George Martin - The Beatles (IV)

En 1970, George Martin abrió sus AIR Studios en Londres en Oxford St., una instalación de grabación de primer nivel mundial, y más tarde AIR Montserrat en el Caribe, donde artistas como The Police, Paul McCartney, Jimmy Buffett, The Rolling Stones y otros músicos notables hicieron álbumes.

Se considera que una de sus producciones es el single más vendido de todos los tiempos: "Candle in the wind 1997", de Elton John, que fue grabada como un homenaje a la fallecida Diana, princesa de Gales.

Obtuvo seis premios Grammy, cinco por su trabajo con The Beatles y uno por producir el álbum de Broadway de The Who: Tommy. Publicó sus memorias bien recibidas, All You Need is Ears, en 1979. Martin fue nombrado caballero en 1996 e ingresado en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1999.

George Martin - The Beatles (III)

Produjo un impresionante total de 30 éxitos número 1 en el Reino Unido y 23 en EU, incluyendo canciones para artistas como Gerry & the Pacemakers y America.

Las producciones de Martin incluyeron a músicos británicos como Cilla Black, Billy J. Kramer & the Dakotas, The Fourmost, Jeff Beck, America, Cheap Trick y otros.

También produjo el tema musical de Shirley Bassey para la película de James Bond, Goldfinger, así como el tema musical de Paul McCartney and Wings, como compuso y produjo la partitura para la película de Bond:  Live and Let Die.

George Martin - The Beatles (II)

Una de las primeras decisiones de Martin fue reemplazar al entonces baterista de los Beatles, Pete Best, quien había estado con el grupo desde 1960. Después de la audición de los Beatles en junio de 1962 para Martin, el productor estaba preocupado por la estabilidad del tiempo de Best. En agosto, Epstein informó al baterista que lo dejarían ir. Starr fue contratado para reemplazarlo.

Los miembros del grupo quedaron debidamente impresionados de que Martin hubiera producido a los comediantes Spike Milligan y Peter Sellers de The Goon Show, que fue una inspiración para el legendario humor de The Beatles. Comenzando con Please Please Me, de 1963, y continuando hasta Abbey Road, de 1969, Martin produjo casi toda la producción notable de la agrupación.

George Martin - The Beatles (I)

Cuando se trata de relaciones músico-productor, hubo colaboraciones de The Beatles con George Martin y luego hubo todos los demás. El ejecutivo de Parlophone Records se reunió con el gerente del grupo, Brian Epstein, en 1962, después de que todos los otros sellos discográficos británicos habían ignorado al cuarteto. Martin los firmó poco después.

Paul McCartney escribió, en parte, “Si alguien ganó el título del quinto Beatle, fue George. Desde el día que le dio a The Beatles nuestro primer contrato de grabación, hasta la última vez que lo vi, fue la persona más generosa, inteligente y musical que he tenido el placer de conocer ".

Chess Records: incubadora de Blues (VII)

Cuando los Stones visitaron EU por primera vez en 1964, se aseguraron de pasar por lo que el guitarrista Keith Richards consideró "terreno sagrado". La agrupación grabó uno de sus primeros éxitos, "It's all over now", en Chess Records.

Después de que Leonard murió de un ataque al corazón en 1969, se vendieron Chess Records y Phil se mudó a Arizona, donde trabajó en la radio. En 2008, Shiloh Fernández interpretó a Phil en la película Cadillac Records, con Adrien Brody como Leonard.

Chess Records: incubadora de Blues (VI)

El impacto del blues fue especialmente fuerte en el Reino Unido, donde las grabaciones estadounidenses fueron apreciadas y difíciles de encontrar en la década de 1950 y principios de los 60.

Los álbumes de Chess inspiraron la escena del blues de Londres, el campo de pruebas para futuras superestrellas del rock como los Stones, Eric Clapton, Rod Stewart y Mick Fleetwood.

Chess Records: incubadora de Blues (V)

Durante los siguientes 19 años, grabaron una asombrosa cantidad de los mejores músicos de blues, R&B y rock 'n' roll de EU en un edificio de dos pisos en 2120 Street, Michigan Avenue, que aún se mantiene en pie. Grabaron todo, desde grupos minimalistas de blues y armonía hasta Berry y su compañero Bo Diddley.

Otros músicos que trabajaron en Chess incluyeron a Willie Dixon, Little Walter y un joven baterista de sesión llamado Maurice White, quien más tarde fundó Earth, Wind & Fire. Leonard y Phil Chess también fundaron un puñado de sellos hermanos, incluidos Checkers Records y Cadet Records.

Chess Records: incubadora de Blues (IV)

''Ninguno de ellos tocaba instrumento alguno. Ni siquiera se inclinaron por la música'', escribió la autora Nadine Cohodas sobre los hermanos en su libro de 2000: Spinning Blues into Gold: The Chess Brothers and the Legendary Chess Records. "Pero eran empresarios, a través de los sonidos indígenas" de EU, el blues y su progenie, jazz, rock and roll y soul, encontraron su fortuna''.

El primer lanzamiento de Chess Records fue una versión de Gene Ammons de "My foolish heart". Luego vino Waters con "Rollin 'Stone", una canción tan influyente que se convirtió en el nombre de la agrupación de rock inglesa, así como de la revista seminal de rock.

Chess Records: incubadora de Blues (III)

Uno de los mejores músicos de blues, Buddy Guy, acreditó a la etiqueta por elevar el estatus de Chicago a la capital del blues.

"Phil y Leonard Chess grababan el tipo de música a la que nadie más prestaba atención... y ahora puedes dar un paseo por State Street (Chicago) y ver un retrato de Muddy con diez pisos de altura", señala Guy, quien grabó en Chess.

Al igual que otros empresarios de blues y rock, los hermanos Czyz eran niños judíos con afinidad por la música negra. Phil Chess nació con el nombre de Fiszel Czyz en Polonia y cambió su nombre a Phil Chess después de que la familia emigró a EU.

Después de servir en el ejército en la segunda guerra mundial, los hermanos comenzaron con una licorería, luego dirigieron el club nocturno Macomba Lounge y el local de música, antes de ingresar al negocio de la grabación de música.

Chess Records: incubadora de Blues (II)

Fundada en Chicago por Leonard y Phil en 1950, Chess Records fue el hogar de muchos de los principales músicos de blues de las siguientes dos décadas y se enfrentó a pioneros musicales como Berry, Etta James e Ike Turner, cuyo "Rocket 88" es considerada una de las primeras canciones de rock.

