miércoles, 31 de enero de 2018

"God Save the Queen", un single renuente...

El 10 de marzo de 1977, a las 7 de la mañana, en una mesa de caballete instalada en el exterior del Palacio de Buckingham, los integrantes del grupo de punk The Sex Pistols firmaron para la discográfica A&M Records.

El contrato, empero, duró seis días. Los Pistols fueron despedidos de A&M debido a la presión de otros músicos del catálogo de la compañía discográfica, lo mismo que de la oficina central de la disquera en Los Ángeles.

Veinticinco mil copias de "God Save the Queen" fueron impresas y el grupo ganó £75,000 con el acuerdo.

Sabiendo que alguien tenía que sacar este disco, una valiente Virgin Records vino al rescate y firmó a The Sex Pistols. Finalmente, el 27 de mayo de 1977, el single "God Save the Queen" sería lanzado en el Reino Unido.

Simon & Garfunkel - Kruder & Dorfmeister

Para su primer álbum, el electro dúo austriaco Kruder & Dorfmeister rindió homenaje al álbum de Simon & Garfunkel: Bookends, que contenía el éxito "Mrs. Robinson". Pasando por alto el bigote de Pete Kruder, la similitud es perfecta.

The Runaways, pioneras en el rock...

La agrupación musical The Runaways se formó a finales de 1975 por la baterista Sandy West y la guitarrista Joan Jett después de que se presentaran con el productor Kim Fowley. Cherie Currie, Jackie Fox y Lita Ford serían las restantes integrantes del grupo.

The Runaways firmaron con Mercury Records en 1976 y su álbum debut, The Runaways, se lanzó poco después. La banda recorrió EU y tocó en numerosos conciertos con entradas agotadas. Encabezaron shows donde abrirían para grupos como Cheap Trick, Tom Petty and The Heartbreakers y Van Halen.

Su segundo álbum, Queens of Noise fue lanzado en 1977 y la agrupación comenzó una gira mundial. En el verano de ese año, el grupo llegó a Japón para una serie de conciertos con localidades agotadas.

En aquel momento, solo ABBA, Kiss y Led Zeppelin vendían más discos que The Runaways en Japón. Empero, no estaban preparadas para la avalancha de seguidores que las recibieron en el aeropuerto.

La histeria masiva fue descrita por Joan Jett como "como Beatlemania". En Japón, además, The Runaways tuvieron su propio especial de televisión, hicieron numerosas apariciones en televisión y lanzaron el álbum en vivo: Live in Japan.

El año siguiente sería complicado: el grupo tocó su último concierto en la víspera de año nuevo de 1978 en el Cow Palace, cerca de San Francisco, y se separaron oficialmente en abril de 1979.

The B-52 - "Private Idaho"

"Private Idaho", de The B-52
Álbum: Wild Planet
Producción: 1980


En esta canción, el estado de Idaho se usa para representar un caso de paranoia: la letra "salir de ese estado" significa salir de ese estado mental. El cantante de los B-52, Fred Schneider, propuso el título, que era una obra de teatro sobre la frase "Private Eye" mucho antes de que Hall y Oates lo utilizaran en una canción con un tema similar.

¿Por qué Idaho? Schneider explicó: "Idaho es muy misterioso para todos nosotros. Sé que es un estado hermoso, pero luego sé que también hay un montón de locos derechistas y todas esas cosas." Añadió: "La canción trata sobre todas las cosas diferentes. No es como una parodia de Idaho ni nada parecido".

Hay una lección de historia interesante incorporada en la letra, "nadar" de un lado a otro como la mano mortal de un reloj de radio".

En la década de los 20, el elemento radiactivo de radio se utilizó para pintar los diales de los relojes que brillan en la oscuridad. Las mujeres que pintaron el radio en los diales pondrían los pinceles en sus bocas. Esto llevó a una alta tasa de cáncer y una demanda en 1928.

El cineasta Gus Van Sant usó el título de esta canción para su película de 1991 My Own Private Idaho. Dio las gracias a los B-52 en los créditos, pero eso es todo lo que obtuvieron.

No fue sino hasta el 13 de septiembre de 2011 que los B-52, finalmente, tocaron en Idaho. Encabezaron un espectáculo en el Eagle River Pavilion.

The Marquee/The Who

El 1 de diciembre de 1964, The Who tocó el primero de 22 conciertos consecutivos de martes por la noche en The Marquee Club en Londres. La agrupación recibió un pago de £50 por cada concierto.

Durante este período, The Who aparecía en todas partes; no estaban en el circuito de inodoros, pero tampoco se encontraban tan lejos. Tocaban en cuartos traseros, en pubs y pequeños clubes del interior y alrededor del área de Londres.

El baterista de la agrupación inglesa, Keith Moon, dijo una vez que The Marquee era el único lugar que tenía alguna influencia, "donde los managers, los promotores y la prensa podían verte."

Tenían una audiencia muy exigente; Moon admitió que tocar en The Marquee Club ayudó a The Who a desarrollar sus ideas musicales.

The Marquee Club ayudó a The Who (y muchas otras agrupaciones) a encontrarse con sus pies. "Maximum R & B", decía el cartel de estos conciertos de The Who, y así fue.

