(…)
Y ahora no sé
Que hubo
de real
en todo eso.
Czesław Miłosz
viernes, 30 de noviembre de 2018
"Poesía" - Felipe García Quintero
De tal suerte que
en la Poesía
está el
regreso al sentido,
la posibilidad
de tornar al espacio nuestro
nombrando el
lugar de la pérdida.
Así la infancia
o el amor,
territorios de conquista,
lugares
del fracaso que a la Poesía le son
tan entrañables.
- Felipe García Quintero
"No pienso en otra cosa" - Claudio Bertoni
(...)
Me asusta X y sus libidinosas
visitas dominicales
Gime sin cesar
Levanta su abdomen como una
tabla
Me gusta
No pienso en otra cosa.
- Claudio Bertoni
“dentro de poco...” - Claudio Bertoni
dentro de poco
–5 minutos–
te besaré.
abriré tu boca
con mi lengua y
te lameré las muelas.
- Claudio Bertoni
“Lo que vemos pasar por la vereda” - Claudio Bertoni
(...)
lo que vemos pasar por la
vereda
son abismos.
abismos que conversan:
para no devorarse a sí mismos
para no desbarrancarse
para no despeñarse dentro de
sí mismos.
Claudio Bertoni
Costumbre (...)
‘Hasta lo inesperado
acaba en costumbre
cuando se ha aprendido a soportar.’
Todos los fuegos el fuego,
de
Julio Cortázar.
Brian Jones, innovador musical y multiinstrumentista (IV)
El creciente alejamiento de Brian Jones del
grupo, desde 1967 en adelante, lo llevó a sentirse aislado e infeliz con la
dirección musical de The Rolling Stones.
A principios de 1969, decidió
abandonar la agrupación que había ayudado a formar para tratar de encontrar una
nueva dirección musical para sus indudables talentos.
Trágicamente, en las
primeras horas del 3 de julio de 1969, con 27 años de edad, Brian se ahogó en
la piscina de su nuevo hogar en Ashdown Forest, Sussex.
Brian Jones, innovador musical y multiinstrumentista (III)
Brian pronto viajaría a Londres, donde iría
al club Ealing Blues con el grupo de Alexis Korner. Una noche, Mick Jagger y
Keith Richards, en una visita al club, vieron a Brian tocar la guitarra slide y
quedaron impresionados con su interpretación de 'Dust my broom' de Elmore
James.
Poco después de esto, Brian, Ian Stewart, Keith y Mick comenzaron a
ensayar en el pub Soho's Bricklayers Arms y el 12 de julio de 1962 reemplazaron
a la banda de Alexis Korner en el Marquee Club: fueron nombrados The Rollin
'Stones.
La destreza musical de Brian no se extendió a
la composición, pero se pueden escuchar ejemplos de su talento en numerosas
grabaciones de los Stones, entre ellas, su guitarra slide en 'I'm a king bee',
'Little Red Rooster' y 'No expectations' del disco Beggars Banquet. Toca la cítara en 'Street fighting man' y 'Paint it,
Black', el órgano en 'Let's spend the night together', la marimba en 'Under my
thumb' y 'Out of time', la flauta en 'Ruby Tuesday'; el clavecín en 'Lady
Jane', el saxofón y oboe en 'Dandelion', el mellotron en 'She's a rainbow'; la armónica
en 'Not fade away', '2120 South Michigan Avenue' y 'Prodigal son'.
Brian Jones, innovador musical y multiinstrumentista (II)
Nació con el nombre de Lewis Brian Hopkin
Jones en el Park Nursing Home en Cheltenham, Gloucestershire, el sábado 28 de
febrero de 1942. Sus padres eran acomodados, de clase media y Brian fue a una
escuela secundaria de paga antes de obtener un lugar en la escuela local primaria
donde sobresalió. El padre de Brian, quien tocaba el piano y el órgano, además
de dirigir el coro en su iglesia local, tenía grandes esperanzas de que su hijo
siguiera sus pasos y fuera a la universidad.
La pasión principal de Brian era la música y
alrededor de los 16 años, escuchó su primer disco de Charlie Parker y, como
resultado, persuadió a sus padres para que le compraran un saxofón. Esto
resultó, como muchas cosas con Brian, ser una fase pasajera, y para su
decimoséptimo cumpleaños, le obsequiaron una guitarra acústica.
Después de
abandonar la escuela y decidirse en contra de la universidad, Brian tuvo una
sucesión de trabajos antes de ir a ver a la Chris Barber Band tocar en un
concierto en el Ayuntamiento de Cheltenham en 1961; su set incluyó un segmento de blues con Alexis Korner. Brian se
obsesionó con el blues, practicando la guitarra slide mientras escuchaba los discos de Elmore James y Robert
Johnson.
Brian Jones, innovador musical y multiinstrumentista (I)
De vivir, Brian Jones tendría 76 años. Sin
embargo, murió con tan sólo 27 años, el 3 de julio de 1969. Estuvo en The
Rolling Stones durante siete años y su importancia para la agrupación en esos
primeros días no puede subestimarse. Fue un innovador y, a pesar de su vida
problemática, su influencia en la música debe ser reconocida.
Brian Jones fue una de las primeras personas
en Gran Bretaña en tocar la guitarra con el efecto slide. Su musicalidad, especialmente en los primeros días del grupo,
agregó tanto los singles que
impulsaron a The Rolling Stones a las listas de éxitos; fue su sentido de la
moda y su peinado, lo que atrajo tanto a hombres como a mujeres, lo que fueron
copiados por otros grupos de ambos lados del Atlántico.
miércoles, 28 de noviembre de 2018
Legado de The Who (X)
En 2002, en vísperas de otra
gira por EU, la vida de John Entwistle,
de 57 años, terminó con el estilo de
estrella de rock por excelencia.
Murió de una sobredosis de cocaína
en una habitación de hotel de Las Vegas con una stripper.
