“All I Want Is You” – U2/Idea Musical (1988)

Qué tributo. Escrita para Ali, la esposa de Bono, esta evocadora balada se abre con suaves rasgueos de guitarra acústica y el vocalista irlandés hace grandes y directas declaraciones de amor: “But all the promises we make / From the cradle to the grave / When all I want is you”, canta lentamente sobre orquestación por demás envolvente. The Edge agrega el centelleante trabajo de la guitarra hasta el clímax de la canción, cuando lanza fuegos artificiales sobre barridos del colaborador de Brian Wilson, Van Dyke Parks.

Harry Nilsson, de los favoritos

Tanto Paul McCartney como John Lennon reconocían en Harry Nilsson a uno de sus artistas estadounidenses favoritos, y cuando Lennon se mudó a Los Ángeles en 1973 - como parte de su separación de Yoko Ono, conocido como su "Fin de Semana Perdido" - tomó al nativo de Brooklyn bajo su ala.

El producto resultante fue Pussy Cats, un álbum producido por Lennon lleno de portadas, originales de Nilsson e incluso un par de canciones co-escritas por el propio ex Beatle.

Además de eso, Lennon reclutó estrellas de la industria como Ringo Starr, el baterista Keith Moon y el saxofonista de los Rolling Stones, Bobby Keys, para contribuir con el álbum.

La canción es lo importante: Dave Davies

"Creo que un disco de rock 'n' roll debería comenzar siendo una canción y debería terminar siendo una canción. Creo que todo a su alrededor debería ser complementario o ayudarlo a evolucionar, en lugar de meterse en su camino. Siempre traté de tener esto en cuenta como guitarrista. Es la canción lo que es importante, y las partes individuales se agregan a ella".

(Ray Davies)

“Woman Is the Nigger Of the World” – Lennon/Idea Musical (1972)

El título de éste, el tema principal del tercer álbum solista de John Lennon, Some Time In New York City, no ha envejecido. Tampoco el LP, aunque tampoco se encuentra en los niveles de John Lennon / Plastic Ono Band e Imagine. Empero, esta oda proto-feminista producida por Phil Spector, hace afirmaciones como: "Si es real, decimos que está tratando de ser un hombre" que siguen siendo relevantes a medida que la lucha para la igualdad de género continúa.

Badfinger, derivado Beatle (II)

Aunque una vez que su asociación con Apple Records terminó, las cosas se pusieron un poco más difíciles para Badfinger. Los éxitos comenzaron a agotarse y, antes de que lo supieran, enfrentaban crisis ininterrumpidas en cuanto a administración, dinero, liderazgo y, básicamente, casi todos los aspectos de dirigir un grupo.

Dos miembros de la era clásica, incluso, se suicidaron: Pete Ham en 1975 y Tom Evans en 1983. Mike Gibbins murió de un aneurisma cerebral en 2005.

El interés por la agrupación aumentó (un poco) a fines de 2013, cuando el tema "Baby Blue" apareció, con un efecto dramático, al final de la serie Breaking Bad, aunque seguramente ha disminuido desde entonces.

Badfinger, derivado Beatle (I)

Como primer grupo firmado en Apple Records, de The Beatles, en 1968 (cuando Badfinger todavía se llamaba Iveys), las cosas empezaron de manera bastante impresionante para la agrupación melódica del Reino Unido, que entonces incluía a Pete Hamm (guitarra), Mike Gibbins (batería) , Tom Evans (bajo) y Joey Molland (guitarra).

No tuvieron escasez de éxitos en sus inicios, desde finales de los sesenta hasta principios de los años 70, incluido "Come and get it" (escrito para ellos por Paul McCartney), "Day after day" (producido por George Harrison), "No matter what" y "Baby Blue".