El debut de The Who...

Durante la primer semana de diciembre de 1964, The Who lanzaría su álbum debut My Generation en el Reino Unido (llegaría a las tiendas de EU el año siguiente). Los miembros de The Who, posteriormente, se refirieron a su debut como una especie de "apuro" que no representaba el rendimiento del grupo en aquel momento.

El amor por The Who ya era fuerte, violento y caótico. El álbum vio al grupo británico haciendo covers de canciones de James Brown y Bo Diddley, además de interpretar sus propias composiciones.

A su vez, Jimmy Page, futuro guitarrista de Led Zeppelin, tocaría en el álbum; se le puede escuchar en la guitarra principal de la canción "Bald Headed Woman".

Iron Maiden / Earth, Wind & Fire

Si existe alguna similitud entre Earth Wind & Fire e Iron Maiden, está en las portadas de estos dos álbumes. Por un lado, el álbum All 'N All funk soul, de Earth, Wind & Fire lanzado en 1977; por otro lado, el álbum de heavy metal Powerslave, de Iron Maiden (con la canción "Two Minutes To Midnight"), lanzado siete años después.

La similitud entre las dos portadas de los álbumes es sorprendente. Sin embargo, es más que inútil encontrar influencias musicales entre las dos agrupaciones: son inexistentes. 

Como tirarse los dientes...

Para su álbum debut, los Ramones originalmente querían una portada de similar al álbum de 1964 del lanzamiento estadounidense de The Beatles: Meet The Beatles.

Se realizaría una sesión de fotos a un costo de $2,000, pero no quedaron satisfechos con los resultados. La agrupación, entonces, conocería a Roberta Bayley, una fotógrafa de la revista Punk, quien notó que "conseguir que los Ramones posen fue como tirarse los dientes".

Originalmente presentado en un número de Punk, la fotografía en blanco y negro de Bayley en el frente de la portada del álbum sería la película que definiría al grupo.

Un guitarrista apellidado Allman...

Duane Allman era un músico de sesión antes de unirse a Allman Brothers Band. Acampó en su auto en FAME Studios en Muscle Shoals, Alabama, hasta que le dieron una oportunidad. Su primera sesión ahí fue en la versión de Wilson Pickett de "Hey Jude". También formó parte de la banda de Eric Clapton, Derek and the Dominos, tocando la guitarra en "Layla".

CCR: dejar atrás a The Golligows...

Para que el grupo Creedence se convirtiera en una opción viable para Fantasy Records, se tuvieron que hacer algunos cambios. Primeramente tuvieron que hacer de lado el nombre Golliwogs. Involucrarse más con la escena musical del área de la Bahía de San Francisco y la radio subterránea.

La disquera, a su vez, tendría que poner más atención en John FogertyLos integrantes del grupo cambiarían su nombre a Creedence Clearwater Revival, en honor a un amigo de un amigo de Tom llamado Credence Nuball.

El nuevo nombre proviene de tres fuentes: Creedence: de "credibilidad", una creencia en sí mismos. Clearwater: inicialmente provenía de un comercial de cerveza, pero resonaba más fuertemente con el floreciente movimiento ambiental a través de un comercial de televisión contra la contaminación. Revival: desde la esperanza de revivir la carrera de la banda...

martes, 30 de enero de 2018

"Bohemian Rhapsody" y los hermanos Marx...

A night at the Opera (1975): El título del álbum se decidió durante un descanso en las sesiones de "Bohemian Rhapsody", en Rockfield Studios. Los miembros de Queen estaban viendo la película de los hermanos Marx: A Night at the Opera en grabadora de video y decidieron que el título de la cinta encajaba perfectamente con el álbum que estaban creando, especialmente dada la naturaleza operística de la canción épica que estaban trabajando en ese momento.

Celebración al estilo Keith Moon...

El 23 de agosto de 1968, mientras disfrutaba de una frenética fiesta de cumpleaños, Keith Moon condujo su Lincoln en una piscina del Holiday Inn. Como la fiesta había perdido el control, se llamó a la policía para poner fin a las festividades.

Moon, siempre dispuesto a evitar a los hombres vestidos de azul, se escabulló y se metió en una Lincoln Continental Limousine e intentó escapar.

Desafortunadamente para el baterista de The Who, en su estado ebrio, soltó el freno de mano y comenzó a rodar hacia la piscina.

Moon simplemente se recostó y esperó, mientras el auto se estrellaba contra la valla alrededor de la piscina y se hundía en el agua.

Beach House: la elusividad en "Bloom"

Al igual que muchas de las canciones del cuarto álbum de Beach House, Bloom, esta canción trata sobre la elusividad de ciertos sentimientos. El guitarrista Alex Scally comentó a About.com:

"Creo que la elusividad es un gran sentimiento en la vida de todos. Lo ideal es que una canción sea un reflejo honesto de la realidad. Ya sabes, la miras, la miras y lo que se da. Volver a ti lleva consigo una verdad, es algo real, algo muy real. Eso es lo que queremos, más que nada. Lo que ves exactamente, en tu propia mente, es tu propia experiencia de esa verdad".