"Estábamos al comienzo
de una gira y teníamos dos opciones",
explica Daltrey. "Podríamos parar, y ese
sería el final de The Who, o aún tendríamos la música". Una vez que
tengas la música y la hayas creado, siempre estará ahí, y la música nos ayudó a hacerlo".
Legado de The Who (IX)
Dentro y fuera del escenario, The
Who tocó duro, tanto que la magia no
estaba destinada a durar. Keith Moon murió de una sobredosis de drogas en
1978.
"Fue el hombre más
gracioso que he conocido en mi vida", dice Daltrey sobre su compañero de grupo.
Todo en él era enorme. "Era el más generoso, el más mezquino, el más
rencoroso, el más cariñoso, el más amoroso, el más odioso, todo en él era una locura".
Legado de The Who (VIII)
The Who no regresó durante casi 40 años, pero tocaron en casi todos
los demás lugares, ya que continuaron creando canciones exitosas que han pasado
la prueba del tiempo, incluida la épica “Who
Are You”.
"Creo que Pete escribió
esa canción después de una noche muy
borracha con los Sex Pistols", recuerda Daltrey. "Estaba tan
borracho, se cayó por la puerta y decidió dormir un poco. Así que en ese fue
Pete despertándose en la entrada de Soho, ya sabes, '¿Quién jodidos eres?"
Legado de The Who (VII)
"Casi terminamos en la
cárcel... sin bromear. Pero igualmente, hizo que todos los jóvenes de EU quisieran
venir a ver a The Who".
A diferencia de los otros
miembros del grupo, Daltrey se mantuvo alejado
de las drogas para proteger su voz.
Sin embargo, fue un voluntarioso participante en todo el caos, incluida una gira salvaje de 1968 por Australia. El
primer ministro de la época, John Gorton, aparentemente estaba tan disgustado
que disparó un telegrama al grupo.
Daltrey aún recuerda el
mensaje. "Dijo: 'Queridos Who, nunca los quisimos en nuestro país, en
primer lugar'", subraya. "’ Y tampoco los queremos de vuelta". Pete enfatizó: "Cierto. "Nunca
regresaremos".
Legado de The Who (VI)
Los admiradores nunca imaginarían
lo que The Who haría a continuación: en una gira por EU cuando Keith llevó las cosas demasiado lejos.
"Keith decide que quiere
que salga un poco más el bombo, y con la ayuda de una botella de brandy, un par
de copas y una pequeña charla con el pirotécnico, logró que la carga pasara a
ser similar a una granada de mano",
rememora Daltrey. "Hubo una gran explosión que me echó de bruces, el
cabello de Pete, en el aire, estaba en llamas".
Legado de The Who (IV)
"Fue como poner la llave
en el motor de un jet - de repente, se elevó a un nuevo nivel", recuerda
Daltrey. "Era bastante obvio que Keith
estaba trayendo algo al grupo... era el pegamento que haría que nos transformáramos,
que llegara Keith". Nuestro
algoritmo se formó, virtualmente, esa noche.
En el escenario, The Who fue
una explosión de energía sudorosa, ego y excentricidades, todo ello respaldado
por una extraordinaria musicalidad.
Su tarjeta de presentación terminó siendo la destrucción de sus instrumentos en el escenario.
Legado de The Who (III)
"Si querías algo, salías
y ganabas el dinero para comprarlo, y si era algo que no podías pagar, lo construías".
Daltrey explica que eso fue exactamente lo que hizo con su primera guitarra.
“Eso fue bastante común para muchos rockeros. Al igual que Keith Richards construyó su primera guitarra. La primera guitarra
de Keith fue probablemente tan buena como la mía... que fue bastante horrible".
Daltrey prontamente
reclutaría al compositor y guitarrista
Pete Townshend, al bajista John
Entwistle y a un baterista de ojos locos: Keith "the Loon" Moon.
Legado de The Who (II)
"Es una declaración de genio:" la gente trata de desanimarnos".
Es lo mismo para todas las generaciones, es
la prueba del tiempo, y siempre lo será porque hay algo en ese período de
nuestras vidas que nunca olvidaré. Es toda esa frustración, no te entienden, no
te escuchan".
Mucho más tarde, Daltrey
convertiría su frustración juvenil en la innovadora
ópera rock Tommy.
Legado de The Who (I)
Roger Daltrey y The Who
fueron unos revolucionarios del rock.
Eran sexys, peligrosos, estaban al borde de la locura. Una pasión cruda por el
poder de la música.
Daltrey señala por qué su
música sigue siendo tan popular hoy en día, especialmente la canción “My
Generation”. Daltrey apunta: “Recuerdo el día en el estudio, arruinando la
primera línea. Al principio fue un error, porque tartamudeo y lucho todo el
tiempo".
Las reservas de Nash hacia Young (II)
Nash admite que tanto él como David Crosby estaban
conscientes de que "no eran lo suficientemente fuertes" como
guitarristas para ofrecer lo que Stills necesitaba. Sin embargo, no se
impresionó cuando el jefe de Atlantic
Records, Ahmet Ertegun, sugirió que Young era su hombre. "No estoy muy
contento con esto", recordó haber pensado.
"No pensé que deberíamos
meternos con la combinación vocal que habíamos creado. Pero reconocí que Stephen necesitaba a alguien con quien tocar.
Así que un día decidí ir a desayunar con Neil Young en la calle Bleecker de la
ciudad de Nueva York”.
Ese fue el momento que cambió
todo. "Después de ese desayuno, lo habría hecho presidente, a pesar de que
es canadiense", subraya Nash. "Fue tan divertido, directo y
refrescante que después de desayunar con
Neil, obtuvo mi voto".