El ascenso de esta corriente musical ayudó a marcar la migración de negros nacidos en el sur hacia el norte como Waters y Wolf y la transición del blues acústico a eléctrico, con arreglos contundentes que los Rolling Stones, Eric Clapton y otros músicos de ascendencia blanca aprovecharon abiertamente.

Chess Records: incubadora de Blues (I)

Fiszel Czyz y nació en Polonia el 27 de marzo de 1921. Fiszel recibió un nombre diferente "americanizado" cuando llegó a EU. Ese nombre era Philip Chess y él, junto con su hermano Leonard, fundó Chess Records. Ambos fueron figuras influyentes en el desarrollo del rock 'n' roll, el blues eléctrico y el blues-rock. Firmaron músicos como John Lee Hooker, Chuck Berry, Bo Diddley, Muddy Waters entre otros.

El cofundador de Chess Records, Phil Chess, quien con su hermano Leonard ayudó a lanzar las carreras de Chuck Berry, Howlin 'Wolf, Muddy Waters y otros, acumuló un catálogo de blues rock y eléctrico de 'Chicago' que influyó profundamente la música popular en la década de 1950 y más allá.

Jimmy Page, productor (VII)

Page no fue el único delirante sobre el trabajo de Clapton en el álbum de los Bluesbreakers, por supuesto. Después de que se lanzaron estas pistas, tuvieron lugar los graffiti de "Clapton is God" en las calles de Londres.

Según el biógrafo de Page (y editor en jefe de Guitar World) Brad Tolinski, las sesiones de los Bluesbreakers con Clapton "representaron el nacimiento del sonido moderno de la guitarra". En la década siguiente, Page y Clapton hicieron mucho para que ese sonido alcanzara su madurez.

Jimmy Page, productor (VI)

Años más tarde, Page todavía se maravilla con el sonido que Clapton obtuvo en esos días usando su guitarra Gibson y sus amplificadores Marshall. "Pensé que tocó brillantemente, en verdad brillante", recordó Page. "Eso fue muy emocionante".

Después de la producción de "I'm your witch doctor", Clapton lo llevó a otro nivel en "Telephone Blues". En su guitarra, Clapton ejecuta un solo de Page descrito como "excelente".

Jimmy Page, productor (IV)

"Regresé a la sala de control y le dije al ingeniero que hiciera la sobregrabación", dijo Page en una publicación de redes sociales de 2019. "Aproximadamente a dos tercios de la grabación, bajó los faders y dijo: 'Este guitarrista es imposible de grabar'".

Como él dirigía la sesión, Page le dijo que no se preocupara por los medidores de línea roja. "Le dije que volviera a colocar los faders y asumiría toda la responsabilidad". Consiguiendo el innovador trabajo de Clapton en la grabación de ese día.

Jimmy Page, productor (III)

En 1965, Mayall y sus Bluesbreakers (ahora con Clapton a bordo) firmaron con el manager de los Rolling Stones, Andrew Loog Oldham, para grabar en el sello del propio Oldham (Inmediate). El manager de los Stones hizo que Page produjera esas sesiones, y resultó ser la llamada correcta.

Como Page ha contado la historia, Clapton tuvo la idea de añadir el efecto feedback a su guitarra mientras grababa "I'm your witch doctor". Page, quien como Beck y Clapton habían estado experimentando con diferentes sonidos de guitarra, encontró la manera de hacerlo funcionar en el estudio ese día, a pesar de las protestas del ingeniero de turno.

Jimmy Page, productor (II)

Después de The Yardbirds, Clapton se unió a John Mayall y los Bluesbreakers por una corta pero productiva temporada a mediados del '65. Durante ese tiempo, Page comenzó a producir sesiones de grabación e incluso grabó su propio single en plan solista.

Pero, aunque muchas de esas sesiones han quedado en el olvido, la producción de Page de los Bluesbreakers con Clapton persiste en la historia del rock. En aquellas fechas, Clapton creó un sonido que influyó en los guitarristas durante décadas, y Page ayudó en el estudio.

Jimmy Page, productor (I)

No fue una coincidencia que tres de los mejores guitarristas de rock tocaran en The Yardbirds, una de las agrupaciones pioneras de la década de 1960 en Londres. Para empezar, todos vivían dentro de un radio de 12 millas el uno del otro. Eric Clapton, quien se unió al grupo en el '63, hizo su primer reclamo a la fama mientras tocaba con el grupo.

Cuando Clapton se fue, en el '65, The Yardbirds trataron de traer a Jimmy Page, otro joven elemento en la escena del rock de Londres. Pero Page estaba ocupado con su horario completo de sesiones y se negó. En su lugar, sugirió a su amigo Jeff Beck, y The Yardbirds funcionaron con Beck.

Sesión de fotos para Sgt. Pepper's

El 30 de marzo de 1967, The Beatles fueron a los Chelsea Manor Studios, en Londres, para trabajar en fotografía de la portada de su nuevo álbum, el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Los integrantes del grupo vestían trajes de satín de varios colores brillantes y posaban en medio de recortes de cartón de varias docenas de personajes famosos. La serie de imágenes del fotógrafo Michael Cooper se convertiría en una de las más famosas de la historia del rock.

Whitlock, Derek & The Dominos (V)

Aunque Whitlock, con tan sólo 22 años en ese momento, ayudó a Clapton a definir el amor angustiado no correspondido en los términos y melodías más profundos del rock y en canciones como "Why does love got to be so sad", "Tell the truth" y "I looked away", su propia historia de amor es algo muy diferente, y bastante encantadora.

Aunque sus años posteriores a Derek & The Dominos no estuvieron exentos de dificultades, hoy está felizmente casado y en asociación musical con la cantante, bajista, guitarrista, saxofonista, compositora, ingeniera de grabación y productora CoCo Carmel.

Whitlock, Derek & The Dominos (IV)

A su vez, el bajista Carl Radle grabó y tocó con Clapton más tarde en los años 70 y murió de una infección renal, exacerbada por su abuso de alcohol y drogas, en 1980.

El baterista Jim Gordon también continuó involucrado en el abuso de sustancias, dañando su carrera con problemas de comportamiento.

En 1983, asesinó a su madre, alegando que una voz en su cabeza le había dicho que lo hiciera. Fue diagnosticado con esquizofrenia paranoide y ha permanecido encarcelado desde entonces.

Whitlock, Derek & The Dominos (III)

Cinco décadas después, es el guardián del legado de Dominos. El sobreviviente de una banda cruzada por las estrellas. Aunque hoy Clapton reina como uno de los principal héroes de la guitarra de rock de la década de 1960, además de ser una estrella pop, después del breve flash del grupo, cayó en unos tres años de aducción y aislamiento de heroína.

