De Hendrix para Gallagher y Gibbons (IX)

Es totalmente imposible identificar al fallecido Jimi Hendrix con una respuesta definitiva sobre quién fue su guitarrista favorito de todos los tiempos. Lo más probable es que, como todo mundo, cambie con cada solo o canción. Aunque hay una buena posibilidad de que, en la mayoría de las ocasiones, si se le cuestionara a Hendrix quién era el mejor, respondiera: “Billy Gibbons”.

De Hendrix para Gallagher y Gibbons (VIII)

Por supuesto, que los guitarristas crean que Jimi Hendrix es uno de los grandes no es nada nuevo. “He escuchado lo anterior”, responde Gibbons cuando se enfrenta a la idea de que Hendrix creía que él era el mejor de la zona. “Éramos buenos amigos”, continúa, “muy buenos amigos. Todavía tengo buenos recuerdos de nuestro tiempo juntos y espero que algún día podamos sonar”.

De Hendrix para Gallagher y Gibbons (VII)

“Era un verdadero mago técnico. Estaba inventando cosas para hacer con la guitarra Stratocaster. Estoy seguro de que los diseñadores no tenían ni idea de que se desarrollaría en años posteriores. Jimi tenía el talento para hacer que eso funcionara para él. Su técnica era muy peculiar en el sentido de que tocaba una guitarra para diestros en estilo zurdo, al revés. Verlo y tratar de averiguar qué estaba haciendo fue muy abrumador”, subraya Gibbons.

De Hendrix para Gallagher y Gibbons (VI)

“Recuerdo terminar el set, al salir del escenario, estaba Jimi en las sombras, a un lado con los brazos cruzados. Pero él estaba sonriendo, y cuando pasé, me agarró y me dijo: 'Me agradas. Tienes mucho valor'”. Gibbons se encontró como un mentor en la guitarra que podría buscar durante su carrera.

De Hendrix para Gallagher y Gibbons (V)

El guitarrista de ZZ Top ha sido subestimada durante mucho tiempo como uno de los mejores músicos del rock and roll. Naturalmente, Gibbons estaba asombrado cuando conoció a Hendrix. En una entrevista con Express, Gibbons dijo: "Nos llevamos bien de una manera bastante inesperada".

Gibbons continúa describiendo cómo fue su primer encuentro con Hendrix, “nuestro contrato requería que tocáramos durante 45 minutos, y en ese momento, la única forma en que podíamos completar la gira era incluir dos números de Jimi Hendrix. Lo cual fue un poco arriesgado, debo decir”.

De Hendrix para Gallagher y Gibbons (IV)

El primero llegó durante The Mike Douglas Show cuando Hendrix se había convertido en el brindis de la ciudad. Douglas le preguntó a Hendrix: “¿Cómo fue ser el mejor guitarrista de rock del mundo?” Jimi respondió maravillosamente: “No sé, tendrás que preguntarle a Rory Gallagher”.

Solo por esa razón, fácilmente podría ser considerado el favorito de todos los tiempos de Jimi. Sin embargo, la mayoría cree que el título está reservado para otro guitarrista ardiente, Billy Gibbons.

De Hendrix para Gallagher y Gibbons (III)

Hay, sin embargo, algunos aspirantes al título de “mejor guitarrista” del mundo, así como al favorito de Hendrix. Por supuesto, el legendario grupo de Muddy Waters, Albert King y su tocayo, B.B., son todos considerados seriamente.

Naturalmente, también hay un buen argumento para que Eric Clapton sea uno de los grandes. Pero solo hay dos hombres a quienes Hendrix ha mandado elogios específicamente.

De Hendrix para Gallagher y Gibbons (II)

Cuando apareció en el programa de Dick Cavett, el presentador elogió al joven y afirmó que era el mejor guitarrista de todos los tiempos. Naturalmente, una sonrisa apareció en el rostro de Hendrix mientras llovían los elogios.

Sin embargo, pronto corrigió a Cavett cuando respondió: “El mejor sentado en esta silla, tal vez”. Parece que Hendrix tenía su propia visión de quién era el mejor guitarrista de todos los tiempos.

De Hendrix para Gallagher y Gibbons (I)

Aparte de algunos puristas del blues y quizá un puñado de espectadores que prefieren mantener sus nombres fuera de cualquier idea popular, el mundo está bastante de acuerdo en que Jimi Hendrix fue el mejor guitarrista que el mundo haya visto. Todos excepto el propio Hendrix, por supuesto.

El chavo del cartel de la contracultura, un bastión de la libre expresión y el talento de otro mundo, Hendrix nunca encontró demasiado consuelo en la bravuconería. Siempre estuvo mucho más interesado en el arte de tocar la guitarra que en la competencia.

Un genio ardiente: Rory Gallagher (XIII)

Gallagher pasó un tiempo como el ídolo de muchos de sus contemporáneos a lo largo de su carrera, pero fuera de Irlanda, Gallagher sigue siendo algo desconocido. Puede que descanse en paz como uno de los guitarristas menos valorados a lo largo de la historia de la música rock, pero eso no significa que no todos podamos apreciar el genio ardiente de Rory Gallagher.

Un genio ardiente: Rory Gallagher (XII)

Rory Gallagher no era solo un guitarrista y un simple músico, como probablemente le hubiera gustado pensar de sí mismo. Gallagher fue más que eso. Poseía un carácter de otro mundo que a menudo separa a los artistas excelentes del resto. Mick Rock, fotógrafo de rock que ha capturado algunas de las fotos más icónicas, dijo de Gallagher:

“En la universidad, estaba enamorado de los poetas románticos ingleses. Vi a Syd de esa manera y también lo vi en Rory. Era guapo, tenía una espesa mata de pelo y ese cierto espíritu arrogante en él. Era una persona muy fotogénica y carismática. No podrías tomar una mala foto de él”.

Un genio ardiente: Rory Gallagher (XI)

“No se trataba solo de la música, el grupo y su guitarra, todo eso; era su personalidad y su alma y era muy considerado y considerado con otras personas. Fue tan educado. Honestamente, era una persona maravillosa, sin importar sus talentos y habilidades, era un gran hombre”.

Un genio ardiente: Rory Gallagher (X)

Si bien Rory Gallagher nunca alcanzó una fama mundial como la que logró un guitarrista como Brian May, el ex guitarrista de Queen siempre estará en deuda con Gallagher por mostrarle cómo tocar el blues con electrizante energía.

Otro guitarrista que tiene un inmenso respeto por Gallagher es Alex Lifeson, de los canadienses Rush, quien había estado de gira con el guitarrista irlandés varias veces. Recordó cuando pasaban el rato y hablaban durante horas: “Él y yo hablamos de todo tipo de cosas, política, familia. Él es de Irlanda, las divisiones, las divisiones sectarias en Irlanda y mis antepasados ​​viniendo de Yugoslavia con el mismo algunos problemas allí: pasamos horas y horas hablando de ese tipo de cosas”.

Un genio ardiente: Rory Gallagher (IX)

El respeto que exigió a otros gigantes musicales es único. Brian May, guitarrista del grupo Queen, que veía a Taste actuar con regularidad en Londres, dijo sobre la agrupación:

“Solía ​​ir a ver a Rory allí todos los fines de semana, con la boca abierta, creo que por la forma en que tocaba y la persona que era y él, la forma en que interactuaba con su audiencia, la forma en que podía sujetar a la gente dando golpecitos con el pie o algo en sus dedos o lo que fuera que hiciera. Él era solo un mago y un animador. Curiosamente, se pensaría en sí mismo como un artista, es un hombre tan puro que se consideraba un músico”.

Un genio ardiente: Rory Gallagher (VIII)

Según el hermano de Gallagher, Donal, quien dirigió a Taste, dijo que el cineasta Murray Lerner le dio instrucciones a su equipo para filmar solo una o dos canciones de los grupos menos conocidos y guardar el resto del metraje para los nombres más importantes.

Estas instrucciones pronto cambiaron cuando Lerner vio lo que Taste le estaba haciendo a la audiencia y lo cautivados que estaban. En cambio, Lerner obtuvo más de una hora de imágenes de Taste y, quizá más importante, de Gallagher llorando como pocos podrían haber soñado.

Un genio ardiente: Rory Gallagher (VII)

Taste solo lanzó un par de producciones de estudio: Taste y On The Boards, los cuales demuestran de las impresionantes habilidades de Gallagher. Uno de sus conciertos más exitosos fue en la Isla de Wight, donde actuaron como teloneros de artistas como The Who, Leonard Cohen y Jimi Hendrix. La habilidad de Rory Gallagher para tocar la guitarra era suprema, pero otro talento suyo era capturar al público y mantener su atención.

Un genio ardiente: Rory Gallagher (VI)

No satisfecho con la forma en que se dirigían las cosas a principios de los 60 en su grupo, decidió dejar la agrupación e irse a Alemania para tocar en la escena de Hamburgo que, en ese momento, estaba bastante cargada de otros grupos británicos, como The Beatles y Mott the Hoople.

Después de Alemania, Gallagher regresó a Irlanda donde formó Taste en 1966, con Eric Kitteringham en el bajo y Norman Damery en la batería. Parecía como si Gallagher hubiera encontrado su vehículo.

Un genio ardiente: Rory Gallagher (V)

Desde su maltrecha Stratocaster hasta su estilo cotidiano y regular: todo se alimentaba de su imagen de ser un bluesman de clase trabajadora que nunca pretendió ser algo que no era. Su renuencia a nunca comprometerse y hacer todo, dentro y fuera del escenario, a su manera, a menudo impidió que Gallagher alcanzara el estrellato y la notoriedad completos.

Aunque pueda parecer el meollo de su lucha, su problema real vino con ser un perfeccionista y siempre buscar un sonido nuevo y mejorado.

Un genio ardiente: Rory Gallagher (IV)

Con su guitarra a su lado, estaba claro que Gallagher estaba destinado a hacer música para ganarse la vida, pero aún necesitaba un lugar para hacerlo. Gallagher encontró trabajo en el circuito de grupos de espectáculos irlandeses, ya que era la única opción inmediata para él tocar la guitarra eléctrica en vivo. 