Las reservas de Nash hacia Young (I)
Graham Nash recordó oponerse
a la integración de Neil Young a Crosby, Still &Nash, y cómo una
reunión en un desayuno cambió de opinión. El incidente tuvo lugar después del
lanzamiento en 1968 del álbum de debut
homónimo del trío, mientras consideraban los desafíos de las giras.
"Sabíamos exactamente lo
que teníamos", dijo Nash. “Sabíamos que era único, sabíamos que era diferente, que la combinación vocal era fabulosa,
que nadie había escuchado algo así, y sabíamos que las canciones estaban bien.
"Cuando haces un disco, lo más obvio es ir de gira, promocionar el disco y
obtener más experiencia. Nos dimos cuenta de que Stephen Stills realmente necesitaba alguien contra quien tocar,
como guitarrista principal, porque
estaba acostumbrado a tocar contra Neil en Buffalo
Springfield, conversando con Neil a través de sus guitarras eléctricas".
martes, 27 de noviembre de 2018
Un zurdo de apellido Hendrix...
Noviembre 27 de 1942: nace Jimi Hendrix (de nombre real Johnny Allen Hendrix), en Seattle,
Washington (EU). Guitarrista, cantante y compositor de rock psicodélico. Para muchos fue el último gran revolucionario del rock y, desde luego, es uno de los
guitarristas más influyentes del género. Murió en 1970, convertido en un icono generacional y musical.
Discos
editados en vida: Axis: bold as love
(1967), Are you experienced? (1967), Electric ladyland (1968). La extensión
de su discografía post mortem es
completamente descomunal e inabarcable.
El zurdo guitarrista comenzó
a tocar la guitarra a la edad de 15 años.
En 1961, se alistó en el Ejército de EU y se entrenó como paracaidista en la 101 División Aerotransportada; se le concedió un
alta honorable el año siguiente. Poco después, se mudó a Clarksville,
Tennessee, y comenzó a tocar en el Circuito
de Chitlin, ganando un lugar en el grupo de apoyo de los Isley Brothers y
más tarde con Little Richard, con
quien continuó trabajando hasta mediados de 1965.
Posteriormente, tocó con
Curtis Knight y los Squires antes de
mudarse a Inglaterra a fines de 1966,
luego de ser descubierto por Linda Keith,
quien a su vez interesó al bajista Chas
Chandler de los Animals a
convertirse en su primer manager.
En unos meses, Hendrix había
obtenido tres éxitos en el Reino Unido con la Jimi Hendrix Experience: "Hey Joe", "Purple
Haze" y "The Wind Cries Mary". Alcanzó la fama en EU, después de
su actuación en el Monterey Pop Festival
en 1967, y en 1968 su tercer y último álbum de estudio, Electric Ladyland, alcanzó el número uno
en EU; fue el lanzamiento más exitoso comercialmente de Hendrix y su primer y
único álbum número uno.
El artista mejor pagado del
mundo, encabezó el Festival de Woodstock
en 1969 y el Festival de la Isla de
Wight en 1970, antes de su muerte accidental por asfixia relacionada con
barbitúricos el 18 de septiembre de 1970,
a la edad de 27 años.
Harrison lanza "All Things Must Pass" (VIII)
Con todo su tamaño, peso y
fuerza gravitatoria, All Things Must Pass
reforzó el hecho de que el álbum podría
ser una novela épica para un tipo de edad diferente. Tal vez esa sea la
época en la que vivimos ahora, en la que la música se almacena en bibliotecas digitales y listas de reproducción de transmisión. Si All Things Must Pass trató de enviar
algún mensaje, fue el de la impermanencia.
De los múltiples trabajos solistas
de George Harrison, All Things Must Pass
es el lugar para comenzar. Se tiene el
contexto detrás, lo que parece que hace que escuchar sea más interesante. Empero,
la marca que dejó George Harrison en el mundo de la música sigue ahí.
Harrison lanza "All Things Must Pass" (VII)
Los litigios y las apelaciones
continuaron durante años después del fallo inicial hasta marzo de 1998.
"No me siento culpable o malo por ello", escribió Harrison. "De
hecho, salvó la vida de muchos adictos a la heroína. Sé el motivo detrás de escribir la canción en primer lugar, y su
efecto superó con creces la molestia legal".
Harrison lanza "All Things Must Pass" (VI)
A pesar de estas ideas
espirituales, Harrison fue demandado por
plagio. Unos meses después del lanzamiento de "My Sweet Lord",
Harrison fue demandado por infracción de derechos de autor por el editor de la
canción "He's So Fine", de
The Chiffons, que se lanzó en 1963. En 1976, un juez dictaminó que Harrison era
culpable de “Plagio subconsciente”.
"¿Harrison usó
deliberadamente la música de 'He's So Fine'? No creo que lo haya hecho
deliberadamente”, dijo. "Sin embargo, está claro que 'My Sweet Lord' es la
misma canción que 'He's So Fine' con diferentes
palabras, y Harrison tuvo acceso a 'He's So Fine'. Esto es, según la ley,
la infracción de los derechos de autor,
y no lo es menos, aunque se haya logrado inconscientemente".
Harrison lanza "All Things Must Pass" (V)
El álbum también fue
increíblemente popular en su momento de lanzamiento. All Things Must Pass pasó
siete semanas en el No. 1 en la lista del álbum, y el sencillo "My Sweet Lord" estaba en la misma ranura en la
lista de singles.
Temáticamente, este álbum fue el más espiritual de
cualquiera de los Beatles. Harrison se basó en gran medida en la filosofía oriental a la que el Maharishi le había expuesto.
Canciones
como "My Sweet Lord" reflejan una cierta fusión de filosofías religiosas y una idea madura de que todas las
religiones están tratando de acceder a la misma cosa.
Harrison lanza "All Things Must Pass" (IV)
Lo que George Harrison hizo
con All Things Must Pass fue más allá del trabajo de cualquiera de
los Beatles por separado. Después de años de estar limitado a su papel en un
grupo, Harrison finalmente tuvo un lugar donde poner todas las nuevas canciones
que habían estado creciendo en su mente.