Esta fue la primera canción que se lanzó desde Bloom. Fue publicado en el sitio web de Beach House el 6 de marzo de 2012.

La forma de las cosas con el Zepp...

Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham tocaron juntos por primera vez el 12 de agosto de 1968, cuando ensayaron en un estudio en Lisle Street en el West End de Londres. La primera canción que tocaron fue "Train Kept A-Rollin". Canción que fue lanzada en 1951, escrita por Tiny Bradshaw y coproducida por Ahmet Ertegun - el hombre que firmaría a Led Zeppelin en su sello Atlantic.

Según John Paul Jones, la sala "explotó" ese día de 1968 cuando interpretaron la canción: sabían que tenían algo. Posteriormente tocarían esa misma canción como parte de su show abridor en sus giras de 1968 y 1969. Es curioso cómo funcionan las cosas…

Un baterista apodado "Bonzo"

John Henry Bonham, nacido en Redditch, Worcestershire en 1948. Es mejor conocido por haber sido el baterista de Led Zeppelin. Bonham era estimado por su velocidad, potencia, su rápido pie derecho, sonido distintivo y "sentir" el ritmo (de hecho, era un baterista de soul).

Bonham aprendió a tocar la batería cuando tenía cinco años, fabricando una batería con recipientes y latas de café. Recibió su primer kit de batería de parte de su padre cuando contaba con 15 años en su haber.

Empero, antes de unirse a Led Zeppelin, fue expulsado de distintos locales de música británica por tocar demasiado fuerte; alguna vez voló el avión de pasajeros Boeing 720 de su grupo, The Starship, desde Nueva York hasta Los Angeles (no tenía licencia de piloto); fue, a su vez, el hombre que conduciría motocicletas por los corredores de los hoteles para tener algo que hacer…

Acerca de un disco llamado "The Joshua Tree"

La producción musical de 1987 The Joshua Tree es el álbum más vendido del grupo U2: con 25 millones de copias vendidas en todo el mundo. Durante los premios Grammy de 1987, ganó en las categorías de 'Album of the Year' y 'Best Rock Performance'. Serían sus primeros premios Grammy.

En 2007, se lanzó una versión remasterizada del álbum para conmemorar el vigésimo aniversario de su lanzamiento original, y en su libro, U2byU2, la banda habló en detalle sobre la cantidad de canciones que se trabajaron para esta producción musical. 

Blondie, Debbie, Chapman, CBGB...

Originalmente, la agrupación estadounidense Blondie tenía cantantes de reserva conocidas como "Jackie", "Julie", "Tish" y "Snooky", que luego dejarían al grupo.

Antes del grupo Blondie, Debbie Harry estaba en una banda folk llamada Wind in the Willows, llamada así por el libro infantil de Kenneth Grahame. Este es el mismo libro que fue adaptado en una historia animada de Disney Studios y en el cual los parques temáticos de Walt Disney basaron la popular atracción (ahora desaparecida) "El paseo salvaje del señor Toad".

La formación de Blondie provino del fructífero vecindario de Nueva York alrededor del CBGB en la década de 1970, y compartió raíces de punk y new-wave con Patti Smith (compartiendo brevemente al guitarrista Ivan Kral), Ramones, New York Dolls y los Talking Heads.

Cuando comenzaba el éxito de Blondie, en 1977, el productor Mike Chapman tomó a la banda bajo su cobijo. Chapman tenía bastante experiencia con las protagonistas femeninas de tipo punk; anteriormente había trabajado con Suzi Quatro.

Con el exitoso single "Heart Of Glass", el grupo se había establecido como una banda alternativa de nueva y popular onda amigable con el consumidor, con el suficiente matiz punk.

Bajo el resguardo de Chapman, el álbum Parallel Lines se convirtió en su gran éxito, vendiendo 20 millones de copias en todo el mundo.

Debbie Harry ha señalado que Marilyn Monroe fue una influencia en su estilo; sin embargo, su principal intención era invocar el hecho de ser rubia por sí misma, ya que se asocia con el glamour, el éxito y el deseo.

Un debut llamado "Ramones"

Los Ramones grabaron su álbum debut, Ramones, en febrero de 1976, a un costo de $6,400 dólares, con sesiones que tomaron únicamente siete días de principio a fin. Con una duración de menos de 30 minutos, la canción más larga es "I don’t wanna go down to the basement", (inspirada en películas de terror) de 2:35 de duración y la pista más corta, "Judy is a punk", tiene solo 1:32 segundos de duración.

Un equino de nombre Zenyatta...

El caballo campeón de carreras Zenyatta fue nombrado así después de que apareció álbum de The Police, Zenyatta Mondatta. Jerry Moss, quien firmó a The Police para su sello A&M Records (Moss es la "M", su compañero Herb Alpert es la "A"), compró el caballo cuando éste tenía un año de edad al ex director ejecutivo de Polygram Records, Eric Kronfeld, por una suma de $60 mil dólares. La inversión valió la pena para Moss: Zenyatta ganó más de $7 millones de dólares en apuestas.