Un genio ardiente: Rory Gallagher (III)

Entonces, ¿cuál es la historia de lucha de Rory Gallagher? Desde muy pequeño supo que quería ser guitarrista, más concretamente guitarrista eléctrico. Su madre, quien lo apoyó, ayudó a pagar una considerable suma de dinero en una Fender Stratocaster roja golpeada a la que Gallagher se aferró por el resto de su vida. De hecho, su fiel Fender sobrevivió a su dueño, cuando murió a la temprana edad de 47 años.

Un genio ardiente: Rory Gallagher (II)

Cuando se trata del sentimiento que reside en el corazón de una canción, Rory Gallagher, un guitarrista irlandés que nacido un 2 de marzo de 1948, creía de todo corazón en esta idea.

En una entrevista televisada cuando se le preguntó de dónde sacó el blues, Gallagher respondió: “No creo que te pongas el blues, es algo con lo que naces. Ese sentimiento o ese estado de ánimo que te da el blues. No creo que tenga que ser un enfoque purista o académico, simplemente lo sientes, quieres expresarte de una manera temperamental. No creo que sea algo estadounidense o europeo, simplemente hazlo”.

Un genio ardiente: Rory Gallagher (I)

Detrás de cada rockero, siempre hay una historia de lucha y rebelión. Ésta es la naturaleza misma del rock. No es solo un género; es una actitud, una filosofía de vida, que encarna a los músicos que canalizan la misma velocidad y agresión en su música que cargó a Chuck Berry y palpitó entre los dedos de Jimi Hendrix.

No hay mensaje o esencia en una canción de rock si ese compositor ha tenido un viaje fácil. No se trata solo del contenido lírico, sino que es un sentimiento que el oyente capta en una canción, a sabiendas o sin saberlo, es el corazón de la canción lo que hace que la gente se estremezca.

Punk Feminista (V)

“Debido a que las contribuciones de las mujeres a menudo se ocultan de su historia, cuando comenzó el movimiento “Riot Grrrl” en EU, esas mujeres prácticamente no sabían que sus hermanas del Reino Unido habían estado librando batallas paralelas dos décadas antes”, agregó.

“Pero los estadounidenses estaban mucho mejor financiados y organizados de lo que habíamos estado, dando bandazos a través de la tierra de nadie para hacernos oír. Pasó un tiempo antes de que Kurt Cobain tomara partido y Sonic Youth se uniera a The Slits”.

Punk Feminista (IV)

Las principales voces femeninas del género como Patti Smith, Debbie Harry, Bikini Kill han dejado su huella en la escena con una serie de temas referenciales. En una amplia exploración de las figuras femeninas prominentes del punk, Vivien Goldman escribió que “el punk liberó a las músicas”.

Punk Feminista (III)

Para Joe Strummer, el líder de The Clash una vez le dijo: “El punk rock está destinado a ser nuestra libertad. Estamos destinados a poder hacer lo que queremos hacer”.

A raíz del auge del punk a lo largo de la década de 1970 con agrupaciones como New York Dolls, Suicide, The Ramones y The Clash, el punk estaba desarrollando numerosos y amplios mensajes a través de su música.

El simple mensaje de que el antisistema ya no era la fuerza prominente, sino que los subtemas de esa consideración más amplia estaban ganando impulso.

Punk Feminista (II)

Tratando de definir la formación del punk, el baterista de los Ramones, Tommy Ramone, dijo una vez: “En su forma inicial, muchas cosas de la década de 1960 eran innovadoras y emocionantes. Desafortunadamente, lo que sucede es que las personas que no podían compararse con los de Hendrix empezaron a alejarse. Pronto tuviste interminables solos que no iban a ninguna parte. En 1973, supe que lo que se necesitaba era algo de rock 'n' roll puro, despojado, sin tonterías”.

Punk Feminista (I)

Desde que existe el punk, la música ha traído un mensaje, una filosofía y un espíritu para defender una determinada ideología que se dirigió directamente a quienes siguieron el movimiento.

Una expresión de inconformismo, una contracultura que se mueve activamente en contra de la norma de la sociedad dominante, el punk surgió como un acto de rebelión e individualismo a través de la música, la moda y el movimiento anti-establecimiento que arrasó con los sellos discográficos independientes, lugares de música y la industria de la música rock en su conjunto.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (XII)

La realidad de la canción “Supersonic” es que bien puede ser la canción favorita de los hermanos Gallagher, pero también es una de las de todo mundo. La canción representa el pistoletazo de salida de la revolución del “Britpop”.

Una vez que esta canción comenzó a hacerse un nombre para Oasis, el grupo solo estaba destinado a la cima. La agrupación es un equipo polarizador, se deshacen de sus admiradores tan rápido como los ganan por su alboroto machista del rock, y “Supersonic” es la tipificación de su inquebrantable  iconografía.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (XI)

El video también muestra a Oasis en la azotea interpretando la canción “Let It Be” (la guitarra de Johnny Marr también hace acto de presencia). Algunos admiradores señalan “My Sweet Lord”, de George Harrison, como una inspiración directa para la melodía de la canción.

The Beatles fueron una gran influencia en Oasis pero, en ese momento, el grupo volaba hacia adelante tan rápido que realmente no tenían tiempo para mirar atrás.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (X)

Noel Gallagher pudo haber tenido una determinada agrupación en mente al escribir la pista. The Beatles siempre han sido considerados una gran influencia en Oasis, y la canción hace referencia a ellos con la frase: “¿Puedo viajar contigo en tu BMW? Puedes navegar conmigo en mi submarino amarillo”. 

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (IX)

“Supersonic” sería el sencillo debut de Oasis, pero no estaba destinado a serlo. Bonehead recordó: “Estábamos grabando, 'Bring it on down' y, a mitad de la sesión, Noel desapareció de la sala de control.

Cuando salió, dijo: “Detén la sesión, he escrito una nueva canción”. En un par de horas habíamos terminado “Supersonic”. Ese es Noel para ti. Ponlo en una habitación durante 10 minutos y saldrá con un clásico”.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (VIII)

La pista se convirtió en un himno casi de la noche a la mañana. Si bien el programa de radio había visto las noticias de la agrupación filtrarse a través de los que lo sabían, se necesitaría una actuación típicamente libertina en el programa de televisión juvenil nocturno The Word, de Channel 4, para la canción y, a su vez, Oasis terminaría estableciéndose.

Paul ‘Bonehead’ Arthurs recordó en 2014: “Había muchos nervios. De mi parte. No estábamos imitando, tocábamos de verdad. Recuerdo preocuparme por qué camisa ponerme. Noel tenía una gran chamarra de cordón verde, que le pedí prestada. Cuando nos subimos, toqué el acorde de apertura de 'Supersonic' y estábamos bien”.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (VII)

Después de que le preguntaran sobre sus letras favoritas de todos los tiempos, respondió: “Necesito ser yo mismo, no puedo ser nadie más, me siento supersónico, dame gin-tonic”, en un tono no tan sutil, como referencia a la canción. No es de extrañar entonces que “Supersonic” se encuentre entre sus temas favoritos.

Hablando sobre la pista, Gallagher dijo: “Me gustan las palabras, me gustan las guitarras y todavía me parece una melodía extraña”, refirió en una entrevista. “No es como tu melodía normal de rock y todavía disfruto cantándola”.

“Supersonic” se convertiría en su sencillo debut característico y marcaría el comienzo de una carrera impresionante.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (VI)

Hay una manera fácil de saber que la canción está fuertemente influenciada por la cocaína que consumía Gallagher: la letra. Contiene una de las peores frases que jamás haya compartido el gripo. Curiosamente, la canción también sería una de las favoritas de Liam Gallagher, debido a esa extraña letra.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (V)

Gallagher agregó que sentía que las drogas realmente lo ayudaron a componer: “Por eso son tan buenas. Eso me enfada. Pienso: 'Tal vez debería volver a tomar drogas, y entonces sería brillante de nuevo'. Pero ese pensamiento dura menos de un segundo”.

El guitarrista incluso recordó específicamente haber escrito esta canción: “Recuerdo que me volví loco y fui a la trastienda y me puse el objetivo de escribir una canción en 10 minutos, eso fue 'Supersonic'”.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (IV)

Comportándose como estrellas de rock antes de que se convirtieran en eso, Noel Gallagher dijo una vez: “Antes de 1997, no había escrito una canción sin la ayuda del antiguo equipo de marcha colombiano (cocaína). No lo olvides, estaba drogado incluso antes de estar en un grupo. Los primeros tres álbumes se escribieron sobre drogas”.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (III)

Típico de su explosión espontánea al estrellato, Noel Gallagher dice que escribió “Supersonic” en solo un día. A juzgar por algunas de las letras sin sentido, esto bien puede ser cierto. La pista fue enormemente influenciada por las drogas que la agrupación consumía. 

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (II)

Tomado de su álbum debut, Definitely Maybe, “Supersonic”, como palabra, personifica las habilidades de caminar sobre el agua que el grupo poseía durante sus primeros años.

A medida que avanzan los singles de debut, no se vuelven mucho más enfáticos que “Supersonic”, que inmediatamente llamó la atención de la gente y, en doce meses, todo mundo sabía quién era Oasis. Eran superestrellas auténticas, lo supiera el mundo o no.

Inquebrantable iconografía: Oasis │“Supersonic” (I)

Descrita como la canción favorita de Oasis de todos los tiempos por parte de Liam Gallagher, “Supersonic” es una pista que ha tipificado todo lo que representaban los gobernantes mancunianos del Britpop.

Los hermanos en el centro del grupo bien pueden ofrecer puntos de vista polarizados, pero una cosa es segura: que l grupo exuda un espíritu de rock que se pensaba se había perdido en el tiempo.

La influencia de The Velvet Underground (VII)

“Moe” Tucker tocó su instrumento en posición vertical y su raro uso de platillos se sumó al floreciente sonido del zumbido de la agrupación. También era conocida por usar mazos en lugar de baquetas. Su interpretación influyó en muchos pioneros del sonido, incluidos Joy Division, The Jesus and Mary Chain, Sonic Youth y Talking Heads.