All Things Must Pass se
lanzó como un álbum de triple LP, una enorme cantidad de música y vinilo
que reveló la riqueza de talento
escondida durante tantos años. Los dos primeros LP del álbum eran de más o
menos canciones estándar, pero incluían un tercer disco extra que consistía
principalmente en sesiones de
interferencia, llamadas "Apple Jams".
Harrison lanza "All Things Must Pass" (III)
All Things Must Pass fue el surgimiento
de Harrison como un compositor
que podía enfrentarse a Lennon y
McCartney en su mejor momento. También fue una declaración de su individualidad después de la ruptura de The
Beatles. La portada del álbum refleja esto, representando a Harrison sentado
alrededor de cuatro gnomos de jardín derribados.
Harrison lanza "All Things Must Pass" (II)
Si bien ambos son
considerados álbumes solistas de
Harrison, el propio Harrison no estuvo de acuerdo. Para él, All Things Must Pass fue su primer álbum solista. Después de
todos sus años en The Beatles, la broma se había convertido en que Harrison únicamente
escribía una canción por álbum. Esto se debió en gran parte al control creativo en el equipo por parte de la mancuerna Lennon / McCartney.
Harrison lanza "All Things Must Pass" (I)
Después de que The Beatles se disolvieron, George Harrison, el integrante que a
menudo solía ser ignorado, comenzó a escribir y grabar canciones para un álbum solista. Por supuesto,
Harrison había lanzado otro trabajo solista antes durante su etapa como Beatle:
Wonderwall Music lanzado en 1968, pero fue un álbum mayormente instrumental. Un año
después, Harrison lanzó otro álbum experimental, Electric Sound.
Nuevamente, Beatles son # 1 (III)
La colección, adornada con un
número uno amarillo sobre un fondo rojo, supera todas las expectativas.
Aterriza en el número 1 en más de 30
países, incluido un debut en el ranking
en EU.
El álbum no sólo vende 3.6 millones de copias en su primera
semana, sino que también se convierte en el álbum más vendido de la década
en EU (y en todo el mundo) con más de 31
millones de copias vendidas en todo el mundo.
En 2015, el álbum se vuelve a
publicar como 1+, un conjunto de tres discos que incluye
secuencias de video y comentarios de Paul y Ringo.
Nuevamente, Beatles son # 1 (II)
Comenzando en el período de
los primeros años de la década de los 60, el álbum se abre con "Love Me Do" y se abre paso a
través de los singles que inducen a la
Beatlemania: "She Loves You",
"I Want To Hold Your Hand" y "Can't
Buy Me Love" antes de pasar a las sesiones de estudio experimental de Revolver, con" Eleanor Rigby" y
"Yellow Submarine".
Después de un tour de Magical Mystery Tour a través de
"Penny Lane" y "All You
Need Is Love", la era de Apple Records de "Hey Jude",
"Get Back" y "Let It Be", termina en la pista final, "The Long and Winding Road".
Nuevamente, Beatles son # 1 (I)
Noviembre 27 de 2000: The Beatles tienen el álbum número 1 en
EU con una colección de sus 27 éxitos
más importantes, apropiadamente titulados 1, lo que demuestra que su atractivo abarca generaciones.
Lanzada en el 30 aniversario de la ruptura del grupo,
la lista de éxitos fue compilada por el productor
George Martin y los últimos tres miembros sobrevivientes de los Beatles,
Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, y remasterizados en Abbey
Road Studios.
lunes, 26 de noviembre de 2018
“Los encuentros” - José Watanabe
(…)
Me descubrí anotando
que la gravitación universal no tiene
contingencias, azar
ni cáncer.
Estaba yendo hacia el poema
y me abstuve:
ese hombre está en juego, dije.
Y salí del planetario y me entropé con la
gente.
Ninguna seguía, como los planetas, una órbita
precisa.
José Watanabe
“Silencio” - Edgard Lee Master
(…)
y nosotros enmudecemos en presencia
de las realidades
nos quedamos sin habla.
Edgard Lee Master
Soyuz TM-7 y Pink Floyd (V)
"La programación era un
poco más floja en esos días", dijo David
Gilmour a The Guardian en 2009,
"y si un productor de un programa nocturno tenía ganas de hacerlo, harían algo fuera de lugar... Fue una transmisión en vivo, y había un
panel de científicos en un lado del
estudio, con nosotros en el otro.
Soyuz TM-7 y Pink Floyd (IV)
Además, el 20 de julio de
1969, Pink Floyd se presentó en un estudio de televisión de la BBC, interpretando una improvisada versión
instrumental en tanto la estación transmitía imágenes del primer aterrizaje
lunar.
El programa de la BBC, Omnibus: So What If It, Just Green Cheese,
contó también con la presencia de los actores Dudley Moore, Ian McKellan,
Michael Hordern y Judi Dench junto a Pink Floyd.
Soyuz TM-7 y Pink Floyd (III)
Efectivamente, en la década
de los años 70, Pink Floyd escribía canciones más sobre asuntos terrenales que acerca de las emociones humanas. Empero, musicalmente, muchos de sus mejores paisajes sonoros de ensueño (“Echoes” y “Shine On You Crazy Diamond”, por nombrar solo dos) aún evocan la sensación de flotar en el espacio, bien
desconectados del planeta Tierra.
Soyuz TM-7 y Pink Floyd (II)
A pesar de que Waters rechazó la etiqueta, Pink Floyd
tenía antecedentes. En la entrevista de Zigzag,
Waters admitió a regañadientes que sí, habían
escrito tres canciones que encajaban a la perfección: “Set the controls for
the heart of the sun”, “Astronomy Domine” y “Let There Be More Light”.