The Beatles - Frank Zappa

Un año después del lanzamiento del álbum de The Beatles Sergent Pepper's Lonely Heart's Club Band, Frank Zappa lanzó We are only in it for the money como una sátira del poder de las flores de esa época. La portada del álbum incluye todos los detalles del original, con las flores reemplazadas por vegetales...

Pugna por regalías...

La agrupación inglesa The Police se desintegró estando en la cima de su popularidad después de haber concretado cinco álbumes. Gran parte de la hostilidad que condujo a su ruptura fue causada por la selección de canciones.

Cada miembro de la agrupación quería más de sus propias composiciones en cada uno de los álbumes, principalmente porque el escritor recibiría las regalías y, a diferencia de grupos como U2 y Van Halen, The Police no compartía créditos de composición.

De The Joint a Supertramp...

Supertramp se formó en Londres cuando Rick Davies disolvió a su agrupación The Joint y colocó un anuncio en un periódico musical del Reino Unido en busca de músicos para formar una banda.

El grupo fue financiado por un millonario holandés llamado Sam Miesegaes, quien puso el dinero después de ver a Davies tocar en The Joint. Con la compañía A&M Records, lanzaron su primer álbum (homónimo) en 1970, y también tocaron en el Festival de la Isla de Wight de ese año.

Miesegaes, sin embargo, retiraría su financiamiento en 1972, y el grupo reajustaría su alineación, únicamente con Davies y Roger Hodgson como miembros originales.

Su tercer álbum, Crime of the Century, fue un gran avance, convirtiéndose en el número 4 en el Reino Unido gracias a los éxitos "Dreamer" y "Bloody Well Right".

The Kinks, "This time tomorrow"

"This time tomorrow", de The Kinks
Álbum: Lola vs. Powerman and The Moneygoround, Part 1
Producción: 1970

El líder de The Kinks, Ray Davies, escribió esta canción. No fue lanzada como single, pero es uno de sus temas favoritos, y es referida como una de las canciones más subestimadas del grupo.

En 1969, The Kinks eran superestrellas en su natal Inglaterra, pero nunca tuvieron mucho arraigo en Estados Unidos, ya que después de su desastrosa gira por el país en 1965 fueron suspendidos por la unión de músicos (algo que no queda del todo claro, pues probablemente tenía más que ver con disputas y conflictos con miembros del sindicato).

No fue sino hasta diciembre de 1969 que el grupo regresó a Estados Unidos, y cuando lo hicieron, fue humillante, ya que tocaron en lugares mucho más pequeños. Fue en el avión cuando regresaban de esta gira que Ray Davies escribió "This Time Tomorrow".

"La canción trata de entrar en un territorio inesperado e inexplorado", dijo Davies a la revista musical Rolling Stone. "¿Qué nos depara el futuro?"

lunes, 29 de enero de 2018

Don Mclean - "Empty Chairs"

"Empty Chairs", de Don Mclean
Álbum: American Pie
Producción: 1971

Don McLean pasó por momentos difíciles, que se reflejan en su álbum American Pie. Su padre murió cuando tenía 15 años, y su matrimonio estaba en crisis cuando grabó el álbum. Enfrentado a una depresión, simpatizó con Vincent van Gogh.

Hablando con el periódico británico The Telegraph, reveló que en esta canción sobre un hombre que pierde un amor, las sillas vacías son las pinturas de Van Gogh de una silla.

Lori Lieberman, quien cantó la versión original del éxito "Killing Me Softly With His Song", afirma que "Empty Chairs" inspiró esa canción. Un comunicado de prensa cuenta la historia: Don tocó un show en el Troubadour Club de Los Angeles. "Empty Chairs" inspiró a Lori Lieberman para escribir la canción "Killing Me Softly With His Song" en una servilleta.

"En realidad, estaba reacia a ir", dice Lieberman. "No sabía quién era, pero desde el momento en que subió al escenario, me quedé hechizada. Sentí como si me conociera y sus canciones fueron sobre mi vida. Sentí como si cantara en mi alma".

Originalmente llamado "Killing Me Softly With His Blues", el poema de Lori inspiró a los compositores Norman Gimbel y Charles Fox a escribir. Fue lanzado en su álbum debut en 1971.

Empero, hay otro lado en esta historia, que Charles Fox refiere: "Realmente no sucedió así. Norman Gimbel y yo escribimos esa canción para una joven artista llamada Lori Lieberman. Norman tenía un libro que aportaba títulos de canciones, ideas de canciones y letras. Sacó el libro y dijo: 'Oye, ¿qué tal el título de una canción: 'Killing Me Softly With His Blues'?  'Bueno, la parte 'matarme suavemente' sonaba muy interesante. 'Con su blues' sonaba anticuado, en 1972, cuando lo escribimos. Así que dijo: '¿Qué tal' matarme suavemente con su canción '? Eso tiene un giro único en esto".

Así que hablamos sobre lo que podría ser, y obviamente se trata de una canción: escuchar la canción y conmoverse con las palabras. Es como si las palabras hablaran sobre la vida de esa persona. De todos modos, Norman se fue a casa y escribió una letra extraordinaria y me llamó más tarde en la tarde.