“Overture” – The Who/Idea Musical (1969)

El número de apertura de Tommy tiene muchos puntos instrumentales (la batería de Keith Moon, por ejemplo), pero escucha la reproducción acústica en la secuencia de transición de la canción cerca del final. Los arpegios se ondulan hacia afuera, las figuras delicadas que poseen formas casi de flor bailan, los movimientos flamencos interceden y Pete Townshend le da a su guitarra un par de golpes con las palmas abiertas que producen ecos para vibrar aún más las cuerdas.

Dave Davies: sonido Kinks

En cuanto al lugar de Dave Davies en el sonido de The Kinks, Dave dice: "Ray tiene una idea muy firme sobre lo que quiere hacer, y trato de complacerlo lo mejor que puedo, pero creo que en ciertas áreas, en ciertas canciones, hay mucha más colaboración de la que las personas se dan cuenta.

Faithfull y la intensidad del momento

Con los años, Marianne Faithfull, cantante, amante de los libros, actriz y amiga, se encontró en el corazón de muchas escenas icónicas. Ella estaba ahí cuando John Lennon conoció a Yoko Ono, y fue testigo de la primera actuación de Jimi Hendrix en Londres en un pequeño club. Recuerda con cariño la horrible cocina de Allen Ginsberg, y a William Burroughs comiendo un huevo cocido con elementos de la milicia.

No todas las comidas, empero, son tan memorables. Como una cena en Nueva York con el cantante Harry Nilsson en los años 70. "Recuerdo las cosas de las que hablamos, pero no exactamente lo que comíamos", admite.

"Además, cuando tomas mucho cocaína, la comida no está realmente en tu mente". Al escucharla contar historias vívidas, nos pone a pensar en que hay diferentes formas de hambre, que tienen más que ver con la intensidad del momento…

“Yer Blues” - The Dirty Mac/Idea Musical (1968)

Con los Beatles desintegrándose a su alrededor, en diciembre de 1968, John Lennon apareció en The Rolling Stones Rock and Roll Circus, un evento organizado por los Stones que también presentaban a The Who, Marianne Faithfull, Jethro Tull y Taj Mahal.

Mientras Lennon aparecía junto a Yoko Ono para una extraña actuación en la que Mick Jagger se esmeraba en destacar. El evento sobresalió por la presencia del supergrupo formado con Keith Richards, Eric Clapton, y el baterista de The Jimi Hendrix Experience, Mitch Mitchell.

Apodado The Dirty Mac, el grupo interpretó la canción de los Beatles, compuesta por Lennon, "Yer Blues", con un entusiasmo estridente que hace que la versión original suene ligeramente menor.

“Wild Horses”, Stones sin arrogancia...

Esta polvorienta melodía de los Rolling Stones es el producto de la amistad entre Keith Richards y su acérrimo Gram Parsons, cuya agrupación Flying Burrito Brothers lanzaría una versión de "Wild Horses" un año antes de que llegara en el LP Sticky Fingers de 1971 de los propios Stones.

Pero la versión de Jagger / Richards es mucho más conmovedora: la primera demostración de Keef sobre la extrañeza de su hijo recién nacido mientras estaba de gira, la voz anhelante de Mick hizo de "Wild Horses" una dedicación de amor constante, posiblemente para la novia de Jagger, Marianne Faithfull.

Grabada en los Muscle Shoals Sound Studios de Alabama del 2 al 4 de diciembre de 1969, pocos días antes de la tragedia de Altamont, la canción representa quizá el momento más vulnerable de los Stones, libres de toda arrogancia.

Drama en todo lo alto: "Without You"

¿Existe una canción más desesperada? Está escrito por los rockeros británicos Badfinger, pero la versión de Harry Nilsson es mejor conocida por una buena razón: el cantante de Los Ángeles lo deja resquebrajar, desencadenando sus suaves pisadas en la altísima balada de piano. El sentimiento es grave: “I can’t live if living is without you / I can’t live anymore.”

