Ahora que Annie no está
¿los ojos de quien
me recordarán el amanecer?
No es que antes pensara en ellos
pero pienso en ellos
ahora que Annie no está
Leonard Cohen
viernes, 31 de enero de 2020
“Susurros bajo la almohada” - Víctor Roura (II)
No sé de ti
todas las noches,
no sé qué lugar
ocupo en tu desnudez,
ignoro si en tus sueños
miras mis ojos.
¿Por qué a veces
te siento tan lejos
o es que tu vuelo
de ave sigilosa y furtiva
es tan raudo que pasas muy cerca
pero no me hablas y no siento
tu aliento de rosas
debido al viento que me toca?
“Susurros bajo la almohada” - Víctor Roura (I)
No puedo, amor,
sino respirarte
cuando tu ausencia
Me crece en el cuerpo.
es una tortura el deseo,
y no lo digo como una suposición.
"¿Dónde está mi poema?" - Jaime Tzompantzi
(…)
Por ahora
sólo tengo dentro de mí el ruido de las olas
del Mar Muerto.
Me parece información suficiente
para empezar.
"¿Dónde está mi poema?" - Jaime Tzompantzi
"When you sleep" - Jaime Tzompantzi
(...)
Pues no hay forma
Pues no hay forma
de decirte
lo mucho que
dormir contigo
me hace feliz.
Lo mucho que
se parece
a la idea de
abandonar
el mundo
en completa calma.
Jaime Tzompantzi
Neostalgia (...)
‘Antes, las palabras la habían hecho sentirse
como una inútil, pero ahora […] experimentaba una innata sensación de poder.
Ocurría cada vez que descifraba una nueva palabra o construía una frase. Era
una niña. En la Alemania nazi. Qué apropiado que descubriera el poder de las
palabras.’
La ladrona de
libros, de
Markus Zusak.
Aniversario 83: Philip Glass
El 31 de enero de 2012, el compositor estadounidense
Philip Glass celebró su 75 cumpleaños. Su legado en constante evolución es su
música, que ayudó a formar la escuela de música clásica que ahora conocemos
como minimalismo, aunque desde entonces ha intentado separarse de esa etiqueta.
Su legado es también su prolífica tenacidad, su capacidad para fusionar la
cultura alta y baja a través de partituras cinematográficas nominadas al Premio
de la Academia, obras para solos de piano, colaboraciones con otros músicos,
cuartetos de cuerda y óperas.
Su nombre y estilo son tan conocidos por el mundo
occidental dominante que fue caricaturizado en South Park cuando un Philip Glass animado se sentó al piano,
tocando la misma nota una y otra vez. Su legado es también su omnipresencia y
versatilidad: pocas colaboraciones han conmovido tanto como la que realizó con
Patti Smith en la ceremonia conmemorativa de Allen Ginsberg. Glass cumple hoy 83 años.
Philip Glass - "Glassworks"
Mientras los días de la música Walkman han
terminado, Glassworks sigue vivo, no
como el mayor logro de Philip Glass, sino como uno de los muchos dignos de
celebración. Glassworks es,
probablemente, una de las razones por las cuales el reconocimiento del nombre
de Glass es mucho mayor que el de sus contemporáneos, como Steve Reich o John
(Coolidge) Adams.
Incluso aquellos que sólo conocen las partituras
cinematográficas de Glass probablemente conocen mejor su trabajo que el de
Clint Mansell o Michael Nyman, dos compositores que en gran medida han
desarrollado su carrera en películas. Ahora que han pasado 30 años desde el
lanzamiento de Glassworks, es de esperar que los oyentes hayan guardado sus
Walkman y hayan optado en cambio por entregarse a la amplitud del catálogo de Glass.
La insoportable ligereza de lo virtual (III)
Esconderse detrás de una nueva identidad para
reinventarse, o para robar una felicidad a la que uno cree que tiene derecho:
esta obsesión pinza a Claire. Al adaptar la novela de Camille Laurens, el
director aborda varios puntos de vértigo: el miedo al envejecimiento y el
abandono, pero también el misterio del amor, donde las palabras y la voz del
ser deseado cuentan tanto como lo carnal.
El director da, además, una
construcción aprendida de la historia, sorprendente hasta el final, y mantiene
el suspenso por su puesta en escena de mensajes escritos y llamadas
telefónicas. Del mismo modo, una terapeuta (Nicole García) termina haciendo las
veces de detective, en compañía del cautivante soundtrack de Ibrahim Maalouf.
La insoportable ligereza de lo virtual (II)
Más que la toxicidad de las redes sociales,
donde todo se puede inventar, es la mentira, para los demás y para uno mismo,
lo que se analiza en este novedoso y singular thriller. Perfecta en el romanticismo moderno, Juliette Binoche
rara vez ha sido tan fascinante: perdida o sensual, fusiona a Claire y Clara en
su propia apariencia, como si el amor la rejuveneciera. Una nueva Madame para
estas peligrosas conexiones virtuales.