Waters admitió que había
tomado prestadas la letra de “Set The Controls...” de un libro de antigua poesía china en lugar de una novela de ciencia ficción. Dicho esto, “Astronomy
Domine”, de 1967, comenzó con el sonido de Pink Floyd.
Mientras tanto, “Let there be more light”, una canción
escrita por Waters y lanzada como single
de EU, en 1968, se basó en un cuento narrado por uno de los roadies de Pink Floyd quien afirmaba
haber visto aterrizar una nave espacial
en los pantanos de Mildenhall, en Cambridge.
Lennon en Abbey Road...
Noviembre 26 de 1969: John Lennon trabaja en una canción de los
Beatles por última vez cuando mezcla "You
Know My Name (Look Up The Number)" en Abbey Road Studios. La canción se utiliza como el lado B de su single "Let It Be".
Soyuz TM-7 y Pink Floyd (I)
Pink Floyd quizá pudo haber manifestado animadversión hacia el término "rock espacial". Pero
en 1988, su música fue la banda sonora elegida por la tripulación de la nave soviética Soyuz TM-7.
En marzo de 1973, Roger Waters
y Nick Mason fueron entrevistados en
la revista británica de rock Zigzag. Pink
Floyd acababa de lanzar The Dark Side Of
The Moon cuando se les preguntó qué pensaban acerca de que su música fuera
descrita como "rock espacial".
Waters respondió: "Casi nunca leo ciencia ficción... La
gente escucha Dark Side Of The Moon y
lo llama "rock espacial" sólo porque tiene Moon en el título..."
Pink FLoyd, en el espacio
Noviembre 26 de 1988: los cosmonautas rusos a bordo del Soyuz 7 llevaron al espacio una copia
en casete (excepto la caja del cassette, por motivos de peso) de la más
reciente producción musical de Pink
Floyd: Delicate Sound Of Thunder
y lo reprodujeron en plena órbita, haciendo de Pink Floyd el primer grupo de rock en tocar en el espacio.
Los integrantes de la agrupación británica David Gilmour y Nick Mason asistieron al lanzamiento de la nave espacial soviética Soyuz TM-7.
Memorabilia punk, en llamas...
Noviembre 26 de 2016: Joe Corré, el hijo del manager de la agrupación punk Sex Pistols, Malcolm McLaren, prende fuego a los recuerdos punk desde un bote en el río Támesis para protestar por
la apropiación del género.
El truco es un guiño a la
actuación disruptiva que tuvo lugar en el río por parte de los Sex Pistols para promover Anarchy
in the U.K. 40 años antes, cuando tocaron
desde un barco durante las celebraciones del Jubileo de Plata para la reina
Isabel II.
domingo, 25 de noviembre de 2018
"Residua" - Ida Vitale
(...) De la memoria sólo sube
un vago polvo y un perfume.
¿Acaso sea la Poesía?
(Ida Vitale)
Concierto "The Last Waltz", de The Band (V)
Algunos sienten que Scorsese
se centró demasiado en el guitarrista /
escritor Robbie Robertson en la película, entre ellos el fallecido Levon Helm. También afirmó que los
restantes miembros del grupo, más allá de Robertson, nunca obtuvieron ningún ingreso de la película. Si es así, pone una
mancha en un evento que desde todas las perspectivas externas parece casi perfecto en todos los
sentidos.
Concierto "The Last Waltz", de The Band (IV)
La película The Last Waltz y el soundtrack de 3 LP del concierto
salieron en 1978 con gran éxito por
parte de la crítica. La película está considerada como una de las mejores películas de conciertos de rock
que se hayan hecho.
Concierto "The Last Waltz", de The Band (III)
Martin Scorsese filmó todo el concierto en una película de 35 mm
con siete cámaras. Algunos de ellos fueron dirigidos por distinguidos cineastas
como Michael Chapman (Raging Bull), Vilmos Zsigmond (Close
Encounters of the Third Kind) y László
Kovács (Easy Rider, Five Easy Pieces).
El conjunto fue de la producción de La Traviata de la Ópera de San Francisco; candelabros de cristal también fueron colgados sobre el escenario.
Concierto "The Last Waltz", de The Band (II)
El promotor del concierto, Bill Graham, ofreció una cena de acción de
gracias para la multitud de cinco mil personas a las 5 p.m. el 25 de noviembre de 1976, seguido de un
baile de salón con música de la Orquesta
de Berkeley Promenade.
Los poetas Lawrence
Ferlinghetti, Lenore Kandel, Diane Di Prima y Michael McClure hicieron lecturas. The Band entró y se lanzó con "Up
on Cripple Creek" aproximadamente a las 9 p.m., tocando un conjunto de
11 de sus canciones más conocidas
con una sección organizada por el ahora fallecido Allen Toussaint antes de que los invitados se unieran a ellos.
Concierto "The Last Waltz", de The Band (I)
Noviembre 25 de 1976: fue el
concierto de despedida de un grupo tan influyente como cualquiera en su época,
y querido y respetado por sus compañeros, The
Band. Por lo tanto, los invitados que se unieron a ellos en este día en Winterland Ballroom fue una lista
bastante rara: Bob Dylan, Paul Butterfield, Neil Young, Ringo Starr,
Ronnie Hawkins, Dr. John, Joni Mitchell, Van Morrison, Muddy Waters,
Ronnie Wood, Neil Diamond, Bobby Charles y Eric Clapton. (Los segmentos con los Staple Singers y Emmylou Harris se rodarían posteriormente).
Kathy Etchingham y Hendrix (XIII)
"Desearía haber dado la
vuelta, pero no lo hice y eso es todo lo que hay que hacer".
Etchingham vive en el
extranjero. Ha escrito un libro de memorias llamado Through Gypsy Eyes, inspirado
en otra canción de Hendrix.
Quiere que Hendrix sea
recordado no únicamente como un superhéroe
de la guitarra, sino también como una "persona realmente encantadora, un ser humano natural y normal".
