal – Polydor (II)

In The City sirvió para que se afilaran los dientes durante cinco años, inicialmente se hicieron un nombre en los locales de Woking antes de convertirse en accesorios en la escena punk de Londres. En aquel momento, Paul Weller y compañía habían recorrido las primeras canciones del rock and roll de personajes como Chuck Berry y Little Richard, antes de caer en el prodigioso álbum debut de The Who: My Generation.

Cuando se dieron cuenta de la ola del punk, a principios de 1977, estaban listos para presentarse como jóvenes llenos de furia juvenil, pero con un compositor erudito que contrastaban con los Mohawks de Day-Glo y T-Ripped.

The Jam – Jammy Deal – Polydor (I)

Cuando The Jam lanzó su álbum debut, In The City, el 20 de mayo de 1977, aparecieron perfectamente formados: una explosión de media hora de comentario social en estilo mod punk teñido; un puñado de clásicos; los trajes afilados y las corbatas finas que llevaban en la portada del álbum. Esta no era una agrupación que iba a los lugares, ya estaba ahí.

"Turbulencia" / Aline Pettersson

(…) Los poros se conmueven

y se rizan

cuando de pronto llueve en ellos.

[Aline Pettersson/”Turbulencia”]

"Quise mirar"

"Quise mirar el mundo con tus ojos /

ilusionados, nuevos,

(...) para admirar tanto prodigio desde /

el claro mirador de tus pupilas. /

Y fuiste tú la que acabaste viendo /

el fracaso del mundo con las mías".

[Ángel González]

Lienzos (...)

…quisiera

aprender

a

esbozar

lienzos

trasparentes…

Planteamiento (...)

¿Podremos

regresar

a aquellas

nuestras blandas

certezas

que

alimentaron

nuestras primeras

edades?

Evocación 99 (...)

Evocación 99:

momento

en el que

la Sirena

encarnaba

una específica

coordenada

de mi historia

- ¿de mi imaginación?

Nowhereman (66)

No obstante

sigo entero

mirando

desde lejos,

cómo te empecinas

por encontrarte en

las cosas

en tanto yo

me aferro e intento

perderme en las palabras…

De "Tom & Jerry" a Simon & Garfunkel (V)

Tom & Jerry finalmente lanzaron un puñado de singles pop, incluyendo "Our Song", "I'm Lonesome" (1959), "I'll Drown in My Tears" (1961) y "Surrender, Please, Surrender" (1962), antes de decidirse a separarse por un tiempo.

Eventualmente se reunirían a mediados de la década bajo su apodo más famoso, pero el incidente de True Taylor cosió las semillas de desconfianza y resentimiento que subrayarían su relación por el resto de sus vidas.

De "Tom & Jerry" a Simon & Garfunkel (IV)

"Estaba sobre mi cabeza", recordó Garfunkel. "Nunca lo hubiera hecho si Paul no hubiera insistido conmigo. Tenía demasiado miedo del competitivo mundo adulto del rock 'n' roll’. Durante un tiempo, él se apartó de la industria y fijó su mirada en la Universidad de Columbia.

Simon, mientras tanto, tenía otros planes. Habiendo firmado silenciosamente un contrato en solitario al mismo tiempo que Tom & Jerry firmó con el sello, comenzó a grabar material con el nombre de True Taylor. El nombre resultaría irónico: Garfunkel lo tomó como la máxima traición cuando se enteró del alter ego en solitario de Simon.

De "Tom & Jerry" a Simon & Garfunkel (III)

"Hey Schoolgirl", su single de debut, fue lanzado en noviembre de 1957, respaldado por otro original, "Dancin 'Wild". Nombrado en las páginas de Variety, tocó en el influyente programa de radio del DJ Alan Freed e incluso tocó en el American Bandstand de Dick Clark, la canción desplazó más de cien mil copias, lo suficiente para llevarla a un respetable número 49 en las listas de Billboard.