La insoportable ligereza de lo virtual (I)
Celle que vous
croyez, Safy
Nebbou (2019) está completamente dominada por la incandescente presencia de
Juliette Binoche, quien muestra en ciertas escenas de naturaleza sexual el
mismo abandono que había mostrado en High Life. En esta radiografía de poder e imaginación perversos y
peligrosos, la actriz lidera su determinación habitual.
Aquí está al servicio
de un cineasta que, a través de la adaptación de la novela de Camille Laurens,
irradia las fallas tecnológicas de nuestro tiempo y estos sentimientos
universales e intemporales que son la soledad y la traición en el amor.
jueves, 30 de enero de 2020
"Para qué" — Víctor Roura
¿Y para qué amar
si el tiempo se encarga
de instalar en medio
de los dos amantes
olvidos violentos
y fieras distancias?
—
Víctor Roura
“Ojos Caídos” - Víctor Roura
Besó su pie,
besó su tobillo,
besó su
rodilla,
besó su pierna,
besó su ingle,
besó su vientre,
besó su ombligo,
besó
su seno,
besó su cuello,
besó sus labios,
besó su nariz,
besó sus ojos,
besó su
frente,
besó su cabello
y se despidió de ella para siempre.
— “Ojos Caídos”, Víctor Roura
"Una muchacha con dos objetos" - Víctor Roura
“Ahora, solitaria –mirando hacia
adentro, sombría–, no se puede
enamorar: sólo sueña que ama”.
—
Fragmento de
Una muchacha con dos
objetos,
Víctor Roura.
Un concierto en la azotea (IV)
No es sorprendente que la policía se presente
en poco tiempo. Sin hacerles caso, los Beatles se lanzan en una repetición de
"Get Back", Paul improvisa una frase sobre ser arrestado por tocar en
un techo. Hay algunos aplausos cuando terminan, luego Lennon vuelve al
micrófono.
"Me gustaría dar las gracias en nombre del grupo y de nosotros mismos. Espero hayamos pasado la audición", dice, una de las líneas más recordadas del rock.
"Me gustaría dar las gracias en nombre del grupo y de nosotros mismos. Espero hayamos pasado la audición", dice, una de las líneas más recordadas del rock.
Más tarde ese año, los Beatles grabarían Abbey Road, su álbum final, pero a fines
de 1969 estaban separados. El 20 de septiembre, John informó a los demás que
"quería un divorcio". Para cuando el álbum y la película Let it Be se lanzaron en 1970, este
último disco contenía parte del concierto en la azotea, los Beatles ya no eran más
un grupo.
Un concierto en la azotea (III)
El ingeniero de Apple, Alan Parsons, instaló
dos grabadoras de ocho pistas en el sótano del edificio Savile Row y tendió
cables hasta el techo. El director Michael Lindsay-Hogg rodó la película. Con
el viento frío soplando y un puñado de espectadores reunidos, los cuatro
músicos tomaron sus instrumentos, mirando hacia el frente del edificio, y
comenzaron a tocar.
Comienzan con "Get Back", una de
las nuevas piezas de Paul McCartney, luego "Don't let me down" de John
Lennon, "Got a feeling" de Paul, una actualización de su favorito del
club "One after 909" y, finalmente, de John, "Dig a Pony".
En tanto, los londinenses confundidos y/o encantados en la calle, a medida que avanzaba el concierto, estiran el cuello para echar un vistazo o continuar su camino, sin interés por la historia que acontecía justo frente a ellos.
En tanto, los londinenses confundidos y/o encantados en la calle, a medida que avanzaba el concierto, estiran el cuello para echar un vistazo o continuar su camino, sin interés por la historia que acontecía justo frente a ellos.
Un concierto en la azotea (II)
Desde un punto de vista histórico, los seguidores
del rock se han preocupado mucho desde el día en que sucedió. Como todos
sabemos ahora, habían estado grabando lo que se conoce como las sesiones Get Back, cuya idea era devolverlos a
sus raíces.
Con la ayuda del tecladista Billy Preston, The Beatles habían
estado ensayando sus nuevas canciones, filmando todo para un documental, que se
llamaría Let It Be. Alguien, nunca se
estableció definitivamente quién, sugirió que tocaran un concierto, algo que no
habían hecho en casi tres años.
Podrían haberlo hecho en cualquier lugar,
pero planeando un gran concierto con entradas y todo lo que habría implicado
demasiado esfuerzo. Tan sólo querían ver cómo era tocar en vivo nuevamente.
Siendo enero, no estaban para anunciar una gran presentación en Hyde Park o
cualquier otro espacio abierto. ¿Qué tal el techo de Apple? Seguro ¿Por qué no?
Un concierto en la azotea (I)
En el techo de la sede de The Beatles, en el
Apple Corps, en el número 3 de Savile Row, en Londres, el grupo efectuaría lo
que será su último concierto en público. Podrían haber llenado fácilmente
cualquier estadio, en realidad cualquier espacio del mundo, pero ahí están, los
cuatro en persona, los únicos Beatles reales, el 30 de enero de 1969, tocando gratis
para cualquiera en el vecindario que se preocupe por detenerse y escuchar.