Por su parte, Duane Allman, quien tocó en la mayor parte de Layla and other assorted love songs, murió en un accidente de motocicleta el 29 de octubre de 1971. 

Whitlock, Derek & The Dominos (II)

Whitlock fue una parte clave detrás de lo que se considera un hito genuino no sólo en la carrera de Clapton sino en todo el género de rock clásico: el álbum de 1970, Layla and other assorted love songs, que coescribió seis de las diez canciones originales del álbum doble y trayendo sus habilidades de teclado, empapadas de soul a la mezcla musical, tomando la voz en dos pistas y doblando/intercambiando con Clapton durante el resto del álbum.

Whitlock, Derek & The Dominos (I)

"Esa cosa era como un rayo en una botella", rememora Bobby Whitlock acerca de su grupo de corta duración con Eric Clapton, Derek & The Dominos.

“Hicimos una gira por el club, hicimos una sesión de fotos, luego hicimos una gira por lugares un poco más grandes. Luego hicimos un álbum de estudio en Miami. Hicimos una gira americana. Luego hicimos un intento fallido con un segundo álbum". Todo en aproximadamente un año, en 1970.

Neil Young: ‘Harvest’ (V)

En lugar de ir a lo seguro a raíz del éxito masivo del álbum y entregar Harvest partes 2, 3, 4, etc., Young rechazaría por completo esta dirección fácil de digerir en sus próximos trabajos solistas, lo que resultaría en lo que se conoce como la "Trilogía de la Zanja", que incluye algunos de los lanzamientos más crudos y excepcionales de toda su carrera: Time Fades Away, de 1973, On the Beach, de 1974 y Tonight's the Night, de 1975.

Neil Young: ‘Harvest’ (IV)

Young formó un grupo de acompañamiento llamada Stray Gators, integrado por Ben Keith, Jack Nitzsche, Tim Drummond, y Kenny Buttrey, con el propio Young en la voz principal, guitarra eléctrica y acústica, piano y armónica, así como otros colaboradores, (incluyendo cantantes de renombre como James Taylor, Linda Ronstadt, David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash).

Neil Young: ‘Harvest’ (III)

Aunque tenía un poco del material escrito (en su grabación Live at Massey Hall, 1971, lanzada más tarde, se realizaron cinco de las diez pistas de Harvest).

Aunque las diez piezas que compondrían Harvest se grabaron de enero a septiembre de ese año, su lanzamiento se retrasó, lo que resultó en el primer año desde que la carrera discográfica de Young comenzó con el debut homónimo de Buffalo Springfield en 1966 que no hubo nuevo álbum de estudio.

Neil Young: ‘Harvest’ (II)

Para la década de 1970, después de After the goldrush, Young había comenzado a agregar elementos claros del country a su sonido, mientras que ofrecía melodías populares ("Tell me why") y temas rockeros ("Southern Man").

Para su cuarta oferta solista, Young siguió en la misma dirección que After the goldrush. Y dado que su último álbum fue un éxito, al entrar a las sesiones de grabación ya sabía que había una gran audiencia preparada y lista.

Neil Young: ‘Harvest’ (I)

Neil Percival Young siempre ha hecho lo que quería hacer musicalmente, con poca consideración sobre lo que otros (particularmente su compañía discográfica) quieren que haga. Pero el estilo de música con el que ha tenido el mayor éxito comercial es el Country/Folk, como lo demuestra el álbum Harvest.

Posiblemente el mejor artista de rock de Canadá de todos los tiempos (al menos un artista de rock singular), Young llamó la atención como miembro de los rockeros psicodélicos Buffalo Springfield, antes de saltar del barco e ir en plan solista (debut homónimo de 1968), uniéndose fuerzas con Crazy Horse y luego Crosby, Stills y Nash (que luego fueron rebautizados como Crosby, Stills, Nash & Young para el disco Déjà Vu, de los años 70).

Pink Floyd: "Atom Heart Mother" (IV)

Pink Floyd duró dos semanas en Roma y luego regresó a casa. Zabriskie Point apareció en febrero de 1970 y fue un fracaso rotundo. La banda sonora incluía solo tres pistas de Pink Floyd, completadas con canciones de Grateful Dead, entre otras.

Sin embargo, las tomas descartadas del grupo contenían una secuencia musical alrededor de la cual evolucionaría la suite Atom Heart Mother.

Pink Floyd: "Atom Heart Mother" (III)

Zabriskie Point fue la siguiente etapa en el variado viaje musical de Pink Floyd, pero el grupo descubrió rápidamente que Antonioni era un capataz imposible.

"Hicimos algunas cosas geniales", insistió Roger Waters. Sin embargo, el director, preocupado de que la música del grupo dominara su película, criticó todo: “Cambiarías lo que fuera que estuviera mal y él todavía estaría infeliz. Fue un infierno".

Pink Floyd: "Atom Heart Mother" (II)

El primer Pink Floyd había abrazado lo inesperado y el concepto de ser, como lo expresó el baterista Nick Mason, "más que un simple grupo pop".

Habían dejado de lanzar singles después de diciembre de 1968 y habían seguido su segundo álbum, A Saucerful Of Secrets de ese año, con un soundtrack para la película de arte More.

Pink Floyd: "Atom Heart Mother" (I)

Un álbum que terminó con una vaca en un campo en Potters Bar, Hertfordshire, comenzó más de un año antes en Roma.

El director italiano Michelangelo Antonioni había encargado a Pink Floyd que grabara su próxima película, Zabriskie Point. Llegaron a Roma para comenzar a grabar en noviembre del 69.

"The Crow", más que una cinta (IV)

“Pidieron nuestra participación. Es una pena que no lo hayamos hecho. Algunos grandes grupos aparecieron en la banda sonora. Me encantó el guion y había leído el cómic. Nos pidieron que volver a grabar 'Love will tear us apart' y 'Dead souls' como New Order para la película, pero Barney dijo: "¿Por qué alguien querría que New Order tocara una canción de Joy Division?" Eso fue el final de todo. Nine Inch Nails aprovecharía la oportunidad.

Entre otros grupos, el soundtrack de The Crow también contó con "Snakedriver" de The Jesus and Mary Chain. Y "Time Baby III" de Medicine, que se realizó en vivo en la película.

"The Crow", más que una cinta (III)

El 4 de enero de 1993, el productor Jeff Most escribió una carta al manager de New Order, Rob Gretton, preguntando si al grupo le gustaría participar en la banda sonora de la película.