Las cuerdas navegan. Otro tanto, las emociones de Nilsson; drama en todo lo alto. Una historia trágica: Pete Hamm y Tom Evans, de Badfinger, co-escribieron la canción, con Hamm escribiendo el verso sentimental y Evans el coro, inspirado por su futura esposa, dejándolo brevemente durante su noviazgo.

Tanto Ham como Evans se suicidaron más tarde; la muerte de Evans estuvo vinculada a una disputa sobre regalías por la autoría de "Without You". Aún así, la canción perdura y es una súplica de amor reconocida a nivel mundial.

“Something” - The Beatles/Idea Musical (1969)

En 1969, unos cada vez más descontentos Beatles lanzaron "Something" como single, siendo la primera vez que una canción de George Harrison encabezaba el lado A. John Lennon fue insistente, y considerando la pista - un tributo a dos amores en la vida de Harrison, su esposa Pattie Boyd y Clapton - para ser el mejor trabajo del “Quiet Beatle”. Boyd fue una afortunada.

Mientras tanto, Eric Clapton también escribía "Layla" para ella. Las tribulaciones románticas se convertirían en tradición del rock, pero "Something" no podría ser superada. Llegó al número 1 en EU, y desde entonces ha sido interpretada por cientos de artistas…

“Crippled Inside” - John Lennon/Idea Musical (1971)

Mientras que el ex compañero de grupo, Paul McCartney, se retiró de la esfera de The Beatles para grabar su primera obra maestra, Ram, con su esposa Linda, Lennon hizo una doble colaboración, grabando su segundo álbum en plan solista con un elenco de personajes que incluía a otro ex Beatle, George Harrison.

Harrison nos ofrece ejecuciones de guitarra de lo más jugosas para Imagine, como en la canción de rockabilly superficialmente alegre "Crippled Inside".

Pero, con líneas como “One thing you can’t hide / Is when you’re crippled inside,” la canción no es tan alegre como podría presumirse en primera instancia...

“Pinball Wizard” – The Who/Idea Musical (1969)

Es una buena idea que una de las pistas de guitarra más imborrables tenga guitarras acústicas y eléctricas, y que no haya un solo a la vista: ¿de cuántas otras canciones podemos decir eso? El riff de apertura es algo en lo que nadie más hubiera pensado. Orson Welles hablaría sobre la docena de ideas que tal vez le llegarían a un genio, y uno tiene la sensación de que la figura de la guitarra que inicia la canción encaja en con Pete Townshend.

Es tan fundamental para la riffología rockera como el "Louie Louie" de los Kingsmen, "Satisfaction" de The Rolling Stones o "You Really Got Me" de The Kinks. Y ese no es ni siquiera el punto culminante de la canción.

Para eso tenemos que recurrir a un sonido demasiado fuerte, pero agradable, que sigue la línea del "seguro juega un pinball", especialmente en el segundo pase. Se puede sentir el cuerpo entero de Townshend apoyándose en su instrumento...

Lennon y la estética musical

John Lennon lanzó su último álbum, Double Fantasy, de 1980, tan sólo tres semanas antes de su muerte, luego de un retiro de cinco años de la música para criar a su hijo Sean. Double Fantasy gira entre las composiciones de Lennon y Ono, pero las contribuciones de Lennon rezuman aún más con la promesa que magnifica la tragedia de su asesinato.

En “Cleanup Time” encontramos un ejemplo más de la probada capacidad de Lennon para adaptar su estilo musical a la estética musical en turno.

Faithfull, en constante evolución...

Marianne Faithfull ha tenido dos carreras distintivamente diferentes durante sus más de 70 años. En la primera, fue una de las mujeres de la Invasión Británica, que llamó nuestra atención por primera vez a fines de 1964 con una canción llamada "As tears go by".

Escrita por Mick Jagger, Keith Richards y el manager de los Stones, Andrew Loog Oldham, balada lastimera exhibió la voz clara y casual del cantante; se vendió bien y se ubicó en el puesto 22 de la lista de sencillos de Billboard en EU.