"No puedes imaginar lo que era tener un disco de éxito a los 16", dijo Simon más tarde. "Me convirtió en un héroe de barrio". Garkfunkel, mientras tanto, se sentía menos cómodo con su nuevo papel como un ídolo adolescente en crecimiento.

De "Tom & Jerry" a Simon & Garfunkel (II)

Ante el temor de que sus nombres de pila fueran "demasiado étnicos" para el mundo del espectáculo, tomaron seudónimos. Garfunkel eligió "Tom Graph", en honor a su pasión por las matemáticas, mientras que Simon se apodó a sí mismo como "Jerry Landis", el apellido tomado de su novia de entonces. Juntos, su acto se conoció como "Tom & Jerry".

De "Tom & Jerry" a Simon & Garfunkel (I)

Una década antes de alcanzar la fama mundial con sus propios nombres, los amigos de secundaria Paul Simon y Artie Garfunkel obtuvieron una entrada menor en las listas en 1957 con una canción llamada "Hey Schoolgirl".

"Escribí la canción una tarde mientras luchaba por recordar las palabras del "Hey Doll Baby" de los Everly Brothers. La melodía era lo suficientemente pegadiza para convertirse en una de las favoritas en los primeros conciertos en su condado de Queens, y el emprendedor Simon pronto logró convencer al promotor Sid Prosen para firmarlos en su sello, Big Records.

The Lower Third & Bowie (IV)

La unión entre Bowie y el resto para The Lower Third se volvió incómoda después de que se enfrentaron a un nuevo manager cuyo interés en el líder parecía más que estrictamente comercial. El resentimiento y el rencor dentro del grupo se vieron exacerbados por la falta de dinero y éxito de las listas - se separaron esa primavera.

The Lower Third & Bowie (III)

Finalmente, entregó el tema "You’ve Got a Habit of Leaving Me", con una letra caracterizada por una estructura de acordes caóticos bordeando la disonancia. Teniendo en cuenta su enorme deuda con The Who y The Kinks, resultó apropiado que la canción se grabara con Shel Talmy, productor que había trabajado anteriormente con ambas agrupaciones, lo mismo que con Bowie.

Talmy garantizó al grupo un acuerdo de distribución en Parlophone, el sello de los Beatles, pero el single no tuvo el éxito esperado cuando llegó a las tiendas, en agosto de 1965. "Can’t Help Thinking About Me” se lanzó el siguiente enero y se le acreditó a David Bowie y The Lower Third, lo que marca la primera aparición registrada de ese ambos.

The Lower Third & Bowie (II)

Davy Jones y The Lower Third tocaron juntos por primera vez en abril, y durante los siguientes meses se trasladaron de un lado a otro en una ambulancia. Su música era potente y cruda, a veces demasiado cruda.

"Éramos demasiado ruidosos en el escenario", recuerda Bowie. "No tocamos ninguna melodía. Acabamos por pulverizar el sonido, que estaba vagamente basado en Tamla Motown. Pero cuando tocamos fuera de Londres fuimos abucheados. No éramos muy buenos".

El grupo tomó la mayor parte de su inspiración de héroes del blues como John Lee Hooker, pero Bowie hizo todo lo posible por inyectar algún material original al grupo.

"No sabía cómo escribir una canción, no era particularmente bueno en eso. No tenía ningún talento natural en absoluto... y la única forma en que podía aprender era ver cómo lo hacían otras personas... Estaba tropezando".

The Lower Third & Bowie (I)

The Lower Third, grupo mod proveniente del suburbio londinense de Margate, buscaba un nuevo líder en la primavera de 1965, cuando Davy Jones, de 18 años, llegó a la audición. Habiendo perfeccionado su arte de teatro con grupos de R&B, como los Konrads, los King Bees y los Mannish Boys durante 1964, el futuro David Bowie se unió a los estándares de Little Richard, incluso haciendo solos de saxofón.

Consiguió el trabajo, superando a su amigo, y futuro vocalista de Small Faces, Steve Marriott. "Nos gustó lo que hacía", señaló el guitarrista de la agrupación, Denis Taylor.