La influencia de The Velvet Underground (VI)

Tucker, la única mujer en el grupo, fue recibida al principio con desdén por parte de Cale, ya que la idea de tener una “mujer” en su gran grupo lo perturbaba. Sin embargo, Tucker pronto demostraría su valía y resultó ser tan influyente como sus compañeros masculinos. La forma en que tocaba la batería era muy poco convencional para la época.

La influencia de The Velvet Underground (V)

Después de un par de cambios en la formación y de luchar con el culto a la personalidad autoritario y artístico de MacLise, la iteración clásica del grupo se asentaría como el líder y guitarrista Reed, el multiintrsumentalista Cale, el guitarrista Sterling Morrison y la baterista Maureen “Moe” Tucker.

La influencia de The Velvet Underground (IV)

Finalmente se decidieron por el nombre The Velvet Underground en 1965. Fue tomado de la novela de Michael Leigh del mismo nombre que fue un éxito contemporáneo.

Además, el libro exploró la subcultura sexual clandestina de principios de la década de 1960, y después de mostrárselo, el miembro original Angus MacLise sugirió que la agrupación lo adoptara como su nombre. Al grupo le gustó, y pensó que era indicativo de “cine underground”. Y como dicen, el resto era historia…

La influencia de The Velvet Underground (III)

Cuando el legendario líder Lou Reed conoció al galés John Cale a fines de 1964, comenzaron a hacer música juntos después de descubrir varios intereses compartidos. En conjunto, utilizaron guitarras desafinadas y técnicas experimentales que Cale había aprendido bajo la tutela de los compositores John Cage, La Monte Young y Cornelius Cardew.

La influencia de The Velvet Underground (II)

Sin embargo, los álbumes antes mencionados darían forma al mundo de la música, la moda y el arte para las generaciones venideras. Mediante la combinación de nihilismo, vanguardia y temas provocativos, se consolidarían como los antepasados ​​de casi todos los artistas musicales influyentes por venir.

La influencia de The Velvet Underground (I)

The Velvet Underground es una de las agrupaciones más influyentes de todos los tiempos. Desde sus inicios en Nueva York en 1964, la versión clásica de la agrupación lanzaría tan solo cuatro álbumes: The Velvet Underground & Nico (1967), White Light/White Heat (1968), The Velvet Underground (1969) y Loaded, en 1970.

Casi un himnario: 'The Killing Moon' (VIII)

“Siempre he dicho que 'The Killing Moon' es la mejor canción jamás escrita. Estoy seguro de que Paul Simon tendría derecho a decir lo mismo sobre 'Bridge Over Troubled Water', pero para mí 'The Killing Moon' es más que una simple canción. Es un salmo, casi un himnario”.

 —  Ian McCulloch

Como dice Ian McCulloch: “se trata de todo”, y realmente no puede ser más accesible que eso. 

Casi un himnario: 'The Killing Moon' (VII)

La belleza de “The Killing Moon”, al igual que muchas otras grandes canciones, tiene un atractivo universal. La abstracta letra puede parecer impenetrable a simple vista, pero, tras una inspección más cercana, ofrece un momento de reflexión para quien las oye. Un momento para hacer balance y perderse en la belleza del vacío que presenta el grupo.

Casi un himnario: 'The Killing Moon' (VI)

La canción también se usó magníficamente en Donnie Darko, recordó Sergeant: “Recibimos un correo electrónico que decía que este tipo quería usar la canción en una película, Donnie Darko, que no pensamos que iría a ninguna parte, así que acepté un regalo único”.

Luego, cuando el director hizo el corte del director, reemplazó “The Killing Moon” por “Never tear us apart”, de INXS.

Casi un himnario: 'The Killing Moon' (VI)

Por su parte, Will Sergeant reflexionó sobre cómo escuchar a los grupos de balalaika rusas con jóvenes comunistas afectaba el sonido de la canción. También reveló cómo se le ocurrió el riff característico:

“Durante la grabación, fuimos a tomar un curry a la vuelta de la esquina, y cuando regresamos, el productor había encontrado esta cosa vibrante en la cinta que había hecho afinando la guitarra. Insistió en que se incluyera en la canción. Se convirtió en la línea de guitarras más conocida de todo nuestro catálogo”.

Casi un himnario: 'The Killing Moon' (V)

El grupo comenzó a grabar la canción en Bath, pero terminó en Liverpool después de una noche particularmente pesada: “Llegué a casa alrededor de las 9 am, un poco peor por el desgaste, y Lorraine estaba enojada conmigo por estar fuera toda la noche. Le puse la canción y le dije: 'Eso es lo que hemos estado haciendo', y ella lloró”.

Casi un himnario: 'The Killing Moon' (IV)

“Es por eso que siempre le he atribuido la mitad de la letra a Dios. Nunca ha sucedido antes ni después. Me levanté y comencé a trabajar los acordes. Toqué "Space Oddity" de David Bowie y luego comencé a jugar con los acordes. Cuando terminé, no sonaba nada como 'Space Oddity'”.

Casi un himnario: 'The Killing Moon' (III)

Como muchas grandes pistas, la canción llegó a McCulloch como una epifanía conmovedora de magníficas proporciones. “Me encanta aún más porque no la estudié minuciosamente durante días y días”, recordó McCulloch.

“Una mañana, me senté muy erguido en la cama con esta línea en mi cabeza: 'Destino en contra de tu voluntad. A través de lo bueno y lo malo. Él esperará hasta que te entregues a él'. No sueñas cosas así y las recuerdas.

Casi un himnario: 'The Killing Moon' (II)

Grabado en Crescent Studio en Bath, Echo & The Bunnymen establecieron posiblemente uno de los grandes himnos post-punk de todos los tiempos.

Si bien muchos han intentado definir el sonido de la canción y el significado detrás de la letra, la verdad es que, según su creador McCulloch, “se trata de todo, desde el nacimiento hasta la muerte y la eternidad y Dios, sea lo que sea, y la eterna batalla entre el destino y la voluntad humana. Contiene la respuesta al significado de la vida. Es mi 'Ser o no ser'”.

Casi un himnario: 'The Killing Moon' (I)

Lanzada el 20 de enero de 1984, la obra maestra post-punk de Echo & The Bunnymen 'The Killing Moon' de su disco seminal Ocean Rain a menudo se ha puesto bajo el microscopio en un intento desesperado por discernir la compleja y desconcertante letra.

Es una pista que se ha infiltrado en generaciones enteras con su tono solitario y algo morboso pero, a pesar de la adoración tan generalizada por la pista, sigue siendo un tema que desafía la definición.

Monterey │ The Byrds │“Chimes of Freedom” (VII)

La canción apareció en su álbum debut, que recibió el nombre apropiado de su versión más famosa de Dylan y el sencillo principal “Mr Tambourine Man”. Sin embargo, el tema “Chimes of Freedom”, a pesar de no ser lanzado como single, terminó convirtiéndose en un incondicional de los sets en vivo de The Byrds hasta su separación inicial en 1973.

Monterey │ The Byrds │“Chimes of Freedom” (VI)

A pesar de hablar en una serie de áreas prohibidas mientras estaba en el escenario, Crosby estaba en buena forma cuando interpretó sus canciones en lugar de despotricar, con la versión de “Chimes of Freedom” de Bob Dylan como un brillante ejemplo del enorme talento de The Byrds.

Monterey │ The Byrds │“Chimes of Freedom” (V)

Crosby pudo haber tenido un gran apoyo entre la multitud amante de la libertad, pero mostró un desprecio considerable por sus compañeros de agrupación. Después de su set, luego tocó con el grupo rival, Buffalo Springfield, en Monterey, reemplazando al ex miembro Neil Young, a quien vincularía en un futuro no muy lejano.

Monterey │ The Byrds │“Chimes of Freedom” (IV)

El set de The Byrds, por su parte, fue uno de los espectáculos más importantes de su carrera de David Crosby, ya que sus payasadas en el escenario en el escenario más grande finalmente jugaron un papel en su salida del grupo poco después.

Crosby, para irritación de sus compañeros de grupo, decidió dar largos discursos entre canciones sobre una extraña variedad de temas.

Los interludios un tanto divagantes actuaron como banderas rojas para el grupo mientras hablaba en el escenario sobre el asesinato de JFK y los beneficios de dar LSD a “todos los estadistas y políticos del mundo”.

Monterey │ The Byrds │“Chimes of Freedom” (III)

El Monterey Pop Festival vería a una variedad de algunos de los mejores músicos que el mundo haya conocido, dada su primera prueba de fama a gran escala y una audiencia que la empequeñeció.

The Who cruzaría el charco con su actuación en el evento. Jimi Hendrix también ganaría la notoriedad que se merecía. Ravi Shankar también se beneficiaría de la mayor exposición estadounidense.

Monterey │ The Byrds │“Chimes of Freedom” (II)

Si hubo un festival que ha engendrado el nacimiento de los artistas más increíbles, ese es el Monterey Pop Festival. El famoso evento vio la presentación de la imparable Janis Joplin como la protagonista de Big Brother and the Holding Company y, con ella, su ardiente interpretación vocal, la voz de su generación, finalmente obtuvo el escenario que se merecía. Joplin fue una de las muchas estrellas descubiertas ese día.

Monterey │ The Byrds │“Chimes of Freedom” (I)

El Monterey Pop Festival de 1967 fue uno de los primeros festivales que se llevó a cabo en un formato similar al que conocemos hoy. La fiesta fue icónica por una plétora de razones diferentes, pero algo que a menudo, injustamente, se pasa por alto es la clase magistral de The Byrds.

Fue una actuación que los vio deleitar a la audiencia y reunir a gran cantidad de sus admiradores, particularmente con su hermosa versión de “Chimes of Freedom”, de Bob Dylan.

Humano y desnudo: “Menlove Ave” (VI)

Sorprendentemente, el álbum casi pasa sin dejar rastro y desde entonces se ha agotado. Pero aquellos que solo tienen que tener todo lo que John Lennon grabó seguramente aprobarán Menlove Ave.

Humano y desnudo: “Menlove Ave” (V)

Dando la vuelta al álbum, obtenemos tomas crudas de cinco canciones de Walls and Bridges, oscuramente emocionales. El blues “Nobody loves you (When you're down and out)”, la expresiva desesperación de “Scared” y el erizado tema “Steel and Glass” hacen la nota, mientras que a Lennon se le une su amigo, el cantautor Harry Nilsson, en “Old Dirt Road”. El set se cierra con “Bless You”, una conmovedora y frágil balada.