Y, sin embargo, algunas personas prosiguen
como si nada. Echan un breve vistazo, algunos hacen muecas en señal de molestia,
y luego continúan su camino de regreso al trabajo. ¿Los Beatles realizan un improvisado
concierto de 42 minutos? ¿Canciones nuevas? ¿John, Paul, George y Ringo ahí? ¿A
quién le importa?
miércoles, 29 de enero de 2020
"Poema amoroso" (V) - Eusebio Ruvalcaba
Ya cambié de opinión:
sí eres la mujer de mis
sueños.
Eusebio Ruvalcaba
"Poema amoroso" (IV) - Eusebio Ruvalcaba
No eres la mujer de mis
sueños.
La mujer de los sueños de un
hombre
habita sus noches
en el limbo de lo
inexplicable.
Tú eres lo único verdadero.
La única realidad posible.
Para mí.
Hacia ti voy.
Y de ti vengo.
Eusebio Ruvalcaba
"Poema amoroso" (III) - Eusebio Ruvalcaba
Eres Elena de Troya.
Sólo así se entiende
que una mujer
haya engendrado una epopeya.
Eusebio Ruvalcaba
"Poema amoroso" (II) - Eusebio Ruvalcaba
La vanidad de las flores se
estremece
a costa tuya.
Susurran secretos de envidia
cuando
pasas a su lado.
Se miran entre sí sedientas
de compasión.
Quisieran ser tú.
Me lo han dicho.
Vengarse de algún modo.
Eusebio Ruvalcaba
"Poema amoroso" (I) - Eusebio Ruvalcaba
Te miro venir hacia mí.
El sol sigue tu caminata.
Se desparrama delante de ti.
Teje urdimbres de luz a tu
paso.
Mirarte me sobrecoge.
Sé lo que vendrá.
Palabras de amor.
Miradas que se tornarán caricias.
Tu cuerpo en el mío.
Eusebio Ruvalcaba
"Anoche lloramos juntos" - Eusebio Ruvalcaba
No sé exactamente cómo
aconteció.
Estábamos en la cama. Yo
dentro de ti.
De pronto me di cuenta que la
belleza
era mi ángel guardián.
Te dije que te amaba.
Como nunca había amado a
nadie.
Me dijiste lo mismo.
Y sobrevino el llanto al
mismo tiempo
que el semen.
Lloraste aún con mayor
intensidad.
Nos juramos amor.
Las almohadas quedaron
empapadas
de lágrimas.
Eusebio Ruvalcaba
"El viagra en un soneto sin rima" - Eusebio Ruvalcaba
Yo no lo uso; nomás lo
recomiendo.
El viagra te abre las puertas
del deseo.
Es como la música tropical
cuando la baila una mujer
cachonda.
El viagra se desparrama en tu
sangre
tan velozmente como la
lectura
del Decamerón. Bocaccio lo
habría
usado a espaldas de su
querida.
Sin que se le mencione, el
viagra está
al servicio del talismán
erótico.
El viagra supera cualquier
sesión
de psicoanálisis. Y es más
barato
que la más módica de las
consultas.
Quizás porque su efecto es
inmediato.
Eusebio Ruvalcaba
Pensándolo bien (...)
(...)
Y mientras intentas
descubrir
El porqué
de tanto encanto
Descubres
después
y sólo
después
Pensándolo bien
Que las mirabas
Porque las amabas.
Pedro Almodóvar
Esoterismo (...)
Es por esto que he terminado
pensando
en el esoterismo
como la forma en que nos
decimos:
“Nunca sabrás lo que otro
siente
o piensa realmente,
pero quizá las estrellas
lo
sepan
y todos estamos hechos
de
ellas.”
¿Será por esto que
nos
miramos a los ojos
y a la noche con igual curiosidad?
Jaime Tzompantzi
Adivinación (...)
Lo que sí entiendo es que
cuando dormimos drogados
uno junto al otro
y me dejas poner
la música
que quiera
no necesito
más adivinación
que esta.
Jaime Tzompantzi
martes, 28 de enero de 2020
...más allá de "Las batallas en el desierto"
'Usted que me ha leído y no me conoce, no nos
veremos nunca, pero seremos amigos...En realidad, los poemas que leyó son de usted:
Usted, su autor, que los inventa al leerlos.'
José Emilio Pacheco, más allá de
Las batallas en el desierto
Entonces, "Mr. Fantasy" - Traffic (1967)
El cantante y multiinstrumentista Steve
Winwood estaba a pocos días de cumplir 19 años cuando formó Traffic con el
guitarrista Dave Mason, el baterista Jim Capaldi y Chris Wood. Aparte de
Winwood, que había tenido éxito como cantante principal del Spencer Davis Group,
con éxitos como "I'm a man" y "Gimme some lovin'", ninguno
de los integrantes del grupo era especialmente conocido. Winwood había
desarrollado una reputación como cantante de blues moderno, aunque la música
que haría con Traffic exploraría mucho más allá de los confines del blues.