Kathy Etchingham y Hendrix (XII)
"Me encontré con él en
el mercado de antigüedades de Kensington", dice ella. "Estaba
comprando cinturones o bufandas. Me invitó a su hotel”.
"Dije que podía, pero
eso fue todo. Nunca lo volví a ver. A la mañana siguiente había fallecido".
Hendrix había muerto después
de ahogarse con su propio vómito. Inicialmente, Etchingham se sintió culpable por no ir a visitarlo, pero ahora,
dice ella, se da cuenta de que probablemente no habría hecho ninguna
diferencia.
Kathy Etchingham y Hendrix (XI)
"Todos tenían miedo de
entrar", dice ella, "pero yo entré y él estaba bien conmigo".
Etchingham pudo ver que la
mesa de cristal de la suite del hotel estaba destrozada y que Hendrix tenía la
calefacción a tope, aunque era un día cálido.
"Dijo que tenía un
resfriado terrible", dice ella. "Conseguí una franela y le limpié la
frente. No sabía qué estaba mal, así que me aseguré de que estuviera cómodo en
la cama y me fui". Etchingham vio a Hendrix por
última vez unas semanas después.
Kathy Etchingham y Hendrix (X)
"Comenzó a verse
realmente áspero. Su cabello se estaba desprendiendo, no tenía una piel sana,
parecía como si hubiera envejecido 10 años en dos y medio".
Kathy Etchingham decidió que
tenía que seguir y la pareja se separó
en 1969.
En el verano del año
siguiente, Hendrix estaba en tal estado que en una ocasión su séquito se asustó
y llamó a Etchingham a su habitación de hotel. Pensaron que ella era la única persona que podía calmarlo.
Kathy Etchingham y Hendrix (IX)
En un año, canciones como “Wind
Cries Mary”, “Foxy Lady” y “Purple Haze” convirtieron
a Hendrix en una superestrella mundial. Pero eso significaba que comenzó a
desaparecer en largas giras por EU. Y ese estilo de vida puso a su relación
bajo una tensión cada vez mayor.
"Aparecieron todas esos oportunistas", dice Etchingham. "Eran personas poco fiables,
indeseables. No me gustaba esa atmósfera y fue el principio del fin".
Etchingham dice que cuando la
bebida y las drogas aparecieron, el
dulce carácter de Hendrix comenzó a cambiar. Se volvería desagradable con
la gente, comenzó a destrozar las habitaciones de los hoteles.
Kathy Etchingham y Hendrix (VIII)
En esta etapa, Hendrix estaba
en camino de ser una de las estrellas más grandes de los años 60 en Londres y,
a principios de año, tocó dos famosos conciertos
en el pequeño Marquee Club.
"Jimi estaba fresco y
sonaba fantástico. Los ojos de todos estaban pegados a él", dice
Etchingham. El público incluyó a todas las estrellas de la época, desde los
Beatles hasta Eric Clapton. Fueron eliminados por la forma completamente nueva
de Hendrix de tocar la guitarra eléctrica y sus extravagantes actuaciones.
"Estaba tan lleno que no podías ni respirar", dice ella.
"Todos estaban clavados en el suelo, de pie, sudando".
Kathy Etchingham y Hendrix (VII)
Mary es el segundo nombre de
Etchingham y el guitarrista a veces lo usa para hacerla repelar. Esa puede ser
la razón por la que cuando escuchó la canción por primera vez, se sintió claramente decepcionada.
"Era el toque de una
guitarra eléctrica desconectada", dice ella. "Fue hasta que se grabó
que me di cuenta de que era una canción
bonita y triste; obviamente estaba un poco molesta".
“The Wind Cries Mary” se
lanzó en 1967 y apareció en el lanzamiento en EU de su álbum debut Are You Experienced.
Kathy Etchingham y Hendrix (VI)
Pero la pareja también tenía diferencias, particularmente del tipo
culinario. En dicho contexto, dice ella, tuvo lugar la composición de una famosa canción de Hendrix.
Esa noche, Etchingham estaba
tratando de hacer puré de papas y no estaba haciendo un buen trabajo.
"Sabía que él no sabía
cocinar y así fue como comenzó la
discusión. Terminó con mis gritos, arrojando los platos al suelo y marchándome".
Etchingham pasó la noche en
casa de un amigo y Hendrix la extrañó tanto que se sentó a escribir uno de sus
mayores éxitos: “The Wind Cries Mary”.
Kathy Etchingham y Hendrix (IV)
En un gesto romántico, el
guitarrista cortó un mechón de cabello de su novia. Como parte de una superstición vudú, lo puso en sus botas
para que su cuerpo siempre estuviera en contacto con una parte de ella.
"Jimi era muy divertido,
muy entretenido", dice Etchingham.
Prácticamente sin un centavo,
la pareja se relajaría viendo Coronation
Street o jugando juegos de mesa como Monopoly y Risk.
Kathy Etchingham y Hendrix (III)
En cuestión de horas, se dirigían hacia Piccadilly, el hotel
de Hendrix.
Etchingham descubrió que Hendrix era una amante "experimentado
e imaginativo" que podía hacer el sexo más romántico de lo que nunca
antes lo había conocido.
En largas conversaciones
nocturnas, Hendrix le contaría cómo su padre solía golpearlo "sin
sentido" por tratar de aprender a
tocar la guitarra poniendo una cuerda en una escoba. Etchingham le contó
sobre su padre alcohólico y cómo su
madre había abandonado a la familia cuando tenía 10 años.
Kathy Etchingham y Hendrix (II)
Cuando el set terminó, Chandler presentó a
Etchingham con Hendrix. Con su chamarra militar, su cabello afro y sus camisas
floreadas, el estadounidense era diferente a cualquier hombre que hubiera
conocido antes.
"Se veía inusual,
realmente impresionante", dice ella. "Estaba fresco y tenía un acento estadounidense muy suave".