Lo anoté por teléfono. Me senté y la música simplemente fluyó junto con las palabras. Nos reunimos a la mañana siguiente e hicimos un par de ajustes con él y lo tocamos para Lori, y le encantó, dijo que le recordaba estar en un concierto de Don McLean.

Entonces, en su actuación, cuando ella aparecía, decía eso. De alguna manera las palabras cambiaban, así que lo escribimos con base en Don McLean e incluso Don McLean creo que lo tiene en su sitio web, aunque él no sabe. Sabes, él solamente sabe lo que cuenta la leyenda".

El título aparece una sola vez en la canción, en el último versículo de la línea "And empty clothes that drape and fall on empty chairs."

Según McLean, su compañía discográfica quería que cambiara el título a "I Never Thought You Would," ya que esa es una línea prominente en el coro. McLean se negó. "Para mí esa no era la canción", dijo.

The Alan Parsons Project - "Don't Answer Me"

"Don't Answer Me", de The Alan Parsons Project
Álbum: Ammonia Avenue
Producción: 1984

Hay mucha gente solitaria, y el narrador de esta canción está llegando a uno de ellos. Escrita por Alan Parsons y su colaborador Eric Woolfson, la canción fue producida en el estilo Phil Spector como una parodia de su técnica "Wall of Sound", completada con una variedad de instrumentos y mucho eco.

Al modelar su sonido, el grupo creó un éxito propio. La canción fue el sencillo principal del álbum de Ammonia Avenue.

Eric Woolfson cantó en esta pista. Se utilizó una variedad de vocalistas, ya que a Parsons le gustaba variar a los cantantes principales para que el oyente no se cansara del mismo cantante.

De "pequeña orquesta" a ELO...

La Electric Light Orchestra fue formada por miembros de un grupo inglés llamado The Move. Querían crear una nueva banda con una sección de cuerdas junto con instrumentos tradicionales.

Tomaron su nombre porque combinaban instrumentos de rock eléctrico con instrumentos orquestales. Las "Light Orchestras" eran pequeñas orquestas populares en Inglaterra en los años 60.

...y, surgieron The Dominos

Bobby Whitlock refiere: "Nos íbamos a llamar The Dynamics. Ese fue el nombre que se nos ocurrió ya que no podíamos pensar en otro nombre. Nuestro primer concierto fue en el Lyceum del Dr. Spock.

Tony Ashton nos presentaría. Nos dijimos: "Bueno, somos The Dynamics". En aquel entonces solíamos llamarnos por apodos, y Eric (Clapton) era "Derek". Fue entonces que nos dijimos: "¿Qué hay de Derek y The Dynamics"? Ashton dijo: "Está bien" y salió al escenario para presentarnos, diciendo "Damas y caballeros, Derek and The Dominos".

Mi corazón se fue al piso, no lo podía creer. Podía verme con un zoot suit, estaríamos usando un traje de color y Eric estaría usando otro. Donde crecí, si el nombre era The Dominos, usarías trajes iguales. Eso fue lo primero que pasó por mi mente, pero se quedó, y eso fue todo. Esa fue la primera vez que nos llamaron Derek y los Dominos".

(Bobby Whitlock – tecladista y organista en el grupo Derek & The Dominos)

Tanita Tikaram - "Twist in my sobriety"

"Twist in my sobriety", de Tanita Tikaram
Álbum: Ancient Heart
Producción: 1988

El comienzo de la canción, "All God's children need traveling shoes" es el título de un libro de la escritora Maya Angelou. Es el quinto y último libro de su serie de autobiografía en el que Angelou escribe sobre su sueño de regresar a su hogar como una mujer afroestadounidense en África y su posterior emigración a Ghana.

Al respecto, Tanita Tikaram dijo: "No sé por qué lo usé, pero me sonó poético y espiritual. El resto de la canción trata sobre no comprender: cuando tienes 18 años, tienes una relación emocional muy particular con el mundo, te sientes muy aislada, y todos los demás son tan distantes y fríos. Creo que estaba cantando sobre no sentir nada o no sentirme conmovida por las cosas. Creo que esta es una sensación fuerte cuando estás justo después de la adolescencia".

En 1989, Liza Minnelli hizo un cover de la canción para su álbum Visible Results, que fue producido por The Pet Shop Boys. Tanita nos dijo estar "profundamente honrada de que Liza Minnelli cantara su canción". Admitió que cuando Minnelli grabó su versión, ella era más joven y "realmente no apreciaba quién era".

Tanita agregó que cree que Minnelli "entendió la canción de una manera estadounidense", ya que "la sobriedad tiene un significado muy específico en Estados Unidos, sobre la recuperación,... y el alcohol".

Sin embargo, como británica, la palabra tenía una connotación diferente para ella, que significa "ser muy serio y sobrio en su comportamiento".

Tikaram es de origen malasio e indo-fiyiano y es hermana del actor Ramon Tikaram. Su álbum debut Ancient Heart fue lanzado cuando tenía 19 años y fue producido por Rod Argent y Peter Van Hoote.