Durante una subasta de caridad por sus diversos recuerdos de Joy Division, el bajista Peter Hook expresó su pesar porque New Order no participó directamente en la banda sonora, en tanto que Nine Inch Nails, había firmado para una versión de "Dead Souls" en la banda sonora en lugar de ellos:

"The Crow", más que una cinta (II)

La historia dice que a Robert Smith le gustó tanto el cómic que decidió escribir una nueva canción específicamente para la película. Así nació "Burn", una canción exclusiva para la película The Crow.

No sólo eso, Joy Division también es una influencia notable en el cómic original debido al hecho de que algunos capítulos llevan nombres de canciones como " Atmosphere " y "Atrocity exhibition". En un panel, Eric incluso cita una letra de la canción "Disorder" del álbum Unknown Pleasures.

"The Crow", más que una cinta (I)

El 29 de marzo de 1994, se lanzó la banda sonora original de la película dirigida por Alex Proyas, The Crow. Dicho soundtrack se reeditaría en vinilo en el año de 2019, con motivo de la celebración del 25 aniversario de la banda sonora.

Cuando se le pidió al grupo The Cure que proporcionaran una canción para la banda sonora de la cinta, la intención era originalmente usar su single de la era de pornografía "The hanging garden”, ya que James O'Barr, creador del cómic The Crow, reimprimió la letra de la canción en una página entera.

Serenidad Onírica (...)

Faltan 15 minutos para que dé cualquier hora de la mañana. Estoy despierto desde hace horas; pero no quiero levantarme; ¿para qué?; a nadie espero; tengo ningún pendiente; mejor permanezco así, quieto, boca arriba, mirando fijamente al techo; mirando, también, las lámparas que penden de él; mirando una ventana ligeramente entreabierta, a ella; la sumisa fotografía de ella sobre el escritorio a la distancia; ella, quien terminó desbaratando, tajantemente, mi serenidad onírica...

“Everybody knows this is nowhere” – (IV)

Everybody knows this is nowhere no llegó al Top 40 en EU y permaneció en las listas durante casi 100 semanas. Durante ese tiempo, Young se unió a Crosby, Stills & Nash para el álbum de 1970, Déjà Vu, antes de reanudar su carrera solista ese mismo año.

“Everybody knows this is nowhere” – (III)

Antes de grabar Everybody knows this is nowhere, Young reclutó a un trío de músicos originarios de una agrupación llamada The Rockets para ser la primera encarnación de Crazy Horse. Young compuso todo el material, gran parte del cual fue escrito en un solo día mientras se recuperaba de una fiebre alta, y coprodujo el álbum con David Briggs.

Sin embargo, los miembros de Crazy Horse jugaron un papel importante en la forja y la grabación de las canciones, agregando ritmos, coros y algunas secciones de jam instrumental largas.

“Everybody knows this is nowhere” – (II)

Young emigró de su Canadá natal al sur de California en 1966 y se encontró fortuitamente en la fundación del grupo Buffalo Springfield. Después de dos años y dos álbumes exitosos, dejó la agrupación para emprender su carrera en plan solista, lanzando su debut homónimo a fines de 1968.

Ese excelente álbum de folk-rock con tintes psicológicos fue tan desigual como interesante. Young más tarde comentaría que su disco debut fue "sobregrabado en lugar de tocado" e inmediatamente se propuso hacer un mejor disco.

“Everybody knows this is nowhere” – (I)

El segundo disco en solitario de Neil Young, Everybody knows this is nowhere, fue el primero de su serie de clásicos. Lanzado en mayo de 1969, este álbum también fue el primero en incluir a Crazy Horse, un grupo de apoyo que Young emplearía esporádicamente en décadas subsecuentes.

En este álbum, Young salta de un lado a otro entre el rock, el folk y el country, aterrizando algunas veces en un punto dulce personalizado ubicado en algún lugar entre los tres géneros.

"Whole Lotta Love" a la vista (V)

"Acabo de desvanecer la canción", dice, al reducir significativamente la parte instrumental de la canción al tiempo que conserva parte del magistral solo de Page. Lo publicaron y, en palabras de Greenberg, "el disco explota", llegando finalmente al puesto número 4 en EU (y en el puesto número 1 en varios países europeos).

"Whole Lotta Love" a la vista (IV)

Como jefe de promoción de radio del sello en ese momento, Greenberg reconoció que la canción no sería un éxito de radio AM con una duración de 5:33 porque no se ajustaba a las longitudes más cortas que los programadores de Top 40 requerían esencialmente para su formato.

Una vez que el grupo y su manager, Peter Grant, dieron su aprobación, Greenberg sugirió una edición bastante drástica, recortando el sencillo a un tiempo más "manejable": 3:05. Greenberg dice: “Puse el disco en el tornamesa, bajé la aguja. Observé el reloj y a las 2:45 estaban enganchados ... 'Quiero mucho amor ... mucho amor ...'

"Whole Lotta Love" a la vista (III)

Si bien Greenberg no firmó personalmente a Led Zeppelin, el legendario productor de Atlantic, Jerry Wexler, ayudó a establecer el legado de la agrupación. Cuando su segundo álbum, Led Zeppelin II, fue lanzado en octubre de 1969, el grupo no tenía historia en la radio Top 40.

"De repente, hay una pista, 'Whole Lotta Love' que está recibiendo una enorme exposición en la estación de FM", dice Greenberg.

"Whole Lotta Love" a la vista (II)

Greenberg tiene un documental en proceso, titulado tentativamente Man Behind the Music, donde  dedica gran parte a muchos de los grupos que firmó y con los que tuvo una gran influencia en su desarrollo, incluidos Foreigner, ABBA, Genesis y Motorhead, así como a docenas de otros con quienes trabajó estrechamente.

"Whole Lotta Love" a la vista (I)

Jerry Greenberg fue nombrado presidente de Atlantic Records en 1974, a los 32 años, el presidente más joven de una importante discográfica estadounidense. Greenberg supervisó las operaciones diarias de Atlantic durante lo que muchos definirán como la diana de lo que ahora llamamos la era del rock clásico... el período de 1970 que encabezó el desarrollo de grupos de rock superestrella como Led Zeppelin en la radio FM y que condujo a grandes ventas de álbumes y giras de estadios.

"Límite de la sombra" / Humberto Jaramillo Ángel

(…)

¿Quién buscará, mañana,

por los viejos caminos

o por las calles estrechas

tu sombra y la mía?

- Humberto Jaramillo Ángel

“No duermas más” / Jesús Rincón y Serna

(…)

No duermas más,

déjame esparcir tus cabellos,

déjame acariciar tus palomas.