A los pocos minutos, Hendrix
susurraba: "Creo que eres hermosa" en su oído. Etchingham reconoce
que la línea era cursi, pero ella dice que al provenir de un hombre como
Hendrix, funcionó.
Kathy Etchingham y Hendrix (I)
En septiembre de 1966, un DJ
y peluquero de Derby entró en el club
nocturno Scotch de St. James, en Londres.
"Había escaleras que
bajaban hacia el sótano y todos se inclinaban sobre las barandillas para
escuchar a este tipo sentado en la esquina del club", recuerda la ex novia
de Jimi Hendrix, Kathy Etchingham,
quien en aquel entonces tenía tan sólo 20 años. "Estaban cautivados".
La iluminación en el club era
tan baja que apenas podía ver a Jimi
Hendrix, quien contaba con 24 años y recién
llegaba de Nueva York. Su talento era obvio, pero en esta etapa su nuevo manager inglés, Chas Chandler, ni siquiera le había encontrado un grupo de apoyo.
Hendrix aterriza en UK (III)
Clapton, algunos integrantes de los Beatles y los Rolling Stones
y Jeff Beck se amontonaron en el
club nocturno, donde la reacción colectiva podría describirse como aturdida. "Todas
las estrellas estaban ahí", dijo una vez el cantautor Kevin Ayers.
La nueva fama no fue todo lo
que el guitarrista ganó en su visita al extranjero. Su primera noche en Londres
también le dio a Jimi Hendrix una novia.
Comenzó una relación con Kathy Etchingham,
una que duraría hasta febrero de 1969.
Hendrix aterriza en UK (II)
Al principio, Hendrix se
sentó con Eric Clapton y Cream. En
el escenario con el trío, completado por el baterista Ginger Baker y el bajista
Jack Bruce, Hendrix interpretó de manera memorable "Killing
Floor". Clapton rápidamente se hizo amigo de Hendrix, emergiendo como uno de sus primeros defensores más leales.
A mediados de octubre de
1966, Hendrix estaba de gira como grupo de
apoyo en Francia. Él y The Experience firmarían
con Track Records, lanzando "Hey Joe" como single, y eso le dio un impulso para una cita en noviembre en Bag O'Nails en Londres.
Hendrix aterriza en UK (I)
Jimi Hendrix, entonces un prodigio de 24 años de edad, aterrizó en Londres el 24 de septiembre de
1966, como un virtual desconocido. Su breve pero importante estancia ahí alteraría
para siempre la historia del rock.
El joven guitarrista estuvo
acompañado en el viaje por el manager
Chas Chandler, quien había visto a
Hendrix tocar en el Cheetah Club de
Nueva York. Chandler aceptó al guitarrista como cliente y lo ayudó a formar The Jimi Hendrix EXperience, con el
bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell.
Sin embargo,
encontraron poco éxito inicial en EU. Eso cambió, casi de la noche a la mañana,
una vez que Hendrix puso un pie en el suelo en el Reino Unido.
“Dark Side Of The Moon”, votado mejor álbum de rock de la historia
El álbum de Pink Floyd, The Dark Side Of The Moon, ha sido votado como el mejor álbum de
rock de la historia. El álbum fue lanzado
en 1973 y desde entonces vendió más
de 45 millones de copias.
La votación se llevó a cabo
en el sitio web de Louder en las últimas semanas, con miles
de votos para más de 500 álbumes
diferentes. A diferencia de la mayoría de las encuestas, que ofrecen a los votantes una lista finita de títulos para elegir, la encuesta les permite a las
personas elegir cualquier álbum.
Mientras que nombres como
Judas Priest, Pantera, Genesis, King
Crimson, Genesis, Boston y
Slipknot no alcanzaron el Top 50,
algunos músicos terminaron con varios álbumes en el recuento final, entre ellos
Led Zeppelin, The Beatles, Black Sabbath
y Pink Floyd, cuyos álbumes The Wall
y Wish You Were Here lograron el Top 20.
El Top 10 es el siguiente:
10. Led Zeppelin: Physical Graffiti
9. Iron Maiden - The Number Of The Beast
8. AC/DC: Powerage
7. The Beatles: Sgt. Pepper's Lonely
Hearts Club Band
6. Queen: A
Night At The Opera
5. Led Zeppelin: IV
4. Metallica: Master Of Puppets
3. AC/DC: Back In Black
2. Guns N' Roses - Appetite For Destruction
1: Pink Floyd - The Dark Side Of The Moon
sábado, 24 de noviembre de 2018
Redención: Pete Best
¿Experimentaste alguna
sensación de redención cuando salió Anthology
1 (compilación de rarezas, tomas y presentaciones en vivo de los Beatles
lanzadas en 1995) ya que incluía 10
grabaciones en las que tocaste?
Salió completamente de la
nada.
Sabía que iba a salir Anthology pero no le presté demasiada atención, porque nunca pensé que me
incluirían en ella.
Sin embargo, recibí la oferta de Apple y heme aquí, terminé
en 10 pistas, lo que fue genial.
Como dices, después de todos estos años fue un poco como 'debo haber sido bastante importante para obtener 10 pistas de un total
de 60'.
La mayor parte de las regalías llegó cuando se lanzó y fue la cereza del pastel después de tantos
años.
Sin saber el por qué: Pete Best
Recordando tu salida de The Beatles en 1962, ¿alguna
vez te dieron una razón acerca de tu salida?
"Hasta el día de hoy no sé la
razón real del por qué. Hay muchas personas hoy en día que están más
preocupadas sobre el por qué dejé a The Beatles que por mí.
"Sucedió hace casi 60 años y mi vida ha progresado, estoy feliz. Esa
es la belleza de esto. No reflexiono acerca de eso todo el tiempo, tengo mi propio
grupo y hago presentaciones en todo el
mundo. Soy un hombre ocupado y eso me encanta".