En manos de un grupo menor que Traffic, los
diversos estilos musicales representados en Mr.
Fantasy, lanzados en el Reino Unido el 8 de diciembre de 1967, bien podrían
haber sido una mezcolanza; en cambio, se mezclan de manera relativamente
transparente y muestran el eclecticismo creativo e inteligente del grupo. A
diferencia de muchos de los contemporáneos del grupo, la formación original de
Traffic era una agrupación que presentaba múltiples multi-instrumentistas. Esa
amplia instalación ayuda a darle al álbum su carácter: Winwood, Capaldi y Mason
tocaron teclados; Winwood y Mason tocaron la guitarra; los cuatro cantaron y
proporcionaron percusiones. Y algo atípicamente para un baterista, Capaldi fue
un letrista efectivo y prolífico.
En retrospectiva, la instrumentación en Mr. Fantasy es puro 1967: el teclado
Mellotron basado en cinta se usa a menudo, el clavicordio hace múltiples
apariciones, y la exótica instrumentación oriental necesaria (citara, tambura)
se rocía en las canciones. El saxofón y la flauta de Wood todavía eran algo
inusuales en un disco de rock.
"Dear Mr. Fantasy" - Traffic (1967)
Con su característico riff inspirado en
"Hey Joe" (versión Jimi Hendrix), "Dear Mr. Fantasy" se convertiría
en la canción más conocida de Mr. Fantasy,
y una de las pocas canciones que sobrevivió en la lista de canciones de la era
posterior a Traffic.
La lejana voz de Steve Winwood, colocada profundamente en
la mezcla por el productor Jimmy Miller, paradójicamente llama la atención
sobre sí misma. El "coro" de la canción es poco más que una serie
pegadiza de vocalizaciones armonizadas con una figura de guitarra.
Un solo de
guitarra punzante y prolongado ocupa el centro del escenario a mitad de la
canción mientras la melodía se repite debajo. Los rellenos de armónica de
Winwood se suman al carácter bluesero de la canción.
Robert Crumb, creador de la portada de "Cheap Thrills" (X)
Originalmente, la idea original de Crumb para la portada era
una caricatura del grupo actuando en el escenario con las caras de los
integrantes de la agrupación pegadas en ella. El grupo estaba menos que abrumado
por esto, pero luego miraron lo que Crumb entregó para la contraportada y
vieron la luz.
Una tira cómica con un panel para cada una de las canciones, más
créditos para los miembros de la banda. Inmediatamente decidieron que se quedara como portada y cimentaron para siempre el estado icónico de esa tira cómica entre
las portadas de los álbumes.
Robert Crumb, creador de la portada de "Cheap Thrills" (IX)
Entonces, Crumb entra en el
universo de Sex, Dope y Cheap Thrills. El baterista Dave Getz
recuerda el momento en que surgió la idea de pedirle a Crumb que hiciera la portada:
“Teníamos un gran almacén en San Francisco donde ensayábamos.
Les dije '¿Qué tal
si le preguntamos a Robert Crumb?' Janis, James (Gurley, guitarrista) y yo
éramos grandes admiradores de su trabajo, nos encantaron sus caricaturas que
aparecían en los periódicos subterráneos de SF
y Zap Comics. Pero fuera de SF, no mucha gente sabía de su genio”.
A
través de un amigo en común obtuvieron el número de Crumb y Janis lo llamó.
Crumb continúa la historia: “Janis me pidió que hiciera la portada del álbum.
Me gustó Janis. Hice su portada. Tomé velocidad y la hice en una noche. La portada que diseñé, sin embargo, no se usó en absoluto. Usaron la portada trasera
para el frente. Me pagaron 600 dólares. ¡Obtuve mucho kilometraje con eso a lo largo de
los años!”.
Getz agrega: “Al siguiente fin de semana, Crumb vino a nuestra presentación en The Carousel Ballroom, se sentó en
el piso de nuestro camerino detrás del escenario y observó. Realmente no le
gustaba nuestra música, pero no importaba. Tal vez fue uno o dos días después
que Crumb llamó a Janis para que viniera a recoger lo que había hecho".
Robert Crumb, creador de la portada de "Cheap Thrills" (VIII)
Crumb no fue la primera opción para la
portada del álbum de Big Brother & the Holding Company. La banda, que
alcanzó un éxito meteórico inmediatamente después de su actuación histórica en
el Monterey Pop Festival en el verano de 1967, firmó rápidamente con Columbia
Records, que quería un álbum rápido para sacar provecho del emergente mercado
de las flores.
El título original del primer álbum de la banda para Columbia
fue Sex, Dope and Cheap Thrills, un
resumen bastante claro del credo de la agrupación. Eso, por supuesto, no
funcionó con Columbia, que rechazó las contundentes Sex and Dope dejando tan sólo las vagas Cheap Thrills. Cuando llegó el momento
de la portada del álbum, la idea del grupo era ir con una foto de la agrupación,
con un pequeño giro de tomar la foto en sus trajes de cumpleaños. El resultado
resultó insatisfactorio, y otro no por parte de Columbia.