- Jesús Rincón y Serna

“Cuestión de piel” / Martha Lucía Usaquén

(…)

A menudo naufrago en tus ojos

Corro el peligro de ahogarme

O me extravío en tus bosques

Caminándote espesamente.

- Martha Lucía Usaquén

"Here Are The Sonics!!!" (VII)

Empero, Here Are The Sonics!!! no fue un gran éxito comercial, su influencia reverberó en la industria musical durante más de una década después de su lanzamiento. El grupo lanzó un nuevo álbum, Boom, a comienzos de 1966, pero a fines de ese año su apogeo comenzó a disminuir.

"Here Are The Sonics!!!" (VI)

El resto del segundo lado presenta una mezcla de canciones de versiones contemporáneas. “Money (That’s what I want)” es el primer tema donde el grupo parece reservado ya que esta versión es más tranquila que la versión de The Beatles.

"Walking the Dog", de Rufus Thomas, ofrece un buen cambio de ritmo como una versión de rock blues, mientras que Roslie exhibe plenamente sus habilidades vocales en "Night time is the right time", de Lew Herman. Todo esto lleva al tema de cierre aparentemente lógico, "Good golly Miss Molly", ya que Roslie rinde homenaje a Little Richard con una agradable pista de piano.

"Here Are The Sonics!!!" (V)

"Dirty Robber" como una canción que Ormsby trajo con él de los Wailers, seguida de "Have love will travel". Tal vez la canción más pegadiza del álbum, el cover de Richard Berry presenta excelentes riffs y ritmos que respaldan un verdadero escaparate para las voces principales de Roslie.

El lado dos presenta un par de temas originales que parecen ser sobre el abuso del alcohol y las drogas, la regla de terror "Psycho" y "Strychnine", el oscuro rockero "Ode to posion" dirigido por un piano con un atractivo espacio para instrumentos entre los versos.

"Here Are The Sonics!!!" (IV)

Después del popular tema de apertura, vienen un par de covers. "Do you love me", de Berry Gordy Jr, bastante cerca del original, pero con voces de acompañamiento ligeramente diferentes, mientras que "Roll over Beethoven", de Chuck Berry, es una interpretación original con voces solistas duales y muy buenos riffs de guitarra.

"Boss Hoss", de Roslie, es el segundo tema original del álbum, con este rockero constante impulsado por el ritmo constante de Bennett y un buen saxo gruñido liderado por Lind.

"Here Are The Sonics!!!" (III)

Buck Ormsby, bajista contemporáneo de la agrupación Northwest the Wailers, firmó con el sello independiente de su banda, Etiquette Records, y asumió el rol de productor para su álbum debut. Las canciones fueron grabadas con un número limitado de micrófonos, dando una sensación de muy enérgica y alta fidelidad. Antes del lanzamiento del álbum, se lanzó el sencillo "The witch".

Escrita por Roslie, esta canción original que daría inicio al álbum presentaba un rumor sombrío de saxo, guitarra y órgano combinados con la voz tensa de Larry Parypa quien le da a la canción una ventaja que la adelantó a su tiempo. Por vía de la transmisión en estaciones de radio, se convirtió en uno de los singles independientes más vendidos en la región.

"Here Are The Sonics!!!" (II)

The Sonics se formaron en 1960 en Tacoma, Washington, por el entonces guitarrista y vocalista Larry Parypa. Aproximadamente un año después, el hermano de Larry, Andy Parypa, se unió al bajo con tres miembros de otra agrupación llamada The Searchers, el saxofonista y vocalista Gerry Roslie Rob Lind y el baterista Bob Bennett, quienes llegaron en 1963.

El grupo desarrolló un sonido basado en progresiones de acordes simples, velocidad y agresión tonal, y su repertorio en vivo comenzó a acelerarse en el área de Seattle hasta 1964 con el objetivo de "mover el piso y romper ventanas".

"Here Are The Sonics!!!" (I)

Here Are The Sonics!!!: álbum debut de 1965 del grupo estadounidense de rock de garage The Sonics. Dicha producción musical presenta una docena de canciones del rock más poderoso y optimista de aquellos días con algunos arreglos de impactante blues sin pulir, con pistas densas y superando los tres minutos de duración.

Con esta grabación de estudio, el grupo capturó finamente su mezcla en vivo de versiones y algunos originales mientras alcanzaban su máximo poder, convirtiéndola en una de las primeras influencias del género punk rock.

"Arquitectura" / Mario Montalbetti

(…)

El cuerpo es un lugar.

El amor

es una postura que adoptamos

en ese lugar. Una arquitectura.

- Mario Montalbetti

“Búnker” / Ángel Vargas

(…)

Tu cuerpo iba conmigo a todas partes

aunque el mundo cayera

a unos metros cuadrados del encierro.

Memorizamos cada espacio del búnker,

mapas de construcción donde la carne

era un oficio para evitar el miedo.

- Ángel Vargas

“Marrakesh Express” - Crosby, Stills & Nash (VIII)

Publicado en mayo de 1969, el álbum marcó a Crosby, Stills y Nash como el primer gran supergrupo de EU y proporcionó a la contracultura su banda sonora definitiva. “Marrakesh Express” fue lanzado como el sencillo inicial y llegó al Top 30 de Billboard.

En el Reino Unido alcanzó el número 17 y sigue siendo el único éxito en el Top 20 de toda la carrera de CSN. Es una canción que continúa ejecutándose en el corazón de su creador.

"Pensé que era una canción divertida cuando la escribí", dice Nash. “No es la mejor canción del mundo, pero a la gente todavía le gusta cuando la cantamos en vivo. Siempre que necesitemos algo alegre, eso es lo que buscamos”.

“Marrakesh Express” - Crosby, Stills & Nash (VII)

En noviembre de 1968, Nash dejó oficialmente a The Hollies, se dirigió a California y se instaló temporalmente en la casa de Crosby. Cuando estaba seleccionando seleccionar canciones para su álbum debut homónimo, Nash revivió “Marrakesh Express”.

Fácilmente la canción más pop del canon de CSN, fue grabada en el estudio de Wally Heider, en Los Ángeles, en febrero del 69. La guitarra de Stills avanza a toda velocidad, haciendo eco de la corriente del tren Casablanca de Nash e imbuyendo a la canción con una maravillosa sensación de optimismo boyante.

Hay un puñado de juegos de palabras sin sentido para comenzar, antes de que Nash comience a cantar en sus tonos más cálidos, exhortando a todos a subir a bordo. Casi puedes sentir la puesta de sol a través de las ventanas.