Humano y desnudo: “Menlove Ave” (IV)

Marcado por un tenor de boogie brillante, “Rock and Roll People” nunca apareció en ninguno de los discos de Lennon, pero fue ofrecido al guitarrista Johnny Winter, cuya abrasadora versión se puede escuchar en su álbum John Dawson Winter III.

Su interpretación de “My Baby Left Me”, de Arthur Crudup, llamada “Since My Baby Left Me” en Menlove Ave, tiene una vibra como para cantar alrededor de una fogata.

Humano y desnudo: “Menlove Ave” (III)

La primera cara de la colección se centra en el material de Rock 'n' Roll, trabajado en conjunto con el productor Phil Spector. Vestido con ropa cuasi-psicodélica, está el remolino etéreo de “Here we go again”, junto con una versión de la dulce “Angel Baby”, un éxito de 1961 para Rosie and the Originals.

Humano y desnudo: “Menlove Ave” (II)

Lanzado el 3 de noviembre de 1986, unos seis años después de que John Lennon fuera trágicamente asesinado, Menlove Ave es una producción que contiene demos sin adornos y otros temas diversas cortadas durante las sesiones de mediados de los años 70 para los álbumes Walls and Bridges y Rock ‘n’ Roll.

Humano y desnudo: “Menlove Ave” (I)

Tomando su título de la calle en la que vivió la ex estrella de The Beatles cuando era joven, Menlove Ave (Capitol Records) puede no representar al hombre brillante en sus momentos más inspiradores, pero aún posa para ser una instantánea por demás agradable.

Lennon siempre prefirió la música cruda y natural, y estas piezas ciertamente lo capturan en un elemento completamente humano y desnudo.

Grace Slick: la reina del ácido (XXII)

Y quizá la máxima aquiescencia de los años sesenta a un futuro simplista y el paradigma definitorio de su vida alegórica es el mareo comercial de “We Built This City”. Una pista que resalta irónicamente que el imperio de los años sesenta había regresado a la arena y desaparecido de la mano de Slick y otros que una vez lo sostuvieron en alto tan gloriosamente que casi parece tan legendario como la vida de Slick en retrospectiva.

Afortunadamente, todavía tenemos buenos triunfos de época de Surrealistic Pillow para demostrar que todo esto realmente sucedió.

Grace Slick: la reina del ácido (XXI)

Slick sucumbiría a estas fuerzas como muchas otras. Apareció en la portada de la revista Teenset con el subtítulo de “Grace Slick y Jimi Hendrix sobre ser negros”. A partir de entonces, terminó en un enfrentamiento armado con la policía después de que fueron llamados a su propiedad tras recibir informes de que “una mujer ebria estaba disparando una escopeta en la casa”. Se produjo un enfrentamiento armado, pero afortunadamente, el arma fue retirada sin víctimas.

Grace Slick: la reina del ácido (XX)

Joni Mitchell dijo alguna vez: “En la década de 1970 viste cómo esa cosa hippie descendía a la depresión por las drogas. Inmediatamente después de Woodstock, pasamos por una década de apatía en la que mi generación se chupó el pulgar y luego decidió ser codiciosa y pornográfica”.

Lo que siguió al punto culminante de El “Verano del Amor” para Slick fue una sombría caída. Los nuevos ideales surgidos del envalentonado poder del sexo, las drogas y el rock pronto se vieron empequeñecidos bajo la llamativa superficie de esa impía trinidad.

Grace Slick: la reina del ácido (XIX)

Y fallarían, lo harían. El glorioso crescendo de completar de “White Rabbit” es la alegoría perfecta para la época, que aceleró a 100 mph con un viento de cola de progreso y esperanza hacia un semáforo en rojo. Era un torbellino de belleza, que se tambaleaba en la línea entre una obertura trágica y una diversión extática, sonaba glorioso y si el primer verso de “Somebody to Love” (“Cuando se descubre que la verdad son mentiras / Y toda la alegría dentro de ti muere / ¿No quieres a alguien a quien amar?”)

Esa vibrante acumulación pronosticó el delirio de Alice que se avecinaba.

Grace Slick: la reina del ácido (XVIII)

Esta fue una generación criada en la desesperación de la guerra, o al menos en la era depresiva del racionamiento que siguió. Ahí reside el corazón de todos los movimientos de los años 60, ya sean los Beatniks o las Black Panthers: una determinación singular de marchar al ritmo de un tambor diferente y renunciar a esto casi desafiando a sus antepasados.

Si los niños del “Verano del Amor” iban a fracasar, lo harían en sus propios términos, no en los banales establecidos por las generaciones anteriores.

Grace Slick: la reina del ácido (XVII)

Hasta el “Verano del Amor”, los años sesenta habían viajado al precipicio, como explicó Grace Slick, estaba lista para saltar por la madriguera del conejo, las pastillas viejas estaban fuera y las nuevas estaban dentro: “Me identifiqué con Alicia en el país de las maravillas. Pasé de los planeados y anodinos años 50 al mundo de estar en un grupo de rock sin mirar atrás. Fue mi momento de Alice, dirigiéndome hacia el agujero”.

Lo mismo puede decirse de todos los que se deleitaron con la música que produjeron los grupos. Los colores caleidoscópicos del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band pasaron a primer plano cuando la tecnología se puso al día y todo resultó rápidamente inflexible. Slick les dio la bienvenida a su trabajo.

Grace Slick: la reina del ácido (XVI)

1967 fue el “Verano del Amor”, pero también podría llamarse el verano de Slick. Fue un verano en el que “White Rabbit” pondría el soundtrack, y un evento cultural del que el mundo todavía está traqueteando, ya que la proclamación de Bob Dylan de que los tiempos estaban cambiando y los que se quedaron atrás no deberían criticar lo que no pueden entender, finalmente se hizo realidad. . Ese verano, la contracultura anunció que no era una moda de nicho, sino una fuerza subversiva.

El problema era que estaba respaldado por una caída en picada de hedonismo imposible de sostener, pero en este punto, la canción aún no había alcanzado su punto máximo de “arrojar la radio al baño”. Todavía estaba en su vorágine desafiante a la autoridad de un ocho medio.

Grace Slick: la reina del ácido (XV)

Fue un fracaso, al igual que “Somebody to Love”, una canción que contiene una pizca del significado de la vida misma. Todo el mundo estaba en un grupo y todo el mundo era bueno en eso, así que, ¿qué posibilidades tenía el sentido adrenalínico de la vida de hacerse oír entre la multitud? The Great Society no logró escapar del Área de la Bahía.

Pero pronto, Jefferson Airplane estaba buscando un nuevo cantante. Y vaya si no fuera la ironía de su “forma profesional” lo que atrajo a Slick a unirse. La década de los años sesenta estaba moviéndose, pero seguía siendo un negocio, y “The Airplane” tenía la estructura para llevar las canciones de Slick a lo más alto.

Grace Slick: la reina del ácido (XIV)

La canción puede parecer como si hubiera salido completamente formada, como si hubiera sido formada en el estudio en una violenta erupción de sonido, pero la verdad es que tardó mucho en hacerse. Slick había “dejado caer un poco de ácido” en su apartamento de California cuando dejó caer la aguja en las oscuras profundidades del disco Sketches of Spain, de Miles Davis.

“Me taladró la cabeza”, explicó Slick mientras se sentaba escuchando su cuerno inquietante “durante horas y horas”, y luego “salió” a chorros de varias maneras mientras escribía 'White Rabbit'”.

Grace Slick: la reina del ácido (XIII)

Grace se unió a un grupo. The Great Society estaba formada por Grace y Jerry Slick, el hermano de Jerry, Darby y David Milner. Comenzó a escribir canciones, una de las cuales fue “White Rabbit”. “Siempre me sentí como una buena maestra de escuela cantando 'White Rabbit'”, dijo alguna ocasión Slick.

“Canté las palabras de manera lenta y precisa, para que la gente que necesitara escucharlas no se perdiera el punto. Pero lo hicieron”. No hay duda de que su interpretación vocal casi inigualable, similar a un encantamiento cantado, fue un intento de transmitir un mensaje, aunque fuera de locura surrealista.

La ardiente interpretación de Slick podría acechar una casa vacía. Mientras agita las vigas de las nubes de tormenta, son las palabras que emanan de ella las que cuentan la historia de los años sesenta y la melodía acelerada que profetizó su inevitable desaparición.

Grace Slick: la reina del ácido (XII)

Todo culminó en Bob Dylan. Se montó en la ola de la “introspección beat”, la actitud deslumbrante de Elvis, la marea creciente del rock 'n' roll, miró con furia la extrema hipocresía de la sociedad y la extendió sobre un álbum poético y despreocupado.

Por lo tanto, cuando Slick, quien ya era tentativamente bohemia, se llenó la cabeza de ácido y decidió que tampoco aceptaría una mierda por su viaje, se sentó en un bar en la nueva capital gay de EU, San Francisco, y vio a un grupo llamada Jefferson Airplane tocar en vivo.

Vio su futuro a través de un oráculo sónico. Era un futuro que definiría perfectamente la década de 1960 como si ella misma fuera una alegoría viviente.

Grace Slick: la reina del ácido (XI)

Sin embargo, el insaciable apetito por las primeras estrellas de rock comerciales hizo que los LP, que se inventaron por primera vez en 1948, ganaran popularidad. Intercambiar discos de 45 estaba muy bien, pero nadie quería escuchar la misma canción mil veces antes de la escuela a la mañana siguiente, querían disfrutar de toda su obra de un solo golpe.

Todo esto se fue desplegando gradualmente ante Slick, quien fue testigo de todo desde la visión transitoria del automóvil de su padre y las dispersas casas del vecindario. Ella observaba con atención, pero tentativamente, como una forastera que viajaba. Grace tenía el dedo en el pulso cultural.

Grace Slick: la reina del ácido (X)

Entonces, el genio del jazz Enoch Light, encontró una manera brillante de canalizar el embriagador zeitgeist de Greenwich Village en las salas: inventó el sonido estéreo. Estos discos estaban cambiando el mundo.