Faithfull, nacida el 29 de diciembre de 1946, colocó otros cinco singles, todos en London Records, en la lista estadounidense en 1967, momento en el que había alcanzado por romper el estereotipo de novia de Jagger, atrapada en todo tipo de caos con los Stones, mientras aparecía en películas y producciones teatrales.

Durante los años 70, la vida de Faithfull sufrió una especie de recesión cuando se vio envuelta en luchas personales. Aunque siguió grabando, su estilo evolucionó todo el tiempo, la mayoría de sus admiradores la perdieron de vista.

Entonces resurgió en 1979, con un nuevo álbum llamado Broken English, pocos la reconocieron como la misma mujer que había tenido el éxito con "As Tears Ago By" casi 15 años antes. Su voz, ahora, era áspera, más profunda y cruda, y sus canciones a menudo eran brutales en contenido.

“Won’t get fooled again” – The Who/Idea Musical (1971)

Un auténtico himno en el que un sintetizador y una guitarra plagadas de energía, más la batería de Keith Moon, aparecen en todas por todas direcciones: “Won’t Get Fooled Again” es como dos tipos de conciertos en uno. Nuevamente, no hay solo de guitarra de parte de Pete Townshend, y gran parte de la guitarra que escuchamos nos llega en ráfagas impecables. El tono es crucial para el diseño de todo el sonido.

He superado "As tears go by"

Hubo un largo período en el que no quiso tener nada que ver con "As tears go by", y luego la retomaría como un tipo de canción melancólica.

“Oh, lo supere hace años. Volver a trabajar la canción fue algo muy interesante de hacer en ese momento. Ahora interpreto la primera versión y ni siquiera menciono sus nombres (Mick Jagger y Keith Richards). Tan sólo digo: "Esta es mi primera canción, 'As tears go by'. Se acabó para mí. Esas personas están fuera de mi película.”

(Marianne Faithfull)

"Quadrophenia" – The Who/Idea Musical (1973)

Hay momentos en la canción que da título al segundo álbum de la ópera rock de The Who en el que la guitarra de Pete Townshend asume tan a la perfección las características de su entorno que no suena como una guitarra. Ningún músico tenía una guitarra más vocal que Townshend, en términos de hacer cantar el instrumento.

Townshend varía su ritmo, de modo que cuando el sintetizador va más rápido, parece natural que la guitarra comience inmediatamente a bailar junto a él. Y cuando el corte se ralentiza se siente como si los cielos se abrieran, es la guitarra la que desciende de ellos…

Dave Davies y su influencia

La influencia de Dave Davies en The Kinks fue inmensa. Escribió éxitos memorables para The Kinks como "Strangers", "Living on a Thin Line" y "Death of a Clown". Agregó su toque personal a canciones de corte acústico ("Tired of waiting for you", "Victoria", "Sleepwalker"), escupiendo solos que impresionaron a Eric Clapton, Jimi Hendrix, Jimmy Page, Keith Richards y más, y su propio álbum en plan solista muestran cómo él "posee" el sonido de The Kinks tanto como Ray.

Dave también fue uno de los principales impulsores del establecimiento de los Estudios Konk del grupo en una antigua fábrica de galletas. Siguen siendo considerados uno de los mejores estudios de Londres.

Los Stone Roses, Bee Gees, Paul Weller, Elvis Costello, Adele, Jane's Addiction e incluso Madonna se encuentran entre los diversos músicos que han acudido a los Estudios Konk para efectuar sus producciones musicales.

“Led Zeppelin II” - Led Zeppelin

Tres palabras: "Whole Lotta Love". Por supuesto, esa no fue la única gran canción en este clásico de 1969, sino la primera pista en este seguimiento de un debut que fue en sí mismo un hito, a pesar de que algunas voces señalaban que este cuarteto no era más que otra banda británica de blues.