Serie animada "The Beatles" (III)

Más tarde, Brodax trabajó en los programas Make a Wish y Animals, Animals, Animals y como consultor de Marvel Comics. Escribió un libro, Up Periscope Yellow: The Making del Yellow Submarine de los Beatles, y también dirigió Brodax Film Group, una compañía de televisión y producción.

Serie animada "The Beatles" (II)

Dennis Marks, Jack Mendelsohn, Heywood Kling y Bruce Howard escribieron los 39 episodios, que fueron producidos principalmente en Australia y Londres. Las caricaturas fueron transmitidas posteriormente por MTV (1986-87) y en Disney Channel (1989).

En 1968, Brodax se desempeñó como productor, coguionista y codirector de Yellow Submarine. A diferencia de la serie de dibujos animados anterior, que describía a los Beatles como moptops divertidos y amantes de la diversión, Yellow Submarine, en gran medida surrealista, mostraba al grupo tal como aparecían durante su etapa de Sgt. Pepper.

Los Beatles aparecieron brevemente al final de la película, y no estuvieron involucrados en su producción, pero sus canciones se tocan en todas partes. Ganó un Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York y otros honores.

Serie animada "The Beatles" (I)

Con casi 40 años en su haber, Al Brodax, a mediados de la década de 1960, tenía lo que pensaba que podría ser una buena idea. Los Beatles eran tan populares, teorizó, ¿por qué no crear una serie de dibujos animados basada en ellos? Se le ocurrió una serie animada simplemente titulada The Beatles, que se desarrolló entre 1965 y 1969. A la postre, Brodax pasaría a otro proyecto: una película de animación basada en el grupo: Yellow Submarine.

Después de ver a The Beatles actuar en The Ed Sullivan Show, Brodax se acercó a la dirección del grupo con la idea de crear una serie animada que, como la película A Hard Day's Night, colocara a los miembros del grupo en situaciones humorísticas (aunque a menudo exageradas). Brodax supervisó la producción de 39 episodios: tres años de caricaturas se transmitieron de 1965 a 1967, seguidos de dos años más de repeticiones.

Cada episodio fue titulado después de una canción de los Beatles (que se tocó durante el episodio), con su historia más o menos basada en la letra. Los Beatles no participaron en la serie de dibujos animados, que se estrenó el 25 de septiembre de 1965.

Paradojas/Seducción

…paradojas

de

la

seducción…

"Las palabras sin las cosas" / Vanessa Huerta

(…) y si algún inconveniente

se interponía

entre el papel

y el asentir,

solo tenía que

alzar la cabeza

para corroborar

que el mundo

estaba impregnado

de aquellas letras

que no sabían mentir.

[Vanessa Huerta Donado]

El declive de "Bonzo" (IV)

El 4 de diciembre, Led Zeppelin emitió un comunicado que decía: "Deseamos que se sepa que la pérdida de nuestro querido amigo y la profunda sensación de armonía indivisa que sentimos y nuestro manager nos han llevado a decidir que no podríamos continuar".

Desde entonces, únicamente han actuado en Live Aid, en 1985, en la celebración del 40 aniversario de Atlantic Records, en el Madison Square Garden y el Ahmet Ertegun Tribute Concert, en el O2 Arena en Londres (más tarde lanzado como álbum: Celebration Day), los dos últimos con el hijo de “Bonzo”, Jason Bonham en la batería.

Después del show de O2, Jimmy Page, Jones y el joven Bonham querían hacer una gira, pero Robert Plant aceptó.

El declive de "Bonzo" (III)

A principios de la tarde siguiente, el bajista de Zep, John Paul Jones y el manager de giras Benji LeFevre fueron a ver a Bonham y lo encontraron muerto.

"Fue terrible", señaló Jones. "Entonces tuve que contarles a los otros dos... Tenía que darles la noticia a Jimmy y Robert. Me hizo sentir muy enojado. No puedo decir que estuviera en buena forma, porque no lo estaba. Hubo algunos buenos momentos durante los últimos ensayos... pero luego comenzó con el vodka".