Menos de cien años después de que los nombres más importantes de la música permanecieran exclusivos en las grandes salas de conciertos, las canciones ahora estaban disponibles para todos. Los viejos 78 RPM habían infundido a la música todo tipo de influencias eclécticas y, ahora, los 45 RPM la empujaban hacia la cultura juvenil del rock 'n' roll.

Grace Slick: la reina del ácido (IX)

Con este tipo de material en la mayoría de las estanterías, los ritmos se volvieron todavía más audaces. A la vanguardia de esta liberación estaba Greenwich Village.

A principios de la década de 1960, “el pueblo” fue el centro de la contracultura. Las calles estaban inundadas de trovadores folclóricos con copias de libros de Jack Kerouac sobre la privación de derechos de los estadounidenses mientras el arte, la cultura y la conversación convertían la industria en el pilar de la sociedad.

Grace Slick: la reina del ácido (VIII)

Mientras tanto, en el mundo literario, Peyton Place de Grace Metalious se convirtió en el superventas súper que llevó la liberación sexual a las salas de las masas.

Por primera vez el movimiento parecía estar escapando de las garras de subculturas de nicho y comenzando a sembrar en la sociedad en general y cuando eso sucede, invariablemente el demimonde se desplaza más hacia los márgenes mientras simultáneamente los elementos menos atrevidos del movimiento liberador se aceptan y se ven envueltos en el mainstream.

Grace Slick: la reina del ácido (VII)

La música era el medio para dar a conocer su punto de vista. Esta era una verdad que había estado germinando en el mundo de la cultura en fusión desde la juventud de Slick, cuando se sumergió por primera vez en tocar la guitarra.

En 1956, Elvis Presley había hecho girar el mundo hacia la luz hasta tal punto que, tras su actuación en The Ed Sullivan Show, CBS promulgó el decreto de que, en lo sucesivo, solo se le filmaría de cintura para arriba.

Grace Slick: la reina del ácido (VI)

El creciente uso de psicotrópicos, sin embargo, fue recibido con desdén, juicio y condena extrema (fuera de la CIA). En lo que respecta a Grace Slick, esto era una auténtica hipocresía. Lo que es más, no fue solo una hipocresía absoluta lo que iluminó una política de drogas divergente, fue el tipo que arrojó luz sobre todo el status quo congestionado de señalar con los dedos y Grace Slick no lo permitiría.

Grace Slick: la reina del ácido (V)

Esta locura de las anfetaminas estimulantes y las pastillas en abundancia ni siquiera se veía como drogas, al menos no en el sentido narcótico. Eran simplemente el milagro moderno del progreso continuo de las medicinas occidentales.

Si la idiotez y el odio sumergieron a la sociedad en los horrores depravados de la guerra, entonces la tecnología, el progreso y las píldoras los sacarían de ahí.

Grace Slick: la reina del ácido (IV)

Si bien la guerra de Vietnam pudo haber robado los titulares, la narrativa retrospectiva de los años sesenta se puede definir con dos palabras: swinging y drogas. Lejos del hedonismo psicotrópico percibido, la era estaba inundada de todo tipo de productos farmacéuticos.

Los “Corazones Púrpura”, por ejemplo, eran píldoras que eran una forma de Benzedrina que se había utilizado para animar a los soldados en la Segunda Guerra Mundial, y la gente comenzó a tomarlas como si fueran dulces.

Grace Slick: la reina del ácido (III)

Dos años después de su matrimonio, la patente del LSD expiró. A partir de entonces, hubo un período de tres años en el que el ácido fue legal. Esto resultó ser un gran problema para Grace Slick.

Desde ese momento, su vida y todo el movimiento de la contracultura se aceleraron, lanzándose a paso de correcaminos hacia algún futuro desconocido.

Grace Slick: la reina del ácido (II)

El 26 de agosto de 1961, a la edad de 21 años, se convirtió en Grace Slick cuando se casó con un aspirante a cineasta llamado Jerry. Las cosas iban bien en el agradable matrimonio de Grace y Jerry.

Estaban disfrutando de la cultura pop que crecía lentamente y tramando su camino en el mundo, conscientes de no sucumbir a las trampas de sus antepasados, pero sin desarrollar todavía una actitud punk total.

Grace Slick: la reina del ácido (I)

Grace Wing nació en Highland Park, Illinois, en Chicago, pero dejaría su huella al otro lado de la gran extensión de EU. Su padre trabajaba en la industria de la banca de inversión y paseaba a la familia por EU en busca de ganancias.

Para cuando Slick estaba en su adolescencia, los jóvenes estadounidenses caminaban por el continente por razones que no estaban claras ni siquiera para ellos mismos. La “Generación Beat” y más notablemente On The Road, de Jack Kerouac, habían inspirado un inicio generacional de pasión por los viajes.

El zeitgeist estaba cambiando y el mundo se volvió mucho más bohemio, un lugar digno de alguien como Grace. Es decir, no había absolutamente ninguna forma de que siguiera a su padre en las finanzas.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XXVII)

Incluso uno de los ídolos de Green, el gran B.B. King comentó: “Tiene el tono más dulce que jamás haya escuchado; él fue el único que me dio los sudores fríos”. Este gran elogio también está respaldado por el ex líder del grupo, John Mayall, quien afirmó que Green era “mejor” que Clapton: “Peter en su mejor momento, en los años 60, no tenía igual”.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XXVI)

Es un testimonio más de su persona que su desenfrenado talento musical tuvo un impacto tan masivo en los futuros pesos pesados ​​de la industria. Estos incluyen a Mark Knopfler de Dire Straits, Noel Gallagher de Oasis, Colin Greenwood de Radiohead y Joe Perry de Aerosmith, por nombrar solo algunos.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XXV)

Lamentablemente, Peter Green murió el 25 de julio de 2020, pero nadie lo olvidará. En última instancia, su era de Fleetwood Mac duró solo tres años, involucrando drogas y enfermedades mentales, con Kirwan y Spencer también sucumbiendo.

Es una historia indicativa de la época. Por triste que fuera, la historia personal del Fleetwood Mac de Green terminó heroicamente en la hora de las brujas de un club de Los Ángeles, ayudando a sus viejos amigos.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XXIV)

En 1988 dijo: “Actualmente me estoy recuperando de un tratamiento por consumo de drogas. Fueron las drogas las que me influyeron mucho. Tomé más de lo que pretendía. Tomé LSD ocho o nueve veces. El efecto de esas cosas dura tanto... Quería regalar todo mi dinero... Fui un poco santo, no, no santo, religioso. Pensé que podía hacerlo, pensé que estaba bien con las drogas. ¡Fue mi culpa!”

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XXIII)

El siguiente capítulo de Fleetwood Mac, la era de Buckingham-Nicks, sería aquel en el que alcanzaron el estrellato real; sin embargo, esto no estuvo exento de turbulencias.

Posteriormente, Green fue finalmente diagnosticado con esquizofrenia y pasó un tiempo en el hospital a mediados de los años 70, recibiendo terapia electroconvulsiva y entrando en un estado de trance tenue. Terminó regalando todo su dinero, supuestamente vivió una vida sin hogar en el oeste de Londres durante un tiempo y luego se instaló con su hermano mayor en Great Yarmouth en los años 80, donde comenzó su proceso de recuperación.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XXIII)

En lo que ahora se considera como la marca registrada Green, su concierto show con Fleetwood Mac que formó incluyó una versión de cuatro horas de su primer éxito “Black Magic Woman”.

El Mac “tomó el lugar por asalto” y, según el promotor Bill Graham, casi se produjo un motín cuando intentó terminar el programa a la medianoche; el programa finalmente terminó a las cuatro de la mañana cuando Green se quedó sin ideas.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XXII)

Spencer también había comenzado a luchar con problemas de salud mental y había dejado al grupo para unirse al infame culto cristiano, The Children of God, después de conocer a dos de sus miembros en la calle.

Green voló inmediatamente a EU y, después de un ensayo de 30 minutos, se embarcaron en la gira, que consistió en gran parte en improvisaciones. El set del grupo era tan fluido que tenían miedo de subir al escenario todas las noches, ya que ninguno de ellos sabía realmente cuál era el plan. Irónicamente, sin embargo, la gira fue un éxito, los llamaban todas las noches y, según Fleetwood, fue la gira más lucrativa que jamás habían hecho.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XXI)

En un extraordinario intercambio de destinos, Green regresó a Fleetwood Mac por un período de seis semanas. Fue llamado al grupo, que estaba en una situación desesperada después de que el guitarrista Jeremy Spencer abandonara la agrupación en 1971, antes de una presentación con entradas agotadas en el prestigioso Whiskey A Go-Go de Los Ángeles.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XX)

Su salida coincidió con su último sencillo con Fleetwood Mac, “The Green Manalishi”, alcanzando el número diez en la lista de Reino Unido. Reflejando la gravedad de su enfermedad mental en desarrollo, había escrito la canción después de despertar de una pesadilla a raíz de la fiesta de la comuna. El tono de la fiesta claramente lo afectó. El “Green Manalishi”, afirmó, era una metáfora del dinero: “El Green Manalishi es el fajo de billetes, el diablo es verde y me perseguía”.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XIX)

También le dijo a Jeremy Spencer en el auto en ese momento: “Esa es la música más espiritual que he grabado en mi vida”. Fue con esta declaración que el grupo supo que el final de Peter Green y Fleetwood Mac estaba cerca.

Mirando hacia atrás en esa fatídica noche, el entonces manager Clifford David también afirma que esta fue la noche en la que tanto Green como Kirwan se volvieron “gravemente enfermos mentales”.

Después de esa noche, y con todo lo que sucedía internamente, Green se había desilusionado tanto con lo que veía como las limitaciones del grupo, que después de una actuación en mayo de 1970, decidió irse.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XVIII)

Uno de los roadies del grupo, Dennis Keane, recuerda que su mal viaje disminuyó y tomó medidas para sacar al grupo de la fiesta y regresar a su hotel.