Presentó esta canción y su éxito más grande en el Reino Unido, "Good Tradition", alcanzó el puesto 10. Las posteriores producciones musicales de Tanita, empero, no han encontrado un éxito comercial similar.

Blur-Dub Sex

Imposible hablar de mera coincidencia: para la portada del álbum de Parklife, Blur rindió homenaje a la imagen en Then and Now de la agrupación de Manchester Dub Sex, que tuvo cierto éxito a finales de la década de 1980.

Lanzado en 1994, el tercer álbum de Blur, Parklife, hizo posible que la agrupación confirmara su reputación como un grupo importante del movimiento Britpop de la década de 1990, con éxitos como "Girls And Boys" o "Parklife".

Focus - "Hocus Pocus"

"Hocus Pocus", de Focus
Álbum: Moving Waves
Producción: 1971

En una entrevista con el periódico británico New Musical Express en mayo de 1973, el guitarrista principal del grupo Focus, Jan Akkerman, dijo que la pieza "Hocus Pocus" era "simplemente, una revelación en el rock".

Broma o no, ésta canción fue un gran éxito. La versión del álbum de esta composición de Van Leer/Akkerman tiene una duración de 6 minutos 42 segundos. La edición de radio ingresó al Billboard Chart en la posición 98 que finalizó el 3 de marzo de 1973 y alcanzó su punto máximo en la semana 9 finalizando el 2 de junio.

En el Reino Unido hizo las listas al mismo tiempo que el clásico instrumental de Focus: "Sylvia". No muchos grupos pueden presumir eso.

Este hit instrumental es conocido por su uso de yodelado. La canción se destacó en la radio ya que no había nada como eso en las ondas hertzianas de aquellos días. La canción también contiene flauta, acordeón y varios sonidos vocales.

Esta canción se concretó rápidamente cuando el grupo estaba en su estudio de grabación. El baterista Pierre van der Linden comenzó a tocar algunas compilaciones de dos compases, y el guitarrista Jan Akkerman entró con una melodía.

El líder de Focus, Thijs van Leer, decidió que este sería un buen momento para bailar, algo que nunca había hecho antes. "Todo el mundo lo consideró una broma muy divertida", dijo. "Pero nos encontramos atraídos por la canción".

La canción se grabó originalmente en 1971, pero se concretó como éxito hasta que una versión de radio más rápida se grabó y lanzó en 1973.

Focus fue un grupo de rock progresivo holandés. Este es su único hit.

Los variopintos de The Small Faces...

El grupo comenzó en 1965 como Small Faces. Harían de lado el término "small" en 1969 cuando Rod Stewart y Ron Wood se les unieron.

Cuando estaban de gira con Stewart, eran conocidos por vivir un estilo de vida salvaje. Fueron prohibidos en tantos hoteles, incluyendo toda la cadena Holiday Inn, que tuvieron que registrarse como "Fleetwood Mac".

"A todos los Faces les gustaba más la cocaína", escribió Stewart en su libro de memorias de 2012, y agregó que Ian McLagan llevaba un clavel falso en el escenario que contenía cocaína en polvo para poder darse un golpe durante los shows.

Por su parte, Tetsu Yamauchi fue miembro de la banda Free antes de integrarse a los Faces. Stewart y Wood llegarían del Jeff Beck Group.

Los Faces fueron buenos amigos de The Rolling Stones hasta que convencieron a Ron Wood de irse con ellos en 1976. Rod Stewart recuerda a Mick Jagger asegurándole que los Stones nunca con ellos.

Después de que el baterista de The Who, Keith Moon, murió, Kenney Jones lo reemplazaría. Por su parte, el tecladista del grupo Ian McLagan terminó casándose con la viuda de Moon.

A su vez, el bajista Rick Wills dejaría al grupo para unirse a Foreigner. Rod Stewart disfrutó de un éxito en solitario, y Ronnie Lane grabó varios álbumes con su grupo Slim Chance antes de su muerte en 1997. Lane padecía esclerosis múltiple.

Una encarnación anterior de la banda se llamaba Quiet Melon y contaba con el hermano mayor de Ron Wood, Art.

Lou Reed - Andy Warhol

Antes de triunfar en 1972 con "Walk On The Wild Side", Lou Reed era uno de los integrantes principales de la ahora famosa banda de rock The Velvet Underground. En ese momento, sólo un puñado de personas había oído hablar de la agrupación.

Entre dicho puñado de seguidores se encontraba el icónico artista Andy Warhol, precursor del arte pop, quien se desempeñó como manager y dejó una impresión duradera en Lou. En su momento, Reed expresó a la publicación Performing Songwriter:

"Comparado con Warhol, siempre me consideraré perezoso. Porque Andy dijo que sí y que tenía razón. Y mira lo que hizo. Es interminable. Es decir, mira ese cuerpo de trabajo. Es increíble, pero Andy dijo que no era increíble, que sólo estaba trabajando. Siempre dijo que era increíblemente flojo. Pensó que debería escribir más".

...y, entonces, arribó The Jam

The Jam se formó en Surrey Inglaterra. Eran uno de los grupos más queridos de punk y new wave. Mantienen el récord de los singles más exitosos del Reino Unido en el Top 75 de todos los tiempos, con 13.