“Marrakesh Express” - Crosby, Stills & Nash (VI)

Crosby y Nash se encontrarían regularmente durante los próximos años y, para el verano de 1968, ambos se encontraron en una coyuntura crítica en sus respectivas carreras. Crosby había sido expulsado de The Byrds menos de un año antes.

Y aunque Nash ya había decidido dejar The Hollies, la permanencia de Stephen Stills en Buffalo Springfield también había llegado a su fin. Stills y Crosby habían estado metidos informalmente durante meses antes de que Nash fuera invitado al redil. La relación fue sensacional.

Basados ​​en la magistral interpretación de guitarra de Stills y en el despegue con sus magníficas armonías de tres vías, Crosby, Stills y Nash fueron una seria preocupación.

“Marrakesh Express” - Crosby, Stills & Nash (V)

No es que Nash no hubiera planeado para el futuro inmediato. En su primer viaje a Los Ángeles con The Hollies, en junio de 1966, le presentaron a Cass Elliot, de Mamas & The Papas. Ella, a su vez, le había presentado a David Crosby, cantante y compositor en The Byrds.

"Había estado en un ambiente de espectáculo con The Hollies", dice Nash, "pero Crosby y The Byrds no eran así. Entonces pudo haber una diferencia cultural, pero no hubo diferencias musicales con nosotros.

Sabía que hablaba en serio sobre su música, que The Byrds era una gran agrupación y que las cosas que me atraían de su música se debían principalmente a David. Cuando Cass nos presentó, fue una amistad instantánea.

“Marrakesh Express” - Crosby, Stills & Nash (IV)

No fueron sólo las melodías. El creciente interés de Nash en la contracultura y su estilo de vida significaba que era el único miembro de la agrupación en experimentar con el LSD y la marihuana.

Aunado al hecho de que “King Midas in reverse”, una de sus mejores composiciones, tan sólo había sido un éxito moderado, Nash buscó alejarse. "Sí, era obvio que mi carrera con The Hollies estaba llegando a su fin", subraya.

“Marrakesh Express” - Crosby, Stills & Nash (III)

La canción en sí fue escrita durante la gira yugoslava de The Hollies en junio de 1967. Fue una de una serie de nuevas canciones que mostraron el crecimiento externo de Nash como compositor de canciones mientras intentaba alejar a The Hollies de los confines del mercado de singles más hacia el reino experimental y lisérgico de contemporáneos como The Beatles y The Byrds, aunque el resto del grupo no compartió su visión.

Inicialmente reacios a grabar “Marrakesh Express”, The Hollies solamente llegó grabaron una pista de fondo en los estudios Abbey Road en abril de 1968. Nash explica que había escrito un montón de canciones similares en ese momento, entre ellas “Lady of the Island” y “Right between the eyes”, que a The Hollies tampoco les satisfizo.

“Marrakesh Express” - Crosby, Stills & Nash (II)

En 1966, Graham Nash hizo una peregrinación propia, una que provocó una de sus canciones más famosas. Estando de vacaciones, Nash compró un boleto y se subió a un tren desde Casablanca a Marrakech.

"Estaba en primera clase y había muchas mujeres estadounidenses adultas y ricas que tenían el cabello teñido de azul", señala Nash. “Rápidamente me aburrí de eso y volví a la tercera clase del tren. Ahí fue donde todo estaba sucediendo. Había mucha gente cocinando pequeñas comidas extrañas en pequeñas estufas de madera y el lugar estaba lleno de gallinas, cerdos y cabras. Fue fabuloso; todo fue fascinante".

Tan rica fue la experiencia que Nash la vertió en una vívida pieza de pop psicodélico: “Marrakesh Express”. Meliflua, despreocupada e irresistiblemente pegadiza, la letra hacía referencia a 'alfombra animal de pared a pared', 'algodones de colores' en el aire y 'encantadoras cobras en la plaza'.

Pero también insinuaron una vaga sensación de insatisfacción con la vida, como si Nash estuviera en una búsqueda indefinible de algo mejor. Particularmente las líneas: 'Barriendo telarañas desde los bordes de mi mente / Tuve que alejarme para ver qué podíamos encontrar.'

“Marrakesh Express” - Crosby, Stills & Nash (I)

Con la música pop de los años 60 tornándose psicodélica, Graham Nash, de The Hollies, escribió una canción sobre el sendero hippie en Marruecos. Aunque tuvo que esperar hasta que se asociara con David Crosby y Stephen Stills.

A finales de los años 60, Marruecos se estaba convirtiendo rápidamente en un punto de parada esencial en el nuevo sendero hippie. Era un lugar frecuentado por buscadores de todo tipo, desde viajeros y turistas aventureros hasta artistas, escritores y estrellas de rock.

Todos fueron atraídos por la exótica de este rincón histórico del norte de África, cuya embriagadora promesa de iluminación espiritual y hachís sirvió para derretir las convenciones de Occidente.

Live - "Throwing Copper" (II)

Poco más de 25 años después, Throwing Copper se destaca como una impresionante colección de canciones, destacando “I Alone” y “Lightning Crashes” que mantienen un sonido y musicalidad perfectamente vigentes.

Así, la música de Throwing Copper en realidad suena contemporánea y enfatiza que Live era algo por demás especial en aquellos días.

Live - "Throwing Copper" (I)

En 1994, el grupo Live, de Pennsylvania, sorprendió a todos con su segunda producción musical Throwing Copper.

Este fue un álbum lleno de grandes melodías, coros emotivos, así como una gran profundidad musical.

Producido por Jerry Harrison de Talking Heads, el álbum no encajaba con las tendencias en ese momento, cayendo en algún lugar entre Bon Jovi y Pearl Jam.

Boston - "Música a través de la ciencia" (II)

Lo que Scholz había creado era un álbum innovador: el Hard Rock elevado a un nuevo nivel de sofisticación melódica y producción de vanguardia. Pero odiaba ese eslogan. "Pensé que era una terrible reflexión sobre el álbum", dice Scholz.

"No puedo argumentar que puse mi experiencia técnica a trabajar cuando estaba tratando de hacer el disco. Pero la música en sí no tenía nada que ver con la ciencia. La música fue mi escape de ese mundo".

Boston - "Música a través de la ciencia" (I)

En agosto de 1976, Epic Records lanzó el álbum debut homónimo de Boston con un eslogan publicitario audaz: "Mejor música a través de la ciencia". Tom Scholz, el líder del grupo, pensó que eso era una mierda.