(Pete Best, ex baterista de The Beatles)
Mary Austin: más que una musa (VIII)
Austin apoyó a Mercury en su
decisión de mantener en secreto la naturaleza de su enfermedad hasta poco antes
de su muerte. También le pidió que
recogiera sus cenizas y las colocara en un lugar privado que nunca se
revelaría.
Es una promesa que mantuvo,
esperando dos años después de su muerte para sacarlas en secreto de la casa en
la que murió, la casa en la que todavía reside rodeada por muchos de los mismos
muebles elegidos por Mercury.
"No quería que nadie intentara
desenterrarlo, como le ha ocurrido a algunas personas famosas", señala Austin.
"Los fans pueden ser profundamente obsesivos. Quería que siguiera siendo
un secreto y seguirá siéndolo".
Mary Austin: más que una musa (VII)
Nunca estuvo ausente por
mucho tiempo de la vida de Mercury, se informó que Austin trabajó para su
compañía de administración y fue una constante en los años previos a su muerte.
Cuando a Mercury se le diagnosticó el
VIH en 1987, no existía tratamiento para el virus y murió de complicaciones
relacionadas con el SIDA cuatro años después, el 4 de noviembre de 1991. Austin estaba a su lado.
Mary Austin: más que una musa (VI)
Austin atestiguaría que Mercury viviría una vida de excesos,
la existencia de una deidad del rock alimentada por el abuso de sustancias y
los encuentros sexuales al azar. Austin haría su propio camino. Tiene dos hijos
con el pintor Piers Cameron, Richard,
de quien Mercury era padrino, y Jamie, nacida poco después de la muerte de
Mercury. Aunque nunca se casó con Cameron, un matrimonio con el empresario Nick Holford terminó en
divorcio después de cinco años.
Mary Austin: más que una musa (V)
Transcurría el año de 1976, Mercury
era toda una estrella internacional, y decidió abordar con ella sus
sentimientos sexuales. "Siendo un poco ingenua, me había tomado un tiempo
darme cuenta de la verdad”, recuerda. Después, Freddie se sintió bien por
haberme dicho que era bisexual. Aunque recuerdo haberle dicho en ese momento:
"No Freddie, no creo que seas
bisexual. Creo que eres gay".
La revelación terminó con su
relación física y Austin se mudó a un piso cercano comprado por la compañía de
publicaciones de música Mercury. Sin embargo, ella seguía siendo parte del círculo íntimo del grupo.
Se fue con Queen
de gira. Hay fotografías de ellos juntos detrás del escenario en los conciertos
hasta finales de los setenta, en cuya etapa ya no eran pareja. Mary se mantuvo como parte del séquito del
grupo. Era la persona más importante en ese séquito.
Mary Austin: más que una musa (IV)
En años posteriores, el perfil de Queen creció con el
lanzamiento de los álbumes Sheer Heart
Attack (1974) y A Night at the Opera
(1975), este último con la balada escrita por Mercury, "Love of My Life", escrita
para Austin. A medida que la fama del grupo creció, también lo hizo
Mercury.
Seis años después de su relación,
el matrimonio entró en una etapa
conflictiva y Austin comenzó a pensar que algo estaba mal. Ella decidió
discutir el asunto con Mercury. El vocalista insistió en que nada estaba mal.
Austin, por su parte, recuerda el enfriamiento
de la relación después de eso, a la par que el grupo experimentaba un éxito
increíble.
Mary Austin: más que una musa (III)
Fue mientras trabajaba en la
tienda de ropa de moda de Londres, Biba,
cuando Austin entró en contacto por primera vez con Mercury, que acababa de
terminar la universidad de arte y trabajaba en un local de ropa en las cercanías de Kensington. Con el paso
del tiempo ya eran una pareja que vivía
en un apartamento mientras trabajaba en su carrera musical.
La pareja se mudaría a Holland Road, en Londres, y en 1973, el
año en que se lanzó el álbum homónimo Queen,
Mercury le pidió que se casara con él. "Me quedé impactada. No era lo que yo
esperaba".
Mary Austin: más que una musa (II)
Actualmente, Austin vive una
vida tranquila lejos del foco que a menudo experimentaba como parte del círculo íntimo de Mercury. Los dos
vivieron juntos de forma intermitente durante la mayor parte de las dos
décadas, cuando el perfil de Mercury aumentó y Queen se convirtió en una de las agrupaciones de rock más queridas del siglo XX.
Mercury y Austin se conocieron en 1969, un año antes de que formara
lo que se convertiría en Queen con sus compañeros de grupo: Brian May, Roger Taylor y John Deacon.
Mercury, cuyo nombre real es Farrokh
Bulsara, nació en Zanzíbar, Tanzania, en 1946 y se mudó a Inglaterra con
sus padres en la década de 1960.
Austin nació en 1951 en una familia
empobrecida en el vecindario de Battersea, en el sur de Londres. Su padre
trabajaba como cortador de papel tapiz y su madre era doméstica para una
pequeña empresa. Sus padres eran sordos.
Mary Austin: más que una musa (I)
Cuando Freddie Mercury conoció a Mary
Austin, él tenía 24 años y ella 19. "Todos mis amantes me preguntaron
por qué no podían reemplazar a Mary, algo simplemente imposible", dijo una
vez Mercury sobre Austin. "La única
amiga que tengo es Mary, y no quiero a nadie más. Para mí, ella era mi
esposa. Para mí, fue un matrimonio".
Cuando Mercury murió en 1991 de neumonía bronquial relacionada con el SIDA,
a los 45 años, Austin estaba a su
lado, como lo había estado durante gran parte de su vida. En un momento de su
relación, le pidió que se casara con él, y cuando murió, le dejó la mitad de su patrimonio, incluida la mansión londinense
de 28 habitaciones en la que falleció y Austin habita hasta el día de hoy.
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