Todos ellos ingresaron en las listas en enero de 1983, luego de la disolución de la banda en diciembre de 1982.

Su carrera tuvo un buen comienzo. Después de ser vistos tocando en un mercado callejero en el Soho de Londres, se les pidió que abrieran para los Sex Pistols. The Jam firmó con Polydor Records en 1977.

Tras la separación de The Jam, Bruce Foxton pasó mucho tiempo produciendo Stiff Little Fingers, convirtiéndose finalmente en su bajista. Rick Buckler, el baterista, abrió una tienda de antigüedades.

El primer éxito de la agrupación, "In The City", es auténtico punk rock, y pasó 14 semanas en los listados, aunque nunca subió más allá del sitio 40.

El bajista Bruce Foxton tuvo tres entradas menores en las listas de Arista Records en plan solista. El hit mejor colocado del trío se tituló "Freak" (1983).

domingo, 28 de enero de 2018

"The Last Time" - The Rolling Stones

"The Last Time" - The Rolling Stones
Álbum: Out Of Our Heads
Año de producción: 1965

Pieza que fue inspirada por una canción evangélica de 1955 llamada "This May Be The Last Time" de The Staple Singers. Los Stones cambiaron el significado de la canción, convirtiéndola en un mensaje severo para una niña. La versión de Staples tenía un mensaje más "edificante" y era mucho más "espiritual".

Muchos fanáticos de Gospel sintieron que los Rolling Stones se apropiaron de la pieza, ya que The Staple Singers nunca obtuvieron regalías. Como es una canción tradicional (es decir, nadie tiene los derechos sobre ella), muchos artistas la han grabado, pero The Rolling Stones eran una agrupación de alto perfil que tuvo éxito en la reelaboración de canciones de artistas negros.

Esta canción tenía algunos antecedentes claros en la música negra estadounidense, en particular el single de James Brown de 1964 "Maybe the Last Time", que a su vez se basaba en ideas encontradas en una canción gospel tradicional que había sido grabada, pero no escrita, por The Staples Singers.

Existen quienes han acusado a los Stones de robar a sus héroes negros, pero "The Last Time" es claramente diferente y más orientada al rock que las canciones grabadas por James Brown y los Staples Singers, aunque hay algunas similitudes en el enfoque y el uso de la letra del título.

Los Stones grabaron la canción en Los Ángeles en una escala de un día en su camino a Australia. El grupo se encontraba en una agotadora gira por Estados Unidos, pero para sacar provecho de su éxito querían seguir lanzando singles, especialmente en Inglaterra. 

El productor Phil Spector ayudó con la producción. Se puede escuchar su enfoque del "Muro de sonido" en la grabación.

El riff de guitarra en la apertura de la canción se repite a lo largo de la canción. Este fue un dispositivo innovador para una canción pop en ese momento.

Una canción de 1997 llamada "Bitter Sweet Symphony", de The Verve, sampleó una oscura versión orquestal de esta canción grabada por The Andrew Oldham Orchestra en 1966.

Oldham fue manager de The Rolling Stones y siguiendo el ejemplo del productor de The Beatles, George Martin, lanzó un álbum llamado The Rolling Stones Songbook que contenía esta canción y otras versiones instrumentales de los éxitos del grupo.

The Verve obtuvo los derechos de Decca Records, mas no obtuvieron los derechos de publicación de "The Last Time".

Esta fue la primera canción que Mick Jagger y Keith Richards escribieron para un sencillo del lado A. Los Stones tocarían muchos covers antes de aprender a escribir canciones.

En su momento, la también agrupación inglesa The Who grabaría esta canción en 1967 como una muestra de apoyo cuando los Stones fueron detenidos en Inglaterra bajo cargos ​​de narcotráfico.

Supertramp llega a EU...

En 1979, Supertramp se convirtió en una de las agrupaciones más exitosas en Estados Unidos, gracias a un álbum (Breakfast in America) que exploró el país desde la perspectiva de un inglés.

La agrupación se mudó a California a mediados de los años 70; a Roger Hodgson le encantó y vivió allí permanentemente. Rick Davies, por su parte, era menos entusiasta acerca de California ("No creo que ese sea un lugar donde nadie quiere establecerse, ni siquiera los estadounidenses", dijo), y se mudó a Long Island.

Mudarse a Estados Unidos les permitió conservar mucho más de sus ingresos, ya que habrían sido gravados fuertemente en Inglaterra.

El grupo originalmente se llamaba Daddy, pero la cambiaron por sugerencia de su guitarrista original Richard Palmer, quien obtuvo el nombre de un libro de 1910, The Autobiography of a Super Tramp, de Welsh W.H. Davies. 

Jim Croce: escuela, raps, tenis...

Antes de que su carrera musical despegara, Jim Croce enseñó educación especial en la Pulaski Junior High en Chester, Pennsylvania. Tocaba música en el aula como ayudante de enseñanza, pero fue despedido cuando lo hizo después de que el consejo escolar le dijo que no lo hiciera.