Scholz no era un músico de rock ordinario. Graduado del Instituto de Tecnología de Massachusetts, trabajaba como ingeniero de diseño de productos para Polaroid Corporation cuando se lanzó el álbum de Boston.

Había creado el álbum en un estudio del sótano que él mismo había construido, utilizando la nueva tecnología de grabación que había inventado. Trabajó principalmente solo, obsesionado con cada detalle de la música. Y lo hizo durante más de cinco años antes de que se completara el álbum.

Acerca de "Machine Head" (VI)

"Ese fue uno de los únicos solos que hice completamente en casa", dijo Blackmore. "La mayoría de mis solos fueron mejorados en el acto, pero ese fue arreglado antes de que entrara al estudio".

Después de terminar de grabar a fines de 1971, Deep Purple lanzó Machine Head el 25 de marzo de 1972. El sexto LP del grupo fue inmediatamente al número 1 en el Reino Unido y permaneció en las listas durante semanas, ayudado por sencillos como "Never before", "Lazy" y "Highway Star". Machine Head fue más lento en EU, en parte porque "Smoke on the water" no se lanzó como single sino hasta mayo de 1973.

La canción se convirtió en el single estadounidense más exitoso de Purple (que alcanzó el puesto número 4 en Billboard, al igual que "Hush" de 1968) y llevó su álbum al puesto número 7. En total, Machine Head pasó más de dos años en las listas estadounidenses, ya que Deep Purple se convirtió en uno de los pesos pesados ​​del Hard Rock conocidos en todo el mundo. Décadas después, sigue siendo el álbum más grande de la agrupación.

Acerca de "Machine Head" (V)

“Y supongo que comenzó como una broma. Ritchie consiguió una guitarra y comenzó a tocar, en tanto Ian comenzó a hablar sobre autos y se me ocurrió el título”, dijo Glover. “Estaba mirando por la ventana pensando: 'Bueno, aquí estamos en la carretera ... ¡Highway Star!' ¿Ya sabes? Simplemente se unieron y, de hecho, creo que lo tocamos esa noche, una especie de versión embrionaria. La mayoría de las grandes canciones en las que apenas tienes que trabajar".

Sin embargo, cuando se trataba de grabar la canción para Machine Head, Blackmore tuvo un poco de cuidado extra con su solo de guitarra, que estaba parcialmente inspirado en las obras clásicas de Bach. Aunque el guitarrista usualmente tomaba un enfoque de improvisación en sus solos durante las sesiones, "Highway Star" fue un poco diferente.

Acerca de "Machine Head" (IV)

Con un título en su lugar, Ian Gillan comenzó a escribir letras autobiográficas sobre lo que había sucedido cuando Deep Purple llegó a Montreux. Las palabras hicieron referencia a la ciudad, el fuego, Zappa y "Funky Claude" que ayudaron a los chavos a salir del edificio en llamas, y también cómo el grupo finalmente grabó lo que se convertiría en el álbum Machine Head.

Antes de completar "Smoke on the water", Deep Purple había grabado un montón de material, incluyendo "Pictures of home" y su vibrante solo de teclado Jon Lord, "Space Truckin '" con el ritmo palpitante de Ian Paice y "Highway Star" que el grupo ya había interpretado en vivo. Glover, Blackmore y Gillan escribieron el tema abridor de conducción en un autobús en el '71, después de que un periodista les preguntó sobre el proceso de composición de Deep Purple.

Acerca de "Machine Head" (III)

Sin nadie cerca, el quinteto podía hacer todo el ruido que quisieran. Fue mientras trabajaban en el Grand Hotel, que el bajista Roger Glover e Ian Gillan dieron forma a la legendaria canción de Deep Purple.

“Me desperté una mañana en el hotel y dije las palabras en voz alta, 'Smoke on the water'”, recordó Glover años después. “No tengo idea si vino de un sueño o de la imagen del humo que flotaba sobre el lago, el día del incendio del casino. Sea lo que sea, esas palabras me golpearon.

Acerca de "Machine Head" (II)

Mientras tanto, Deep Purple, que había cancelado su presentación, regresó a su hotel y observó cómo se incendiaba el casino. Afortunadamente, no se perdieron vidas. Incluso el camión móvil de los Stones, estacionado a un costado del casino, se salvó cuando fue llevado a un lugar seguro. Aunque Deep Purple no tenía lugar para grabar, tenían una historia increíble.

Aunque parte de su sustento estaba en escombros, Nobs se encargó de Deep Purple, buscándole lugares alternativos de grabación. Comenzaron en un teatro en Montreux, Le Pavilion, donde Ritchie Blackmore grabaría uno de los riffs más famosos de la historia del rock.

El crujiente instrumental era lo suficientemente atronador como para molestar a los residentes cercanos, que llamaron a la policía. Así, Nobs trasladaría a Deep Purple al abandonado Grand Hotel, en las afueras de la ciudad.

Acerca de "Machine Head" (I)

Sin metáforas: los integrantes de Deep Purple estaban viendo cómo se incendiaba su oportunidad de hacer un nuevo álbum. Los pioneros del Heavy Metal habían ido a Montreux, Suiza, en diciembre de 1971 para grabar su próximo LP con la ayuda del estudio móvil de The Rolling Stones.

El plan de Deep Purple era grabar nuevas pistas en el teatro del Casino de Montreux, que cerraba por mantenimiento cada invierno. Claude Nobs, fundador del legendario Festival de Jazz de Montreux y también promovió conciertos locales de rock, había organizado todo.

El grupo tendría acceso a las instalaciones después del concierto final de la temporada, a cargo de Frank Zappa y The Mothers of Invention. Pero "algunos estúpidos con una pistola de bengalas" alterarían la historia del rock.

“Con tanta oscuridad” / Ezequiel Carlos Campos

(…)

Me doy cuenta de la falta que me haces;

de tu sufrimiento al hablar por última vez,

antes de irte y me dijeras que querías estar sólo otro instante.

Me da miedo descubrir la falsedad

de los cuentos del cielo y el infierno,

de no encontrarte donde quedamos vernos.

- Ezequiel Carlos Campos

“Despedidas” / Daniel Pérez Segura

(…)

además,

cuando te vas,

dejas diciembre

recién nacido

a la deriva

y sé bien que

cuanto más

te acerques a tu casa

más lejos estaré

yo de la mía

- Daniel Pérez Segura

'Within You Without You', de Harrison (V)

Como nota al calce, la versión incluida en The Beatles' Anthology 2 es puramente instrumental y se desaceleran su clave y velocidad originales. Más tarde, en el año 1967, George continuó su exploración de ideas musicales indias cuando comenzó a trabajar en la banda sonora de la película Wonderwall.