Robert Crumb, creador de la portada de "Cheap Thrills" (VII)
Pero Crumb hizo una excepción con Janis
Joplin, conectándose con ella por su amor mutuo por la música antigua de Blues:
“Todavía no era conocida a nivel nacional. Recuerdo haberla visto en el Avalon
Ballroom y enseguida se notaba que tenía una voz excepcional y que llegaría
lejos. Comenzó cantando blues de antaño, como Bessie Smith. Ella era una especie
de folknik originalmente.
Si bien no le importaba su banda actual y el
giro psicodélico que tomaron en el blues, reconoció su capacidad para sacar el
buen blues: "Janis había tocado con bandas anteriores solo tocando country
blues y fue mucho mejor. Mucho mejor. Está cantando bien, sin gritar, sin tocar
para el público que quería verla sudar sangre. Al principio ella era solo una
auténtica y genuina grito de campesina de Texas”.
Robert Crumb, creador de la portada de "Cheap Thrills" (VI)
Crumb no tenía paciencia con gran parte de la
música que lo rodeaba en San Francisco o en otros lugares a fines de la década
de 1960. Una blasfemia para cualquiera que se preocupa
por toda la gran música creada en esos días, la edad de oro del rock y la
música psicodélica. Pero Crumb vino de otra época, mentalmente, y para él esta
música era el comercialismo personificado en comparación con la música de raíz
de los años 20 y 30:
“No tenía paciencia para nada de esa
música pop psicodélica o basura que vino en los años 60: The Grateful Dead, Jim
Morrison, The Doors, The Beatles, Bob Dylan. Tenía poco o ningún interés en
nada de eso. Pensé que había encontrado algo de música que era mucho más real,
que venía del corazón de la cultura de la gente pero que había sido borrada por
los medios de comunicación y el comercialismo”.
Robert Crumb, creador de la portada de "Cheap Thrills" (V)
La publicación de la revista Zap proporcionó exposición, pero no
ingresos y Crumb estuvo casi sin dinero. Crumb imprimió, dobló y engrapó copias
del primer número y las vendió en la calle de Haight-Ashbury a 25 centavos la copia.
Los propietarios de las tiendas en esa zona de la cadera no entendieron qué
pasaba con estos cómics que les ofrecía. Almacenaron carteles de
conciertos de Art Nouveau psicodélicos,
incienso, pipas, bongs, velas.
Pero en seis meses Crumb se hizo conocido por su talento como artista de cómics
underground.
Robert Crumb, creador de la portada de "Cheap Thrills" (IV)
Crumb estuvo dibujando todo ese tiempo, adaptando
viejos estilos de dibujos animados a la visión alucinógena hippie, lentamente
captando interés y reconocimiento. Después de contribuir con su trabajo a
varias revistas underground, fue
invitado a crear una revista de cómics llamada Zap. El primer número presentaba a su favorito, "Mr. Natural", en la
portada.
Robert Crumb, creador de la portada de "Cheap Thrills" (III)
A su llegada a San Francisco, Crumb
rápidamente encontró su camino hacia Haight Ashbury y la Tienda Psicodélica y
se sumergió en la cultura despreocupada de la ciudad:
“San Francisco era una
gran ciudad en ese momento, una ciudad realmente hermosa. Después de vivir en
Cleveland, Chicago, Nueva York, Filadelfia y Detroit, todas estas ciudades
industriales realmente deprimentes, San Francisco parecía un dulce pastelito
con casas victorianas y hermosos parques”.
La ciudad le ofreció a Crumb el mejor
ambiente para disfrutar de las cosas que lo que más le interesaba: dibujar
cómics salvajes y tomar ácido. Sin olvidar, por supuesto, el sexo.
Robert Crumb, creador de la portada de "Cheap Thrills" (II)
La historia de la portada de este álbum
comienza en enero de 1967, cuando Crumb se mudó a San Francisco. Los dos años previos
los pasó sumergiéndose en LSD y viajando entre Nueva York, Chicago y Detroit.
La droga era legal entonces y una revelación para muchos, como él recuerda:
“En
ese momento, 1965-1966, fue muy emocionante. Entraste en un metro y fuiste una
persona que tomó LSD. Si había otra persona en ese metro que también había
tomado LSD, inmediatamente sabían quiénes eran, se conocían. Lo mirarías a los
ojos y lo sabías y ellos sabían que lo tenías. Era como una hermandad íntima de
personas que habían visto todo de una manera que la mayoría de la gente no
tenía ni idea. Hubo ese momento dorado".
Robert Crumb, creador de la portada de "Cheap Thrills" (I)
Una historia curiosa sobre un artista que
dibuja la portada de un álbum para una agrupación a la que no le importa, toca
un estilo de música que no escucha y atrae a un público con el que no se
conecta. Y para colmo, el arte seleccionado para la portada fue el que pretendía
para la contraportada.