En el escenario, Croce era conocido por su entretenimiento entre canciones. Pasó muchos años tocando en universidades y otros lugares pequeños, y en estos entornos íntimos contó historias entre las canciones, refinando constantemente sus "raps".

Cuando su álbum de 1972, You Do not Mess Around With Jim, despegó, obtuvo mucha "prensa positiva" en las reseñas que elogiaban su humor en el escenario.

El último concierto de Croce, que tuvo lugar la noche de su muerte, tuvo escasa asistencia. Tuvo que competir con el partido de tenis, denominado "La batalla de los sexos", entre Billie Jean King y Bobby Riggs.

De adversidades y rock...

Duane Allman y Berry Oakley, integrantes de la agrupación The Allman Brothers Band, murieron como resultado de accidentes de motocicleta a tres cuadras uno del otro, Duane el 29 de octubre de 1971, Barry el 11 de noviembre de 1972.

Oakley no murió allí. Se levantó, se fue a casa y pasó el rato con sus amigos. Tres horas más tarde murió de una hemorragia cerebral. Ambos tenían 24 años. Están enterrados en el cementerio de Rose Hill en Macon, Georgia, donde la banda solía atascarse.

Gregg Allman, por su parte, se pegó un tiro en el pie en 1965 para evitar ser enviado a Vietnam. Duane estaba exento del reclutamiento porque era el hijo mayor y su padre estaba muerto.

Billy Preston - "Nothing From Nothing"

"Nothing From Nothing", de Billy Preston
Álbum: Kids And Me
Producción: 1974

Billy Preston comenzó a escribir esta pieza una noche en el camerino de un club nocturno de Atlanta donde actuaba. Quería escribir una canción basada en el dicho: "Nada de la nada no deja nada".

Bruce Fisher, quien fue socio de la composición de Preston (coescribió su anterior álbum, Will It Go Round in Circles), agregó un segundo verso.

El lado B del single fue otra canción que Preston escribió con Fisher: "You Are So Beautiful", que luego sería un éxito para Joe Cocker.

Preston comenzó a la edad de 10 años tocando teclados para la leyenda del gospel Mahalia Jackson. Más tarde se unió a la gira de Ray Charles antes de grabar con The Beatles en varias de sus canciones, incluyendo "Get Back" y "Let It Be" (The Beatles lo consideraron el quinto Beatle).

Preston interpretó esta canción en el primer episodio de Saturday Night Live. Él y Janis Ian fueron los invitados musicales en el debut del 11 de octubre de 1975.

También tocó en varias grabaciones de Sly & The Family Stone. Preston pasó a tener una exitosa carrera en solitario con cinco éxitos Top 10 en Estados Unidos.

En 1997 fue enviado a prisión por cargos de drogas. Murió en 2006 a los 59 años.

"Spanish Bombs" - The Clash

Podemos ser perdonados por no saber inmediatamente que "Spanish Bombs" es más que una canción por demás pegadiza. Después de todo, tanto Joe Strummer como Mick Jones no son precisamente conocidos por su articulación. Sumemos a eso un fuerte acento de Essex.

Esta balada de su obra maestra de 1980, London Calling, trata de la brutal y sangrienta Guerra Civil Española, librada a fines de 1930: guerra entre fascistas y revolucionarios.

En todo caso, la canción abre con menciones de "agujeros de bala en las paredes del cementerio" y "Federico Lorca está muerto y desaparecido". Luego, el estribillo comienza con lo que The Clash considera "español":

"Spanish Bombs, yo te quiero infinito.
Yo te quiero, oh my corazón"

Cabe recordar que The Clash a menudo traducía a otros idiomas simplemente buscando el equivalente de cada palabra en inglés y luego, simplemente, transponiendo la oración con su estructura en inglés.

"I will love you forever, oh my heart"

"Las bombas españolas destrozan el hotel, la rosa de mi señorita fue cortada de raíz". La canción trata de un luchador rebelde que lamenta que las bombas españolas hayan matado a su único y verdadero amor en el hotel.

La canción podría verse como el momento Hemingway de la agrupación: una hermosa pero desgarradora combinación de amor y guerra; empatía y carnicería; romance y repugnancia…

La influencia de Seeger en Joan Baez...

Pete Seeger fue una de las primeras influencias musicales de Joan Baez. En 2009, le dijo a la revista Rolling Stone acerca de ver a la leyenda en vivo cuando era una niña: "Es como si me hubieran dado una vacuna, y funcionó".

Después de comenzar como intérprete en cafeterías en el área de Boston, Báez tuvo su primer gran salto cuando Bob Gibson la invitó a cantar con él en el Newport Folk Festival en 1959.

Baez le dijo a The Telegraph en 2009, "caminé por el escenario y parecía la mayor reunión de personas en la tierra... Me sentí como si hubiera sido invitado a mi propia ejecución".

Un año más tarde, su álbum debut homónimo se convirtió en oro, al igual que su seguimiento de 1961, Joan Baez, vol. 2, y sus próximos dos álbumes en vivo. Báez, empero, no es ubicada como un artista que transite en la radio a lo largo de su carrera…