Se determinó que Bonham había vomitado durante su sueño y luego lo había inhalado. Eso causó un edema pulmonar (un exceso de líquido en los pulmones) que provocó insuficiencia respiratoria. Se estimó que había consumido el equivalente a 40 dosis de alcohol.

El declive de "Bonzo" (II)

Robert Plant recordó el mal humor de Bonham ese día. El baterista (a) “Bonzo” le había dicho al cantante: "He estado tocando la batería. Todos la tocan mejor que yo", una afirmación absurda, considerando que fue uno de los bateristas más admirados de la música rock.

Continuó bebiendo vodka durante el ensayo hasta la tarde. Después de que el grupo fuera llevado a la casa de Jimmy Page, Bonham se quedó dormido en un sofá. Un asistente lo llevó a la cama y lo acostó de lado.

El declive de "Bonzo" (I)

Led Zeppelin se había reunido el 24 de septiembre de 1980 para los ensayos de su primera gira por Norteamérica en tres años, programada para comenzar el 17 de octubre en Montreal, Canadá, en Bray Studios, una instalación de producción de cine y TV en Maidenhead, Berkshire, al oeste de Londres.

El asistente de la banda, Rex King, recogió a John Bonham para llevarlo al ensayo. Bonham le pidió que se detuviera para el desayuno, durante el cual tomó cuatro vodkas cuádruples.

La bebida en Bonham se había tornado problemática. Durante una gira por Europa en junio y julio a principios de ese año, Bonham colapsó durante la tercera canción de un concierto en Nurenburg y fue llevado a un hospital. El grupo afirmó que era debido a que comía en exceso, pero las especulaciones de la prensa atribuían el incidente al abuso de sustancias.

John Bonham - aniversario luctuoso (VII)

Todavía es ampliamente considerado como uno de los mejores bateristas en la historia de la música rock y, a casi 40 años de su muerte, Bonham continúa obteniendo premios y elogios, incluida una selección de lectores de Rolling Stone 2011, colocándolo primero entre los "mejores bateristas de todos los tiempos".

"John tocaba la batería como alguien que no sabía lo que iba a suceder, como si estuviera tambaleándose en el borde de un acantilado. Nadie se ha acercado a eso, desde entonces, y no creo que nadie lo haga nunca. Creo que siempre será el mejor baterista de todos los tiempos". (Dave Grohl)

John Bonham - aniversario luctuoso (VI)

Cuando estaba sobrio, Bonham era un tipo con quien pasar el rato, pero cuando estaba borracho, nadie estaba a salvo. Se volvería nostálgico y echaría de menos a su esposa e hijos (su hijo Jason Bonham también es un baterista que ha tenido éxito con varias agrupaciones como UFO, Foreigner y Bonham, además de sustituir a su padre en la única reunión de Led Zeppelin en 2007).

El 24 de septiembre de 1980, Bonham fue recogido por el asistente de Led Zeppelin, Rex King, para asistir a los ensayos en Bray Studios para una gira por EU, la primera desde 1977. Durante el viaje, Bonham pidió parar para desayunar, donde bebió cuatro vodkas cuádruples, y siguió bebiendo copiosamente durante los ensayos.

El grupo se retiró a casa del guitarrista Jimmy Page, cerca de Windsor, donde, después de la medianoche, Bonham se había quedado dormido, habiendo sido llevado a la cama y colocado de lado. El bajista Zeppelin, John Paul Jones, lo encontró muerto la tarde siguiente (Bonham se había ahogado en su propio vómito). Tenía 32 años.

John Bonham - aniversario luctuoso (V)

Nueve álbumes de rock clásicos y tenemos a una de las agrupaciones más grandes del mundo, rompiendo récords establecidos por The Beatles en los años 60. Led Zeppelin fue imparable.

El ahora legendario solo de batería de Bonham, "Moby Dick", (primero titulado "Pat's Delight") fue un punto culminante de sus shows en vivo de tres horas. "Moby Dick" a menudo duraba media hora y regularmente presentaba el uso de las manos desnudas de Bonham para lograr diferentes efectos de sonido.