Por el contrario, Green dijo que tenía buenos recuerdos de la comuna: “Tuve una buena obra allí, fue genial, alguien la grabó, me dieron una cinta. Había gente jugando, algunos de nosotros simplemente bromeando y fue... sí, fue genial”.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XVII)

En un documental de la BBC de 2009 sobre Green, los otros miembros del grupo y el equipo describen la fiesta con un ambiente insidioso, donde todos tuvieron malos viajes. Green estuvo apartado de ellos toda la noche y estuvo en otra habitación tocando música extraña y terrible con los miembros de la comuna.

En el documental, Fleetwood, McVie y Spencer parecen inferir que esta comuna era más una secta, un grupo que estaba particularmente preocupado por Green y su dinero.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XVI)

Se alega que la pareja eran Rainer Langhans y Uschi Obermaier, miembros destacados de la acaudalada Highfisch-Kommune. Esa noche, los miembros del grupo fueron a una fiesta en la comuna, en una mansión en el campo bávaro. La casa tenía “cosas raras en todas las habitaciones”, paredes psicodélicas y, según Fleetwood, mucho “dinero volando”.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XV)

En 1970, Fleetwood Mac estaba de gira por Europa, y tan pronto como el grupo llegó al aeropuerto de Munich, Green fue recogido por un par de misteriosos hippies alemanes. Se dice que el hombre se parecía a John Lennon, con lentes similares y una capa negra, y según Jeremy Spencer, la mujer era tan atractiva que podría haber sido una estrella de cine o modelo.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XIV)

Una historia tan antigua como el rock and roll, la tensión y el consumo de drogas finalmente se apoderaron del grupo. En lo que ahora es un momento legendario en la carrera de la agrupación, el "último clavo en el ataúd" de Fleetwood Mac de Peter Green, según Mick Fleetwood, fue el “Incidente de la fiesta del LSD en Munich”.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XIII)

El líder también se preocupó por acumular riqueza, y Fleetwood recuerda: “Tuve conversaciones con Peter Green en esa época, y él estaba obsesionado con que no ganáramos dinero, quería que lo regalamos todo. Y yo decía: 'Bueno, puedes hacerlo, no quiero hacer eso, y eso no me convierte en una mala persona'”.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XII)

Sin embargo, es interesante notar que los estados mentales de Green y Kirwan comenzaron a cambiar visiblemente después del lanzamiento del single de 1969, “Man of the World”. Ambos estaban tomando grandes dosis de LSD, y Green había adoptado una forma de budismo influenciada por el cristianismo: Green comenzó a usar túnicas blancas y un crucifijo alrededor del cuello.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (XI)

La naturaleza desinteresada de Peter Green permitió a los entonces miembros de Fleetwood Mac prosperar musicalmente, y sin él, no serían el grupo que hoy conocemos. Esto es cierto, independientemente de cómo se sintiera el tercer guitarrista Danny Kirwan; se había unido a los dieciocho años, en 1968, y no se relacionaba personalmente con Peter Green.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (X)

En diciembre, las cosas habían cambiado. Al comienzo de una gira de 30 fechas en Nueva York, el grupo finalmente sucumbió a los productos omnipresentes de Stanley. Este fue el comienzo del fin para Fleetwood Mac de Peter Green, incluido Jeremy Spencer.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (IX)

Fleetwood Mac lanzó su segundo álbum, Mr Wonderful, en agosto de 1968 y realizó la primera de muchas giras estadounidenses.

En una anécdota de la época, salieron con The Grateful Dead en San Francisco y les ofrecieron LSD, entre otras cosas, el ahora legendario proveedor de psicodélicos de los Dead, Owsley Stanley.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (VIII)

Esta segunda versión del grupo tendría éxitos con las composiciones de Green de “Black Magic Woman”, “Albatross”, “Man of the World”, “Oh Well” y “The Green Manalishi”. Siguen siendo los favoritos de los admiradores del grupo, apreciados particularmente entre los puristas de Mac.

Junto a estos éxitos llegó el reconocimiento internacional y, por supuesto, el exceso.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (VII)

Brunning solo tocaría en un puñado de presentaciones con la nueva agrupación, y esta primera iteración de muchos debutaría en vivo el 13 de agosto de 1967 en el Windsor Jazz and Blues Festival como 'Peter Green's Fleetwood Mac, también con Jeremy Spencer'.

En unas pocas semanas, John McVie acordó unirse a la agrupación en lo que ahora es un cambio de formación legendario.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (VI)

Mientras tanto, olvidándose de McVie, el dúo contrató al guitarrista de slide Jeremy Spencer y al bajista Bob Brunning; Brunning se unió al grupo con la condición de que si McVie aceptaba unirse, se iría.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (V)

Después de esta breve sesión de grabación, Green le propuso a Fleetwood que formaran una nueva agrupación. La pareja buscó a McVie como bajista e intentó atraerlo usando el nombre Fleetwood Mac. Como era de esperar, en lugar de arriesgarse con un nuevo grupo, McVie optó por mantener sus ingresos estables y se negó.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (IV)

Mayall le había regalado a Green algo de tiempo libre para grabar, por lo que él, Fleetwood y McVie grabaron cinco canciones.

El quinto tema fue un instrumental llamado “Fleetwood Mac”, en honor a la sección instrumental de The Bluesbreakers, “Mac”, que es la abreviatura de McVie.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (III)

La larga historia de Fleetwood Mac comenzaría cuando el baterista de The Bluesbreakers, Aynsley Dunbar, dejó al grupo para unirse al nuevo Jeff Beck Group, una agrupación que se convertiría en legendaria en sí misma.

Sin un baterista, Green sugirió que Fleetwood se uniera, y Mayall estuvo de acuerdo. La formación de The Bluesbreakers estaba formada por Green, Fleetwood, Mayall y el bajista John McVie.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (II)

Además de esto, Green tocaba la guitarra en John Mayall and The Bluesbreakers, una agrupación icónica que ha presentado a algunos de los mejores músicos de Gran Bretaña; se había unido para reemplazar nada menos que al propio Eric Clapton, quien, para entonces, se había convertido en una superestrella con Cream, y Green quería replicar eso por sí mismo.

Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac (I)

Peter Green nació en Bethnal Green, East London, el 29 de octubre de 1946. Formó Fleetwood Mac con Mick Fleetwood en 1967; el dúo se había conocido tocando en grupos en el Londres de los años sesenta. Tocaron en Looners, de Peter B, y luego en el Shotgun Express, un grupo de R&B de corta duración que incluía a un joven Rod Stewart como vocalista.

Diferencias entre Beatles y Kinks (VII)

En última instancia, Davies sintió que la mayoría de las comparaciones eran demasiado diferentes: los hermanos Davies eran más jóvenes que los miembros de The Beatles, y Davies encontró su voz única como escritor mientras The Beatles atravesaban una combustión interna.

De esa manera, Davies tomó la antorcha, pero se apresuró a reconocer el trabajo preliminar establecido por los de Liverpool para llevar la música inglesa al mundo: “Creo que solo los británicos podrían haber logrado eso, ese fenómeno”, dijo. “Sin embargo, hay algo especial en The Beatles”.

Diferencias entre Beatles y Kinks (VI)

“Creo que estaban muy bien organizados sobre la forma en que trabajaban”, dice Davies. “Y tenían un equipo. Realmente no tenía un equipo. Sabían exactamente para qué se estaba eligiendo su música. No lo hice. Sabía que tenía un buen guitarrista de riffs (Dave Davies)… pero no tenía con quién colaborar”.

Diferencias entre Beatles y Kinks (V)

Comparado con The Beatles, Davies se consideraba a sí mismo como “apenas articulado. Apenas pude llenar un formulario en la universidad. Pasé la universidad por puro talento gracias a la pintura. Académicamente, estaba bien. Pero... apenas estaba entrenado para ir al baño”.

Davies también destacó las diferencias en la organización interna, como escribir canciones y componer, como un gran contraste entre The Beatles y The Kinks.

Diferencias entre Beatles y Kinks (IV)

Añade Davies: “Ringo dijo: No podemos hacer el set escandinavo porque estamos en Blackpool, así que haremos el set list en inglés, el norte de Inglaterra”.

Eso probablemente cambiaría una canción. Estaban muy bien organizados, sabían lo que estaban haciendo… es evidente. Y al conocerlos son simplemente un hombre de negocios muy organizado y se nota en sus escritos. En el gran material que escribieron. Y han tenido algunas canciones picantes, canciones dudosas”.

Diferencias entre Beatles y Kinks (III)

En el año de 2009, Davies habló sobre su admiración inicial por The Beatles, específicamente con respecto a cómo estaban juntos como un grupo con mentalidad empresarial. “Creo que eran tan buenos empresarios”, explicó Davies.

“Y sabes la diferencia entre un escritor y un empresario. Los Beatles estaban organizados sobre lo que hacían. Hicimos algunos shows con ellos y era evidente que sabían lo que estaban haciendo”.

Diferencias entre Beatles y Kinks (II)

A medida que la década de 1960 se convirtió en la década que conocemos en gran medida como hoy, con psicodelia, aumento del uso de drogas y una contracultura prominente, The Beatles y The Kinks fueron pioneros en deshacerse de las influencias del rock and roll estadounidense, en lugar de integrar estilos exclusivamente británicos como la música hall para forjar una identidad claramente inglesa.

Ray Davies, en particular, comenzó a aprovechar un estilo observacional de escritura lírica que resaltaba la vida cotidiana de la experiencia británica.

Diferencias entre Beatles y Kinks (I)

Imposible hablar de la “Invasión Británica” sin hablar de The Beatles y The Kinks. A pesar de que inicialmente representaban dos lados opuestos del espectro musical, con The Beatles elaborando música pop impecable y The Kinks produciendo proto-punk provocativo, las dos agrupaciones a menudo se entrecruzaban a medida que evolucionaban más allá de sus días de inicio de traje y corbata.

Cuando Daltrey “salió” de The Who (IX)

Permitiría a The Who no solo saltar sobre el éxito de su himno zeitgeist “My Generation”, sino establecerse como uno de los grupos más importantes en la historia de la música rock. 

Cuando Daltrey “salió” de The Who (VIII)

Una vez que el dúo de directores de The Who, Kit Lambert y Chris Stamp, se involucraron en las payasadas de cada miembro, la discusión pronto se calmó. Una vez que el manager explicó el serio daño que la pérdida de la voz de Daltrey en esta etapa de la carrera del grupo podría causar en su trayectoria, la discusión terminó por completo.