El resultado: una de las portadas de álbumes más
icónicas de finales de la década de 1960, la historia de la portada de
Robert Crumb para y el álbum que cambió, en definitiva, la carrera de Janis Joplin & Big
Brother Company: Cheap Thrills.
lunes, 27 de enero de 2020
Extravío (...)
Vida mía
¿Qué día es hoy?
Ando solo
mudo y triste
Recordando tu luz…💔
Real de Catorce
"Exhala" - Laura P Gcia
Amor...
Como el humo
Se desvanece
Por eso nunca
Le creo.
Sostenlo cuanto puedas
Saboréalo, disfrútalo
Déjalo ir,
Exhala 🍃
Transitando hacia "Meddle"
A finales de los años 60, Pink
Floyd se había convertido en una formidable banda de giras en vivo. Aunque Meddle era un álbum que se deleitaba en
su uso del estudio de grabación, fue el primer álbum en capturar parte de la
potencia y la emoción de la experiencia en vivo de los ingleses. Después de Meddle, nadie los llamó 'el' Pink Floyd.
Aquellos que compraron Meddle en 1971
no preguntaron "¿Dónde está Syd?". Quizá cada vez más preguntaban:
"¿Quién es Syd?".
En general, los seguidores de
Floyd aceptan que Meddle fue el punto
en el que Pink Floyd, tal como los conocemos, realmente comenzó. Ahí está el
abismo energético efervescente “One of these days”. Está a su vez el que es el
modelo de la mitad de las canciones de Dark
Side of the Moon. La música de la banda sonora que habían grabado estaba ahí
para cumplir una función: era atmosférica. Pero no eran buenas canciones. “One
of these days” es Pink Floyd 2.0.
Si bien en su primera
encarnación eran una banda de pop y una banda psicodélica de forma libre, “Arnold
Layne” y “See Emily play” fueron exitosos singles,
los años posteriores los vieron perder por completo el interés en dicha lista.
De esa manera iban con la corriente de sus contemporáneos, convirtiéndose en un
grupo enfocado en álbumes. Pero “One of these days”, una gran canción (a pesar
de no tener palabras que no sean una frase hablada) demostró cuán capaces eran
de producir algo accesible cuando así les apetecía.
Pink Floyd - 'Meddle' (1971)
Meddle no tuvo un comienzo muy auspicioso, ya que evolucionó a
partir de una serie de experimentos en la creación musical con objetos
cotidianos titulados 'Nothings', 'Son of nothings' y luego 'Return of the Son
of Nothings'.
Sin embargo, al explorar tan lejos del ámbito de lo cotidiano,
claramente estaban en algo. 'One of These Days' y 'Echoes' (ambos con elementos
instrumentales extrañamente involucrados) se convirtieron en los favoritos de
la firma, mientras que una canción no utilizada se convirtió en 'Brain Damage'
para The Dark Side of the Moon.
Estaban ya a tan sólo unos pasos, sí, de la grandeza.
Antes y después de "Echoes" (II)
No necesariamente se puede
decir lo mismo sobre Atom Heart Mother
o Ummagumma. Esos álbumes, brillantes
son el sonido de Pink Floyd encontrando su camino, tratando de escapar de la
sombra de su genial genio errático: Syd Barrett.
Hasta entonces, los ingleses habían
recorrido un largo camino desde el capricho alucinógeno de Piper at The Gates of Dawn y A
Saucerful of Secrets. El caos psicodélico quedó atrás y surgió un nuevo
Pink Floyd. Todavía eran aventureros y experimentales, pero también pasaron a
ser más estructurados…más estables.
Antes y después de "Echoes" (I)
El 'ping' en la apertura y
cierre de “Echoes” fue producido por Richard Wright tocando una sola nota en un
piano de cola de concierto y alimentando la señal a través de un altavoz
giratorio Leslie. Es una apertura perfecta, completamente icónica en su forma.
“Echoes” es, además, la pieza
central de Meddle, un álbum que es considerado
como aquel en el que Pink Floyd hizo todo bien. En Meddle
casi podemos escuchar The Dark Side of the
Moon y Wish You Were Here.
Pink Floyd - 'More' (1969)
More representó un punto de inflexión más que una historia de éxito
para el grupo, ya que Pink Floyd dio sus primeros pasos sin Syd Barrett y el
productor Norman Smith.
Escuchamos cómo Roger Waters comienza a destacar como
compositor, incluso cuando Dave Gilmour maneja todas las voces de lo que sería
el primero de de transición de 1987 dos álbumes de Pink Floyd (el otro es Momentary Lapse of Reason).
Los
resultados, empero, son básicamente experimentales. More hace una rara incursión en el folk, mientras
(en el atronador 'Ibiza Bar') desata algunos de los sonidos más fuertes de la agrupación.