John Bonham - aniversario luctuoso (IV)

En 1968, el guitarrista de sesión, Jimmy Page, planeaba formar la mejor banda de rock y ya había alineado a Plant como el cantante, quien a su vez recomendó a Bonham. El baterista inicialmente se mostró reacio a unirse ya que también recibía ofertas lucrativas de artistas establecidos como Joe Cocker y Chris Farlowe.

Empero, decidido a conseguir su hombre, Page y el manager Peter Grant bombardearon el pub local de Bonham con mensajes y 40 telegramas pidiéndole unirse a la banda. Bonham aceptó.

John Bonham - aniversario luctuoso (III)

Después de dejar la escuela en 1964 (el director de la escuela secundaria escribió en su boleta escolar: "Terminará siendo un polvoriento o un millonario"), trabajó para su padre como aprendiz de carpintero mientras tocaba la batería para diferentes agrupaciones locales.

Su primera banda semiprofesional fue Terry Webb & The Spiders, seguida de otras bandas de Birmingham como The Nicky James Movement y The Senators, y más tarde un grupo de blues llamado Crawling King Snakes, cuyo cantante principal era un joven Robert Plant.

John Bonham - aniversario luctuoso (II)

John Henry Bonham, nacido en Redditch, Worcestershire en 1948. Mejor conocido por ser el baterista de Led Zeppelin, Bonham era estimado por su velocidad, potencia, su rápido pie derecho, y sonido distintivo (de hecho, era un baterista de soul). El swing y la arrogancia eran completamente suyos.

John Bonham aprendió a tocar la batería a la edad de cinco años, fabricando una batería con recipientes y latas de café. Recibió su primer kit de batería de parte de su padre cuando tenía 15 años.

John Bonham - aniversario luctuoso (I)

El 25 de septiembre de 1980, John Bonham, baterista de Led Zeppelin, murió a la edad de 32 años luego de una intensa sesión de bebida. "Bonzo" fue encontrado muerto en la casa de Jimmy Page a causa de asfixia, después de inhalar su propio vómito producto del consumo excesivo de vodka. Durante los conciertos, su solo de batería, "Moby Dick", solía durar media hora.

John “Bonzo” Bonham, el hombre que, antes de unirse al grupo de rock más grande del planeta, fue expulsado de los locales de música británica por tocar demasiado fuerte; el hombre que una vez voló el avión de pasajeros Boeing 720 del grupo The Starship, desde Nueva York hasta Los Angeles (no tenía licencia de piloto); el hombre que viajaría en motocicletas por los corredores de los hoteles.

"Lenguaje" / Juan José Arreola

…lenguaje:

única divisa

que tiene

Aceptación Universal.

Juan José Arreola

De lo experimental a Jefferson Airplane (V)

El sentimiento fue mutuo. Jefferson Airplane solía compartir un proyecto de ley con the Great Society, y sus miembros conocían el inmenso talento de Slick. Cuando Anderson optó por retirarse de la actuación en septiembre de 1966 para cuidar a su hijo recién nacido, el bajista de Airplane, Jack Casady, se acercó a Slick para ver si ella quería ser su nueva cantante.

Intrigada por su importante contrato con RCA, no pasó mucho tiempo para que ella decidiera. Slick trajo su contralto operístico, elegante apariencia y fuerte carisma a Jefferson Airplane, así como dos canciones de sus días en the Great Society.

"Someone to Love" (titulado "Somebody to Love") y "White Rabbit" se convertirían en los primeros diez éxitos de la agrupación en las listas nacionales.

De lo experimental a Jefferson Airplane (IV)

Tras el debut de the Great Society en una cafetería de North Beach en octubre, lograron un acuerdo con un pequeño sello independiente, Autumn Records. Para su primer single fueron emparejados con un joven productor llamado Sly Stewart (más tarde conocido como Sly Stone) que rápidamente se sintió frustrado por las 53 tomas necesarias para completar la grabación.