Lamentablemente, el tiempo de Moon en la agrupación llegaría a su fin prematuramente con su muerte en 1978 después de luchar por controlar su abuso de sustancias.

Cuando Daltrey “salió” de The Who (VII)

En un giro de los acontecimientos que sería impensable en el rock actual, Townshend y el bajista John Entwhistle se pusieron del lado de Moon durante la debacle y acordaron que Daltrey, al tirar las pastillas de Moon, simplemente había ido demasiado lejos.

Lo despidieron del grupo inmediatamente y señalaron el final de su carrera antes de que pudiera realmente comenzar. Por supuesto, fue una decisión que no duró mucho.

Cuando Daltrey “salió” de The Who (VI)

Como cualquier lugareño de Acton, eso es suficiente para terminar con algunas nuevas marcas de nudillos en tu cabeza y, efectivamente, Daltrey arremetió contra la nariz de Moon que pronto sangraría.

“Fueron necesarias unas cinco personas para mantenerme alejado de él”, recordó el cantante en Roger Daltrey: The Biography. “No era solo porque lo odiaba, era porque amaba tanto al grupo y pensaba que esas pastillas la estaban destruyendo”.

Cuando Daltrey “salió” de The Who (V)

Fue durante esa gira cuando la paciencia de Daltrey para con Moon, cada vez más incoherente, finalmente se agotó y no pudo soportarlo más. Después de un espectáculo de interpretación particularmente mala del baterista, Daltrey encontró el alijo de drogas de Moon y las arrojó a la basura en un intento de hacer un comentario serio sobre su creciente dependencia.

Naturalmente, Moon no estaba muy contento y pronto se enfrentó al cantante.

Cuando Daltrey “salió” de The Who (IV)

Sin embargo, en el período previo al incidente de los moretones, The Who eran famosos por sus conciertos pero, durante este período, el grupo había tenido una racha inusual de malas actuaciones.

En otro concierto se vio a la camioneta del grupo robada junto con todo el equipo dentro. Luego, para colmo, estaba el set de la banda en Dinamarca que, después de unos minutos de furioso rock and roll, vio a la multitud subir al escenario y causar daños por valor de diez mil libras.

Cuando Daltrey “salió” de The Who (III)

Atrapado entre dos potencias musicales, aunque por razones ligeramente diferentes, Daltrey a menudo actuaba como intermediario entre Pete Townshend y Keith Moon. El guitarrista era conocido por su propia personalidad, a menudo rápido para arremeter verbalmente con su afilada lengua.

El baterista era, en cambio, un auténtico juerguista. Mientras que el creciente abuso de sustancias de Moon estaba desgastando los ánimos en un extremo, Townshend estaba empujando a Daltrey cada vez más fuera del centro de atención en el otro.

Cuando Daltrey “salió” de The Who (II)

En 1965, The Who era la pregunta candente en boca de todos, el grupo había comenzado a destripar al público con sus conciertos y la subsiguiente destrucción de instrumentos, pero las tensiones aumentaban entre varios de los miembros de la agrupación.

Cuando Daltrey “salió” de The Who (I)

Como cualquier chavo de Acton en las décadas de 1950 y 1960, Roger Daltrey nunca tuvo miedo de dejar de hablar y empezar a lanzar puñetazos. El temperamento de Daltrey era legendario y se sabía que explotaba.

En ocasiones, incluso cuando eran sus compañeros de grupo. Fue algo que Keith Moon experimentó de primera mano y casi le costó al cantante su estrellato.

Robert Plant decide ser cantante (VIII)

La adolescencia y los años de formación de Plant se basaron en los conciertos a los que asistió durante su juventud, lo que le dio razones para creer que había mucho más en la vida que Stourbridge.

Después de crecer con una dieta que consistía en algunos de los mejores artistas del espectáculo, Plant estaba más que listo cuando llegó el momento de poner un pie en el escenario, y el cantante nunca ha mirado atrás desde entonces.

Robert Plant decide ser cantante (VII)

“Estaba obsesionado con todo”, señaló Plant. “Así se convirtió en cualquiera de esos a lo largo de la semana. Una noche, mis compañeros de escuela me pidieron que cantara en su grupo, los miembros del jurado, en algún concierto en Swadlincote. Miré a la audiencia a los ojos del verdadero amor: a mi derecha, a mi izquierda, y un verdadero amor rubio allá. Desde ese momento, supe lo que quería hacer”.

Robert Plant decide ser cantante (VI)

Estas noches de afirmación en el ayuntamiento viendo a artistas como Gene Vincent rasgar el techo del lugar hicieron que Plant quisiera agarrar un micrófono y replicar su grandeza.

Cuando finalmente recibió la llamada de un amigo para cantar en su grupo, Plant no se puso nervioso; nació para hacer esto y, al final del espectáculo, todos los asistentes estaban de acuerdo sobre este asunto.

Robert Plant decide ser cantante (V)

“De repente, mis compañeros en la franja lunática de la escuela primaria King Edward VI tenían zapatos puntiagudos y cabello peinado hacia atrás y las niñas usaban enaguas. Todo el mundo se estaba preparando para convertirse en mods, y todo esto se desarrollaba entre sangre, sudor y perfume barato en una pista de baile de arce”, añadió Plant.

“Para mí, Stourbridge era el Beverly Hills del País Negro. Había tres reinos: rockeros con bicicletas y Gene Vincent, beatniks de jazz con cuartetos de jazz moderno y elegantes libros de Albert Camus, y luego el movimiento de blues y folk escuchando Leadbelly y demás”.

Robert Plant decide ser cantante (IV)

“Dejé mi colección de discos a un lado y me encontré en bicicleta hasta Stourbridge en West Midlands la mayoría de las noches, y trabajando en Woolworth's todos los fines de semana para poder comprar un boleto para el ayuntamiento de Stourbridge por cinco chelines”, refiere Plant.

“El telón se abriría y aparecerían Gene Vincent, Screaming Lord Sutch o Pretty Things. Todo parecía de otro mundo, incluso los geles utilizados en los reflectores”.

Robert Plant decide ser cantante (III)

Cada semana se celebraban conciertos en Stourbridge Town Hall, y esto le proporcionaba a Plant la oportunidad de experimentar muchas estrellas del día.

El futuro vocalista de Led Zeppelin adoraba su tiempo entre la multitud mirando a músicos tremendamente talentosos, pero en el fondo, sabía que un día pertenecería para estar parado en ese escenario sagrado.

Robert Plant decide ser cantante (II)

Plant fue hijo único hasta que cumplió 11 años, y el tiempo era algo que tenía en sus manos. A medida que crecía, la música comenzó a desempeñar un papel más importante en su vida y, de repente, era todo lo que importaba.

A pesar de haber crecido en una ciudad remota de las Midlands en lugar de en una ciudad importante, esto resultó ser una bendición disfrazada para Plant y, algo extraño, Stourbridge tenía una escena musical en ciernes. 

Robert Plant decide ser cantante (I)

La crianza relativamente normal del cantante de Led Zeppelin, Robert Plant, en West Midlands, estuvo muy lejos del brillo y el glamour que lo sofocarían durante toda su vida adulta.

Una gran parte de la infancia de Plant la pasó mirando por la ventana, soñando despierto con escapar o ir en bicicleta a las pintorescas fronteras galesas desde su hogar en Black Country. 

Cash + Cave: proselitizar en la oscuridad (VII)

Nick Cave concluyó conmovedoramente sobre ese día: “Cuando Johnny bajó por primera vez esas escaleras al estudio, se veía realmente frágil y enfermo, pero una vez que comenzó a cantar, realmente volvió a la vida. Fue algo increíble de ver”.

Vaya logro que tiene Cave en su haber: ninguno será más dulce que haberse ganado el derecho a compartir el escenario con el hombre que lo hizo proselitizar en la oscuridad. Para Cave, ese es probablemente el mayor honor y más preciado que cualquier premio o aclamación a lo largo de su trayectoria.

Cash + Cave: proselitizar en la oscuridad (VII)

Agrega Cave: “No hay nadie que pueda tocarlo. Escribí y grabé eso cuando era bastante joven, pero él tiene una gran experiencia que puede aportar. Él puede cantar una línea y darle a esa línea tanto el cielo como el infierno”.

La pareja incluso tocó la canción de Hank Williams “I'm So Lonesome I Could Cry” juntos en el estudio de Rubin solo unos meses antes de la muerte de Cash. Ese día nunca saldrá de Cave, y ver el poder de la música iluminar el cuerpo de Cash incluso cuando estaba gravemente enfermo es una imagen que está grabada en su mente para siempre.

Cash + Cave: proselitizar en la oscuridad (VI)

Hacia los últimos días de la carrera de Cash, Rick Rubin lo revitalizó y la asociación fue el verano indio de su carrera. En su tercer álbum colaborativo juntos en 2000, Cash incluso le dio su propio toque a “The Mercy Seat”, de Cave, que fue una experiencia extracorporal al escuchar a su ídolo interpretar su canción.

“Recibí una llamada del [productor de Cash] Rick Rubin diciendo que Johnny Cash quería grabarlo, y estaba bien”, continuó Cave. “Eso fue muy emocionante. La versión es tan buena. Simplemente reclama esa canción como lo hace con tantas”.

Cash + Cave: proselitizar en la oscuridad (V)

Añade: “Para mí fue en gran medida la forma en que comenzó el espectáculo. Te da la espalda en silueta, vestido todo de negro, y se gira y dice: "Hola, soy Johnny Cash". Había algo que me llamó la atención sobre él y sobre la forma en que mis padres se movían incómodos”.

Cash + Cave: proselitizar en la oscuridad (IV)

“Perdí mi inocencia con Johnny Cash”, apuntó después de la desgarradora muerte de Cash en 2003. “Solía ​​ver el Johnny Cash Show en la televisión en Wangaratta cuando tenía unos nueve o diez años. En ese momento, realmente no tenía ni idea del rock'n'roll. Lo miré y desde ese punto vi que la música podía ser una cosa malvada, una cosa hermosa y malvada”.