Recuerdos de Nick Mason
El baterista de Pink Floyd,
Nick Mason, recordó la primera vez que conoció a sus futuros compañeros de agrupación:
Roger Waters y Rick Wright, y cómo comenzó su relación con Waters pidiendo
favores y obteniendo rechazos.
El trío se encontró por
primera vez en la Universidad de Londres en 1964, y aunque parecía que el
momento no era prometedor, condujo a una colaboración de clase mundial.
"Regent Street Polytechnic: allí conocí a
Roger Waters y Rick Wright", rememora Mason. Todos estábamos estudiando
para ser arquitectos.
Recordó que "se
conocieron porque Roger sabía que yo tenía automóvil. No estoy seguro de saber cuál
era el automóvil ... En realidad, era un Austin 7 Chummy con una velocidad
máxima de 20 mph y no tenía frenos. Pero cuando me preguntó si se lo podía
prestar, le dije que no ... También trató de quitarle un cigarrillo a Rick y le
dije que no, lo que marcó la pauta para los próximos 50 años".
Sin embargo, Mason
subraya: "Fue un momento importante porque si no hubiera sido por eso,
podríamos no estar sentados aquí ahora".
domingo, 26 de enero de 2020
1967 en la música rock: una mirada retrospectiva
Desde cualquier ángulo, 1967 fue un año
increíble para la música rock, pop y soul. El año nos dio no sólo al Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band, sino
también álbumes de debut de The Doors, Jimi Hendrix, David Bowie, Pink Floyd y
The Velvet Underground; docenas de singles
y álbumes exitosos; eventos que cambian el juego como el Monterey Pop Festival
y las muertes de Otis Redding y el manager
de The Beatles, Brian Epstein; y mucho más.
El rock crecía en 1967: la radio FM
"underground" comenzaba a superar a AM Top 40, y los admiradores de
la música estaban siendo felizmente bombardeados por una mezcla aparentemente
sin parar de singles pop, los Monkees
eran enormes, así como el alma (Aretha Franklin, la Supremes) y el nuevo rock
psicodélico emergente. Medio siglo después, la mayor parte todavía se mantiene
bien.
En 1967, todos querían estar en un grupo de
rock. Los siguientes se
formaron en 1967: Blood, Sweat & Tears, Blue Öyster Cult, Chicago,
Creedence Clearwater Revival, The Electric Flag, Fairport Convention, Fleetwood
Mac, Genesis, The Hour Glass (con Duane y Gregg Allman), The J. Geils Band,
Jethro Tull, Nazz (con Todd Rundgren), The Nice (con Keith Emerson), NRBQ,
Procol Harum, REO Speedwagon, Santana, Sly and the Family Stone, Spirit, Status
Quo, The Stooges (con Iggy Pop), T. Rex, Three Dog Night y Traffic.
Ten Years After en Woodstock (III)
Cuando la película de Woodstock se estrenó, a fines de 1970, (más de un año después del
festival) para Ten Years After equivalió a lo que “Live Aid” para Queen y U2:
los transformó en superestrellas. De repente, Ten Years After fueron los nuevos
héroes del Blues Rock Británico.
Ten Years After estuvo a la vanguardia de la
segunda invasión de EU por parte de grupos británicos, alcanzando rápidamente
el status de primera línea.
“No fue tanto tocar bien como caer bien; lo aprendimos
de nuestros años en el circuito de clubes. Había muchas agrupaciones en EU que
no querían seguirnos. En Woodstock, Country Joe puso su equipo delante de
nosotros porque había tocado después de nosotros en el Fillmore East. Solíamos
desgastar al público”.
Ten Years After en Woodstock (II)
En la película de Woodstock, la cámara capta a Alvin Lee, su rostro juvenil rodeado
por el cabello rubio hasta los hombros. "Esto es una cosa llamada 'I'm going
home'... ¡en helicóptero!", y durante una docena de segundos saca notas en
su guitarra Gibson que suena como un estallido sostenido de fuego de
ametralladora.
Posteriormente, el grupo se lanza a un boogie
vertiginoso y la canción despega; Alvin escupe la voz, llenando los espacios
con más solos de guitarra. La cámara permanece fija en él; sólo hay vislumbres
ocasionales del tecladista Chick Churchill, el baterista Ric Lee y el bajista
Leo Lyons. Alvin lidera la canción de arriba a abajo, sin dejar nunca que el
ritmo baje, nueve minutos después llega a una cacofonía final de auténtica velocidad.
Ten Years After en Woodstock (I)
Oscurecía cuando Ten Years After subió al
escenario en Woodstock en 1969. La lluvia había caído a media tarde, justo
cuando estaban a punto de comenzar, empapando el escenario y convirtiendo el
sitio en un atolladero.
El público, que se estimaba entre 350 mil y
500 mil, estaba húmedo, frío y desaliñado después de tres días al aire libre. El
grupo no estaba en su mejor forma, después de haber viajado durante la noche
desde St Louis, haciendo el último tramo en helicóptero y luego encerrados en
la parte trasera de un remolque, esperando que la lluvia se detuviera.