El resultado, "Someone to Love" de 1966 respaldado por "Free Advice" fue ignorado fuera de San Francisco. A pesar de su leal seguimiento local, Slick comenzó a sentirse limitada por las limitaciones del grupo.

"Ella quería cantar con una agrupación más ajustada y con mejores músicos", dijo Jerry en Grace Slick: The Biography, de Barbara Rowes.

"Grace quería trabajar con otros vocalistas para tejer intrincadas armonías en la trama de las canciones". Específicamente, quería trabajar con Jefferson Airplane, que se había convertido en el principal grupo de San Francisco.

De lo experimental a Jefferson Airplane (III)

El grupo ensayó durante todo el otoño y desarrolló un sonido distintivo, fusionando los modos indios y la experimentación de free jazz con el rock de garage. Slick contribuyó con una canción llamada "White Rabbit", que tenía deudas con Alice in Wonderland de Lewis Carroll y el pianista de jazz Gil Evans, además de la influencia del LSD.

"Tomé ácido y escuché el álbum de Sketches of Spain, de Miles Davis durante 24 horas seguidas hasta que se encendió en mi cerebro", dijo una vez acerca del origen de la pieza.

De lo experimental a Jefferson Airplane (II)

Los cortometrajes de Jerry proporcionaron una salida para algunas de las primeras canciones de Slick, pero nunca pensó seriamente en buscar música hasta que vio al recién formado Jefferson Airplane, entonces con la voz del vocalista Signe Toly Anderson, actuando en Matrix, una colmena creativa para la incipiente escena psicodélica.

"Fui a ver tocar a Jefferson Airplane y pensé: 'Caramba, eso es mucho mejor'. Podría hacer eso'", recordó. "Mi madre era cantante. Únicamente tienen que trabajar un par de horas por noche, pueden beber y pasar el rato y ajetrear a la gente. Así que dejé de modelar y formé un grupo con mi esposo y su hermano Darby llamado the Great Society".

Su nombre era un guiño sarcástico a los amplios planes del presidente Johnson para la reforma social liberal, señalando sus elevados ideales. "Era mucho más interesante cantar rock que pasear cambiando de ropa cada 10 minutos".

De lo experimental a Jefferson Airplane (I)

Hija privilegiada de un banquero de inversiones y descendiente de colonos de Mayflower, Grace Slick pasó los primeros años de la década de 1960 ganándose la vida como modelo en los almacenes I. Magin de San Francisco.

"Estaba en el tercer piso, el departamento de alta costura, con vestidos de diez mil dólares", recuerda la propia Slick. El trabajo trajo dinero mientras su esposo, Gerald "Jerry" Slick, un aspirante a cineasta, estudiaba en San Francisco, pero ella encontró el trabajo aburrido y sin inspiración.

"El modelado es algo que puedes hacer si no sabes cómo hacer otra cosa", señaló sobre su temprana carrera.

Inercias de Osterberg y The Iguanas (III)

Ese verano los Iguanas fueron contratados como la banda de house en Club Ponytail, un lugar en el resort cercano de Harbor Springs, ganando 55 dólares cada uno para abrir para los cabezas de cartel como los Four Tops, los Shangri-Las y los Kingsmen.

Sin embargo, según Pop, su mandato llegó a un final innoble (y prematuro): "Comencé a ponerme salvaje, me puse el pelo hasta los hombros y lo teñí de platino, me arrestaron y tomé mi primera foto policial. Fui despedido de Ponytail".

Dejó el grupo al año siguiente, se unió a los Prime Movers antes de establecerse en los Stooges, pero los Iguanas proporcionaron una parte crucial del legado de Pop: el apodo de Iggy.

Inercias de Osterberg y The Iguanas (II)

Después de ingresar a la escuela secundaria al año siguiente, la pareja aumentó el grupo con el saxofonista Sam Swisher, el guitarrista Nick Kolokithas y el bajista Don Swickerath. Ya no era un dúo, el grupo se hacía llamar The Iguanas, denominado por Pop por ser "el animal más genial".