Cash + Cave: proselitizar en la oscuridad (III)

Nadie es claramente similar a Cave, pero algunos músicos son comparaciones a pesar de las diferencias definidas. Quizá nadie más que Johnny Cash, alguien por quien Cave ha hablado abiertamente de su admiración, y la energía que proporciona es una reencarnación del “Hombre de Negro”.

Siempre ha hecho patente su amor por Cash. Cuando The Bad Seeds actuaron en The Tube en 1986, Cave llevó a su antigua banda a través de una vibrante versión de “The Singer”, y la leyenda del country ha sido parte de su vida desde que era un niño.

Cash + Cave: proselitizar en la oscuridad (II)

Aunque las asociaciones musicales de Cave se han modificado a lo largo de su carrera, donde inicialmente encontró el éxito con The Birthday Party, su capacidad intrínseca para tocar las fibras del corazón de un oyente conectándose instintivamente es algo que nunca ha vacilado. Ya sea que esté de regreso con sus Bad Seeds, acompañado por Warren Ellis, o sentado solo a un piano, su arte es primordial y nunca falla.

Cash + Cave: proselitizar en la oscuridad (I)

Nick Cave tiene acceso a la parte más oscura y perversa de la psique humana y sabe cómo conectarse con ese rincón del cerebro en un nivel simplemente incomparable. Cuando era niño, el australiano fue adoctrinado por un artista que conoce ese camino con demasiada familiaridad, y la capa de inocencia de Cave se disipó.

Brian Jones atestigua el debut de Hendrix (X)

Después de su set de dos canciones, el paisaje de la escena londinense cambió en un instante. De repente, se conoció el secreto de Hendrix, y pronto ganaría notoriedad internacional mientras se convertía en la envidia de los guitarristas de todo el mundo.

Brian Jones atestigua el debut de Hendrix (IX)

Después de la actuación, Brian Jones se acercó a Reid y personificó el estado de ánimo desinflado entre el sindicato de guitarristas en la sala. Recuerda: “Entonces Brian Jones se me acercó corriendo y me dijo: 'Oh, Terry, es fantástico en el frente. Deberías bajar y echar un vistazo”.

“Le dije: '¿Qué pasa?', Jones dijo: 'Hay una inundación en la parte delantera del escenario. Es absolutamente terrible". Yo digo, '¿Una inundación?', Y él dijo: 'Sí, todos los guitarristas están llorando'”, dice Reid.

Brian Jones atestigua el debut de Hendrix (VIII)

“Se levanta, toca eso. Te lo estoy diciendo; Peter y yo estamos sentados en la parte de atrás, y estoy observando solo la expresión en la parte de atrás de la cabeza de la gente”, dijo Reid. “Pete Townshend estaba allí, todos estaban allí y todos estaban fascinados. Eran como recortes de cartón. Nadie se movió”.

Brian Jones atestigua el debut de Hendrix (VII)

Hendrix solo cantó dos canciones esa noche. Comenzó con “Red House” seguido de una versión de “Wild Thing”, de The Troggs. Durante la totalidad del set, Reid explicó que se podía escuchar la caída de un alfiler cuando Hendrix hipnotizaba a la silente multitud.

Brian Jones atestigua el debut de Hendrix (VI)

Jones era una de las pocas personas dentro de la pequeña habitación que sabía qué esperar de Hendrix. Sin embargo, muy pronto, toda la clase dominante de la música británica se uniría a él asombrada por el joven estadounidense.

Brian Jones atestigua el debut de Hendrix (V)

Añade Reid: “Entonces, Brian Jones se acerca y él dice, Terry, “Ese tipo va a tocar, ¿sabes, ese amigo tuyo? Jimi Hendrix'. El grupo que tocaba allí dijo: “Vamos a hacer que un tipo venga aquí y toque un par de canciones. Es nuevo en la ciudad y solo queríamos presentárselo'”.

Brian Jones atestigua el debut de Hendrix (IV)

Casualmente, Reid había visitado el Scotch of St. James con el cantante de su grupo, Peter Jay, para disfrutar de unas bebidas en algún lugar donde no los molestaran, y sin que ellos lo supieran, ambos estaban a punto de presenciar la historia. “Estamos sentados allí esta noche”, dice Terry Reid con entusiasmo.

“De repente, a la mitad de la noche, a eso de las nueve, entró toda esta gente. Paul McCartney, Keith Richards, Brian Jones, estaban allí”.

Brian Jones atestigua el debut de Hendrix (III)

Reid estuvo allí la noche en que Hendrix hizo su debut en suelo británico, un evento que tuvo lugar en 1966 en el Scotch of St. James, y la lista de invitados fue un quién es quién en la realeza de la música.

Aunque ambos se conocieron antes de la actuación, ver a Hendrix en su elemento en el escenario hizo que Reid lo viera bajo una luz completamente nueva.

Brian Jones atestigua el debut de Hendrix (II)

A los 15 años, Reid dejó la escuela para unirse a los Jaywalkers de Peter Jay y se lanzó a una historia de amor de toda la vida con el rock, una que aún hoy sigue ardiendo. En 1966, Chas Chandler le presentó a Hendrix después de su llegada al Reino Unido, y los dos entablaron una estrecha amistad.

Juntos, a menudo, tocaban en The Revolution Club, y Hendrix regularmente buscaba refugio en la casa de Reid cuando quería escapar de las fiestas en su domicilio.

Brian Jones atestigua el debut de Hendrix (I)

Cuando Jimi Hendrix llegó a Londres, inmediatamente hizo temblar a los demás guitarristas de la ciudad. El cantante Terry Reid, que entonces trabajaba con Jaywalkers de Peter Jay, se convirtió en un confidente de Hendrix durante esos primeros días, estando en la primera línea de una contracultura en explosión mientras dejaba su huella en la capital inglesa.

“Turn! Turn! Turn!”, una puerta giratoria (VII)

“Era una canción folk estándar en ese momento, pero la toqué y salió rock 'n' roll porque eso es lo que estaba programado para hacer como una computadora. No podía hacerlo como era tradicionalmente “, explicó McGuinn más tarde. “Salí con ese ritmo de samba, y pensamos que sería un buen single”.

La grabación maestra de la canción supuestamente le llevó a la banda un asombroso 78, toma más de cinco días para hacerlo bien, pero lo lograron.

“Turn! Turn! Turn!”, una puerta giratoria (VII)

La canción vería a The Byrds elevarse a un pedestal donde se les consideraba en el mismo nivel que The Beatles y The Beach Boys. Sin embargo, “Turn! Turn! Turn!” sigue siendo un tema clásico que ofrece una idea de cómo podrían haber resultado las cosas para el grupo si las relaciones internas no se hubieran vuelto amargas, lo que llevaría a una puerta giratoria de cambios de formación en los próximos años.

“Turn! Turn! Turn!”, una puerta giratoria (VI)

“Era una canción folk estándar en ese momento, pero la toqué y salió rock 'n' roll porque eso es lo que estaba programado para hacer, como una computadora. No podía hacerlo como era tradicionalmente”, explicó McGuinn.

“Salí con ese ritmo de samba, y pensamos que sería un buen single”. La grabación maestra de la canción llevó al grupo a un asombroso puesto 78, tomó más de cinco días para hacerlo bien, pero lo lograron.

“Turn! Turn! Turn!”, una puerta giratoria (V)

La idea de revivir la canción se le ocurrió a McGuinn durante la gira de The Byrds por el Medio Oeste de EU en julio de 1965, un momento en que su entonces novia y futura esposa, Dolores, pidió escuchar la canción mientras estaba en el autobús de la gira.

Cuando tocó la pista, no se parecía en nada a la canción folk original y, en cambio, estaba en el estilo de The Byrds, lo que hizo que McGuinn se sintiera obligado a llevar al grupo al estudio para grabar su versión de la pista, pero poco esperaba. Terminó convirtiéndose en un sencillo número uno y en la pista principal de su próximo disco.

“Turn! Turn! Turn!”, una puerta giratoria (IV)

“Me senté con una grabadora y dije: 'No puedo escribir el tipo de canciones que quieres", agregó. “Tienes que ir con alguien más. Este es el único tipo de canción que sé escribir''. Saqué este papel en mi bolsillo e improvisé una melodía en quince minutos.

Y se lo envié. Recibí una carta de él la semana siguiente que decía: "¡Maravilloso! Justo lo que estoy buscando''. En dos meses se lo vendió a los Limelighters y luego a The Byrds. Por cierto, me gustó mucho el disco de The Byrds. Todas esas guitarras de acero que resuenan, suenan como campanas”, señaló el compositor.

“Turn! Turn! Turn!”, una puerta giratoria (III)

Para la versión de Collins, McGuinn cambió el nombre de la pista a “Turn! Turn! Turn!”, pero las otras dos versiones de la pista eran buenas canciones folclóricas por derecho propio. Dicho esto, la marca de The Byrds de rock psicodélico con tintes folclóricos sacó algo de la pista que faltaba en las otras versiones.

“Recibí una carta de mi editor y me decía: 'Pete, no puedo vender estas canciones de protesta que escribes'. Estaba enojado, dijo Pete Seeger en el libro Songwriters on Songwriting, en 1988, sobre el origen de la pista.

“Turn! Turn! Turn!”, una puerta giratoria (II)

El clásico fue lanzado por primera vez por el grupo folk The Limeliters en su álbum Folk Matinee, de 1962, bajo el título “To Everything There Is a Season”. Su versión incluso fue lanzada unos meses antes de que Seeger comenzara a lanzar su propia versión de la pista que había escrito.

Uno de los músicos de apoyo de The Limeliters en ese momento era el miembro de The Byrds, Roger McGuinn, y era una canción por la que tenía una gran afinidad, incluso arregló la canción para el cover de Judy Collins en 1963 antes de que el grupo la hiciera suya.

“Turn! Turn! Turn!”, una puerta giratoria (I)

El 1 de octubre de 1965, The Byrds lanzaron su versión de la canción de Pete Seeger: “Turn! Turn! Turn!”, lo que llevaría su carrera a alturas sin precedentes y los convertiría en el grupo del momento.

La pista se convertiría en su sencillo conjunto de mayor puntuación, que encabezó las listas de Billboard de EU. También fue su mayor éxito al otro lado del Atlántico en Gran Bretaña.