'Within You Without You', de Harrison (IV)

El ingeniero de The Beatles, Geoff Emerick, hace un trabajo maravilloso al grabar el instrumento de una manera que mejora la pista. George fue el único Beatle en el estudio ese día, y son él y Neil Aspinall tocando tamburas, con el dilruba y el swarmandal interpretados por músicos indios del Asian Music Center en Finchley Road, al norte de Londres.

Dos dilrubas más (similar a una cítara, pero tocado con un arco) fueron sobregrabadas el 22 de marzo; se agregaron violines y violoncelos el 3 de abril. Más tarde esa noche, George grabó su voz principal, una parte de la cítara y una guitarra acústica. 'Within You Without You' se terminó y, según John Lennon, fue “una de las mejores canciones de George. También, una de mis favoritas. Él es claro en esa canción. Su mente y su música son claras".

'Within You Without You', de Harrison (III)

La segunda de las canciones de George con influencia india fue 'Love You To', grabada para Revolver. Su tercer tema fue 'Within You Without You', que abre el segundo lado de la banda original de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, la única canción del álbum no escrita por John Lennon o Paul McCartney.

George comenzó a escribir 'Within You Without You' en un armonio de pedal, y la canción fue etiquetada como 'Sin título' cuando la grabó en los Abbey Road Studios la noche del miércoles 15 de marzo de 1967.

Como George recordó más tarde: También pasé mucho tiempo con Ravi Shankar, tratando de descubrir cómo sentarse y sostener la cítara, y cómo tocarla. 'Within You Without You' fue una canción que escribí basada en una pieza musical de Ravi que había grabado para All-India Radio. Era una pieza muy larga, tal vez de 30 o 40 minutos, y estaba escrita en diferentes partes, con una progresión en cada una. Escribí una mini versión de la misma, usando sonidos similares a los que había descubierto en su pieza. Grabé en tres segmentos y los uní más tarde".

'Within You Without You', de Harrison (II)

En octubre de 1965, George fue grabado por primera vez tocando una cítara, en la pieza 'Norwegian Wood (This Bird Has Flown)', para el disco Rubber Soul. "Fui y compré una cítara en una pequeña tienda en la parte superior de Oxford Street llamada Indiacraft", dijo más tarde.

“En realidad, era de una calidad realmente mala, pero la compré y la fastidié un poco. De todos modos, estábamos en el punto donde habíamos grabado la pista de acompañamiento de 'Norwegian Wood' y necesitaba algo. Por lo general, comenzábamos a mirar a través del armario para ver si podíamos encontrar algo, un sonido nuevo, y yo levantaba la cítara, sólo estaba por ahí; realmente no había descubierto qué hacer con eso. Fue bastante espontáneo: encontré las notas. Se ajustó y funcionó".

'Within You Without You', de Harrison (I)

La canción 'Within You Without You' fue grabada por George Harrison el 15 de marzo de 1967 y terminó a principios del mes siguiente. Sigue siendo una de sus canciones más notables. Hay quienes simplemente suponen que el amor de George Harrison por la música de la India data de la época en que él y los otros Beatles asistieron a la conferencia de Maharishi Mahesh Yogi en Londres, el 24 de agosto de 1967. Empero, el interés de George se despertó en abril de 1965. cuando el grupo filmaba Help! en abril de 1965.

Recuerdo levantar la cítara y tratar de sostenerla y pensar: 'Este es un sonido gracioso'. Fue algo incidental, pero en algún momento empecé a escuchar el nombre de Ravi Shankar. La tercera vez que lo escuché, pensé: 'Esta es una extraña coincidencia'. Y luego hablé con David Crosby, de The Byrds, y mencionó el nombre. Fui y compré un disco Ravi; lo puse y me tocó un cierto punto que no puedo explicar, pero me pareció muy familiar.

La única forma en que podía describirlo era: mi intelecto no sabía lo que estaba sucediendo y, sin embargo, esta otra parte de mí se identificaba con él. Simplemente me llamó... Pasaron unos meses y luego conocí a este tipo de la organización Asian Music Circle que dijo: 'Oh, Ravi Shankar vendrá a cenar a mi casa. ¿Quieres venir también?'"

Emerson, Lake & Palmer: “Tarkus” (III)

“Nos centramos primero en una pieza central para establecer un concepto. A veces no sabíamos si se convertiría en un trabajo conceptual en absoluto. Todas las composiciones tuvieron que unirse y acoplarlas, y si no lo hicieron, se emplearon en otro lugar".

Emerson, Lake & Palmer: “Tarkus” (II)

"Después del lanzamiento del primer álbum de ELP y durante la grabación en vivo de Pictures at an exhibition, fue una coincidencia que Carl Palmer y yo estuviéramos trabajando individualmente en el mismo tipo de ideas complejas de ritmo", recordó Keith Emerson.

“Estaba haciendo esto en sus pads de batería de práctica, mientras yo estaba en casa con un piano vertical en Londres y un Steinway en Sussex. Como mis ideas parecían complementar lo que estaba haciendo Carl, seguí esta dirección.

Emerson, Lake & Palmer: “Tarkus” (I)

Para Emerson, Lake & Palmer, el año 1971 representó una oportunidad para establecer que esta unión de tres talentos gigantes era más que un mero supergrupo, sino la posibilidad de que el grupo se convirtiera en un elemento firme en la escena progresiva.

Su álbum debut homónimo del año anterior había mostrado algunas actuaciones espectaculares, incluso si las canciones en sí habían sido un poco desiguales. Tarkus fue su oportunidad para abordar eso.

“Resaca” / Angélica Barrera

hay un silencio que desdice la orilla de tu piel

una falda de anémonas

sabor espuma

y son mis dientes un naufragio

una voz que calla

(...)

y las olas acarician como un final deshecho

como mil dedos sin color

conchas

cada grano de arena

debajo de mis pies

- Angélica Barrera

“Aprisionada por la espuma” / Eunice Odio

(…)

Porque eso es tu cuerpo:

un adentro, un afuera compartido

por mí y por el viento,

por el mar y los seres que lo guardan;

por el color y las embestidas del otoño,

y las andanzas del verano

¡que viste cosas silvestres

y es custodio de las abejas

y funde las hierbas en un crisol matutino,

en una prolongación de azucenas.

- Eunice Odio

Anyway (...)

Nos conocimos

porque tenía que pasar,

y aunque no fuera ese día,

tarde o temprano

nos habríamos conocido en otro lugar.

- Haruki Murakami