Aterrizaban en bailes escolares, fiestas de fraternidad y clubes alrededor de Ann Arbor, subieron la escalera de la fama local. En 1965 hicieron el viaje al United Sound Record Studio de Detroit para grabar su único single, una versión de "Mona", de Bo Diddley.

El grupo se inclinó por el lado B, optando por " I Don’t Know Why " de Kolokithas por encima de " Again and Again", una primera canción que Pop escribió. Se imprimieron mil copias en la propia etiqueta del grupo, Forte Records, y se vendieron a la entrada de sus conciertos.

Inercias de Osterberg y The Iguanas (I)

Mucho antes de ser conocido como Iggy Pop, Jim Osterberg dio sus primeros pasos musicales cuando era adolescente, y comenzó a tocar la batería después de que su amigo Jim McLaughlin obtuviera una guitarra.

"Practicamos tocando 'What'd I Say' de Ray Charles y algo llamado 'Let There Be Drums', de Sandy Nelson, que fue mi idea porque era un solo de batería", dijo Pop a Rolling Stone en 2016.

En marzo de 1962 entró en un concurso de talentos en Tappan Middle School en Ann Arbor, Michigan, actuando como un dúo de tambores y guitarras proto-White Stripes que Pop apodó "the Megaton Two". Su set de dos canciones - "Let There Be Drums" y una amalgama autodirigida de Duane Eddy-Chuck Berry - sacó a la joven audiencia de los asientos y los puso a bailar en los pasillos.

Esto les ganó el desprecio de los profesores, pero la admiración máxima del cuerpo estudiantil. "Inmediatamente, subí un nivel socialmente en mis encuentros en los pasillos", refiere Pop.

La pasión en los Allman (IV)

Efectivamente, se rompió después de que los discos no se vendieron, los Allman estaban abatidos. "Duane se cansó y cuando mi hermano se cansó, se cansó", recordó Gregg. "'A la mierda esto', siguió gritando. 'A joder con todo esto. A la mierda con estas ropas raras. A la mierda tocando a esta maldita mierda 'In Gadda-da-Vida'. ¡A la mierda!'"

En 1968, el veterano Allman dejó la ciudad, aventurando a los legendarios estudios FAME en Muscle Shoals, Alabama, para probar su mano como hombre de sesión.

Mientras Gregg se quedaba en el Oeste para cumplir con las obligaciones contractuales con Liberty, Duane se dedicó a sembrar las semillas de lo que se convirtió en Allman Brothers Band.

En marzo de 1969, Gregg condujo hacia el Este para reunirse con su hermano en esta nueva empresa, recordándolo como "uno de los mejores días de mi vida. Estaba empezando a sentir que pertenecía a algo de nuevo".

La pasión en los Allman (III)

Su actuación les valió la atención de los sellos discográficos, y en 1966 Allman Joys grabó material para Dial Records, incluido un sencillo, que Gregg describió más tarde como una "terrible psicodelia" de "Spoonful", de Willie Dixon.

A pesar del lúgubre desempeño de la canción, el grupo fue persuadido a viajar a Los Ángeles al año siguiente. Firmado en Liberty Records, el sello los marcó como el Hour Glass, "un péndulo de alma psicodélica" según las notas de su debut, y canciones para que pudiesen grabar.

Si bien estas canciones influenciadas por los gustos de Carole King y Jackson Browne, el cambio de imagen pop comercial no se ajustaba a los Allmans.

"Fuimos engañados", dijo más tarde Duane. Lanzaron un par de álbumes, a los que Gregg más tarde se refirió como "un sándwich de mierda".

La pasión en los Allman (II)

Después de la graduación de la escuela secundaria de Gregg en 1965, el grupo cambió su nombre a Allman Joys y salió de gira, tocando seis sets consecutivos, siete noches a la semana en todo el sudeste.

"Tuvimos nuestro propio sistema de sonido, amplificadores y una jodida camioneta", recordó Gregg. "A lo grande. Nuestro primer concierto fue en Mobile, en un lugar llamado Stork Club. Era un maldito lugar. Estaba nostálgico y la agrupación se había separado unas 14 veces antes de llegar ahí.