Wes Wilson, artista del cartel psicodélico (IV)
Wilson continuó trabajando como artista
después del final de la era del salón de baile de San Francisco, luego,
desilusionado con el arte del póster, se mudó a una granja en los Ozarks en
Missouri. Una parte de su biografía en su sitio web dice lo siguiente:
“Wes Wilson, el padre del cartel del
concierto de rock de los años sesenta, llegó al mundo a través de Sacramento,
California, el 15 de julio de 1937. Cuando era niño, sus intereses
vagabundeaban entre actividades artísticas y un intenso amor por el mundo
natural. Sus estudios postsecundarios reflejaron estos intereses; se centró por
un tiempo en la silvicultura y la horticultura antes de llegar finalmente a la
filosofía. En la segunda mitad de la década de 1960, Wes encontró mucha
inspiración en los barrios de vanguardia de San Francisco. Serendipity
interrumpió todos sus planes (como ella solía hacer) y Wes Wilson pronto se
encontró creando obras de arte para las masas. Su estilo, inspirado en los
maestros del Art Nouveau, tomó lo que
se entendía sobre el arte promocional y lo convirtió al revés. Letras casi
crípticas llenaron cada espacio disponible, las líneas se fundieron en líneas,
los colores chocaron ... y nació el cartel psicodélico. El amor por el arte y
la naturaleza finalmente llevó a Wes a las hermosas estribaciones de Ozarks,
donde todavía disfruta creando y discutiendo arte e ideas ".
Wes Wilson, artista del cartel psicodélico (III)
Aunque los carteles diseñados por Wilson y
los otros artistas fueron aparentemente creados para anunciar los próximos
espectáculos, rápidamente se convirtieron en objetos de deseo entre los
fanáticos del rock de la ciudad, y a menudo se los quitaba de las paredes y los
postes telefónicos casi inmediatamente después de colocarlos, luego se los
tomaba. hogar para adornar dormitorios y salas de estar.
Algunos de los
carteles fueron dibujados de manera tan ornamentada que las letras a mano
alzada que señalaban a los artistas programados y las fechas de los conciertos
estaban prácticamente oscurecidas.
Con el tiempo, los carteles creados por
Wilson y los demás se convirtieron en reconocidos como el codiciado arte
simbólico de la época, a menudo exhibido en museos (incluidos el Museo
Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno de Smithsonian y Nueva York) y
galerías, y vendiéndose a coleccionistas por cientos o incluso miles de
dólares.
Wes Wilson, artista del cartel psicodélico (II)
Robert Wesley Wilson, nacido en Sacramento,
había asistió a la Universidad Estatal de San Francisco y trabajando en Contact
Printing, una pequeña prensa de San Francisco, cuando la demanda de carteles de
conciertos lo llevó al nuevo campo emergente.
Según la página de Wikipedia de Wilson,
“inventó un estilo que ahora es sinónimo del movimiento pacifista, la era
psicodélica y la década de 1960. En particular, es conocido por inventar y
popularizar una fuente 'psicodélica' alrededor de 1966 que hacía que las letras
parecieran moverse o derretirse".
Wilson, inspirado en el movimiento Art Nouveau, afirmó que el estilo de
letras que utilizó "derivado de las letras secesionistas vienesas que
descubrió en un catálogo de exhibición de la Universidad de California..."
Seleccionó colores "a través de experiencias visuales con LSD,
así como de su Experiencia profesional como impresora. Eventualmente
desilusionado con la carrera y las oportunidades financieras del arte del
cartel".
Wes Wilson, artista del cartel psicodélico (I)
Uno de los principales artistas de carteles
asociados con la escena de la música psicodélica de San Francisco de finales de
los años 60, Wes Wilson, murió el 24 de enero de 2020 en su casa en Leann,
Missouri, a los 82 años. Su muerte fue anunciada en su Página de Facebook con
un breve aviso.
Junto con Alton Kelley, Victor Moscoso, Rick
Griffin y Stanley Mouse, Wilson diseñó muchos de los carteles y volantes
encargados expresamente por el promotor Bill Graham para conciertos en el
Auditorio Fillmore y Fillmore West de San Francisco. También elaboró carteles
para los conciertos del promotor Chet Helms en el Avalon Ballroom de la ciudad.
José Emilio Pacheco - Aniversario luctuoso
‘Voy a guardar intacto el recuerdo de este
instante porque todo lo que existe ahora mismo nunca volverá a ser igual’
Un día como hoy, aunque del año de 2014,
falleció José Emilio Pacheco. Perteneciente a la llamada “Generación del Medio
Siglo”, escribió crónica, poesía, novela, cuento y ensayo, aunque también se
desempeñó como traductor y crítico literario.
Su prolífica carrera inició desde muy joven,
cuando publicaba sus escritos en revistas estudiantiles y algunos periódicos.
En "Inventario". Antología, contiene en tres volúmenes la columna semanal que el
escritor publicó durante cuatro décadas semanalmente, primero en el periódico Excélsior y después en el semanario Proceso.
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