"Después de su residencia de varias semanas, se mudaron a Pensacola, Florida; Nashville; San Louis; y más allá. Según Gregg, "Ensayábamos todos los días en el club, almorzábamos, ensayábamos un poco más, volvíamos a casa y nos duchábamos, y luego íbamos al concierto. A veces ensayábamos después de llegar a casa del concierto, únicamente salíamos de la acústica y tocamos. Al día siguiente, desayunamos, ensayamos y lo hacíamos todo de nuevo. Ensayamos constantemente".

La pasión en los Allman (I)

Gregg Allman, de trece años, pasó el verano de 1960 trabajando como repartidor de periódicos, utilizando 21 dólares que ahorró para comprar su primera guitarra, una Silvertone de Sears. En poco tiempo había "procedido a vestir a esa hija de puta". No comería, ni dormiría, ni bebería, ni nada. "Solamente toqué esa maldita guitarra".

Su hermano mayor, Duane, también quedó fascinado con el instrumento, lo que provocó cierta tensión en su hogar en Daytona, Florida. "Muy pronto tuvimos peleas por esa maldita cosa", le dijo Gregg a Rolling Stone en 1973.

"Entonces, cuando llegó el momento de nuestro cumpleaños, el mío fue en diciembre y el suyo en noviembre, ambos obtuvimos una". Duane abandonó la escuela en el décimo grado, y la música se convirtió en su pasión devoradora.

Juntos pasaron los primeros años 60 tocando en grupos locales con nombres como los Shufflers y los Y-Teens. Su primer grupo propio, The Escorts, abrió para los Beach Boys, y grabaron un demo en la parte trasera de una antigua casa de Ormond Beach.

Forjando a Queen (V)

Tim Staffell dejó al grupo en el verano de 1970, y Smile comenzó a hundirse. Brian May y Roger Taylor dieron la bienvenida al nuevo Freddy Mercury al grupo y el 18 de julio de 1970, en el Imperial College, tocaron por primera vez como Queen.

Forjando a Queen (IV)

Smile se elevó en las filas de rock de Londres, tocando en el exclusivo club Speakeasy e incluso en un concierto de recaudación de fondos en el Royal Albert Hall. Eventualmente, se les otorgó un contrato de grabación único con Mercury Records, lo que les brindó la oportunidad de grabar tres canciones en SoHo's Trident Studios, en junio.

"Earth", de Staffell, una canción folky de ciencia ficción lejanamente relacionada con "Space Oddity" de David Bowie, fue marcada para su lanzamiento como single, mientras que "Step on Me", una pieza de May, fue su complemento.

Emitido tan sólo en EU, se hundió sin dejar rastro. Aunque saldría a la superficie en una versión modificada en el álbum debut de Queen, la tercera canción de las sesiones de Trident, una colaboración de May/ Staffell llamada "Doin 'Alright" debía permanecer en la bóveda. Así que fueron tres canciones adicionales grabadas ese septiembre en De Lane Lea Studios.

Forjando a Queen (III)

Chris Smith estaba disgustado con la elección de la canción del grupo, que se desvió demasiado de la pureza del blues estadounidense, y en febrero de 1969 aceptaron separarse. Siguieron siendo lo suficientemente amistosos como para que Smith trajera consigo a su amigo de la escuela de arte, Freddie Bulsara, para ver al power trio recién acuñado.

Bulsara se enamoró de inmediato del grupo y deseaba unírseles. Se dedicó a ofrecer sus opiniones espontáneas y a menudo muy fuertes.

"En mi imaginación lo recuerdo muy vestido como una estrella de rock", dice May sobre su primera impresión del futuro Freddie Mercury.

"Pero el tipo de estrella de rock que no habías visto antes, realmente andrógina. "Él estuvo muy completo desde el principio". En cambio, Bulsara esperó su tiempo en agrupaciones efímeras como Ibex (más tarde llamado Wreckage) y Sour Milk Sea.