Apareció como un rayo repentino y se movió con potencia suficiente para encender una pequeña ciudad, luego se desvió a una sección media de la psicodelia pura.

Sumemos a tales éxitos taquilleros de Led Zeppelin piezas del calibre de " What Is and What Should Never Be", "Ramble On" y, por supuesto, la poderosa "Moby Dick", y tendremos en nuestras manos una de las mejores gemas de rock duro desde hace décadas.

Jimmy Miller, cuarto miembro de Motörhead

Jimmy Miller superaría su adicción y, a fines de la década de 1970, se unió para producir el seminal LP de Motörhead: Overkill. Empero, sucumbiría a las drogas, nuevamente, mientras trabajaba en el disco Bomber.

El líder de Motörhead, Lemmy Kilmister, recordó que el grupo recibió una lista de cuatro productores para trabajar y eligió a Miller por su trabajo con los Rolling Stones.

Kilmister señaló que Miller "hizo una contribución masiva. Para empezar, Jimmy sabía trabajar en un estudio y, como grupo, nosotros no. También se convirtió en el cuarto miembro de Motörhead por el tiempo que trabajó en el álbum".

Judas Priest - 'Better by You, Better Than Me'

El cover de Judas Priest de la canción "Better by You, Better than Me", del grupo Spooky Tooth, fue a juicio en 1990 porque dos jóvenes, Ray Belknap y James Vance, se suicidaron en 1985 después de escuchar esta canción.

Belknap murió instantáneamente de una herida de bala autoinfligida y Vance sobrevivió con heridas graves, pero murió tres años más tarde después de una sobredosis de analgésicos.

Los padres de Vance afirmaron que esta canción en particular ha enmascarado mensajes que desencadenaron estos desafortunados eventos.

Después de una prueba de tres días, que llamó la atención de los medios, funcionarios de la industria de la música y varios abogados, el caso fue desestimado porque no había pruebas que respaldaran los reclamos.

La ironía es que la canción se agregó en el último minuto al álbum Stained Class de 1978 después de que la discográfica exigiera una canción más brillante y comercial para contrastar el resto de las canciones, ya que aparentemente eran demasiado oscuras.

Curiosamente, la canción menos pesada del disco fue la culpable de una tragedia.

Miller - Primal Scream - Stones

Las últimas obras de Jimmy Miller incluyen dos canciones en la exitosa grabación de Primal Scream, Screamadelica, una de las cuales fue el sencillo inspirado en los Rolling Stones: "Movin 'on Up".

En 1991, un año donde el grunge reinaba en EU, "Movin 'on Up" de Primal Scream, una oda a los Stones de la era Miller de su tercer álbum Screamadelica, terminó siendo el primer avance de la agrupación británica en EU, aterrizando en el puesto número 2 en las listas de Modern Rock.

El líder del grupo, Bobby Gillespie, recordó que Miller estaba "realmente en la onda y el ritmo". En 'Movin' on Up', "ocurre una loca percusión, es Jimmy jugando con dos botellas de Coca-Cola".

Firmando a Traffic

El productor Jimmy Miller descubrió y produjo un grupo de adolescentes de Detroit llamado Sky. El grupo estaba liderado por Doug Feiger. Después de que Sky abriera para Traffic, el flautista y saxofonista de esa agrupación, Chris Wood, le dio su dirección al productor Jimmy Miller.

Feiger cuenta que una noche, mirando televisión, mi padre me dice que hay un tipo llamado Jimmy Miller en el teléfono. Era Miller, quien le dijo: 'Voy a Detroit a mirar los estudios Motown, y quiero ver a tu grupo'.

Lo recogimos en el aeropuerto y lo llevamos a Motown, luego lo trajimos a mi casa. Le pusimos todas nuestras canciones, y nos firmó al día siguiente.

"Una semana después de graduarme de la escuela secundaria, nos llevó a Londres. Estábamos en el Estudio A, mientras que los Rolling Stones estaban en el Estudio B grabando el disco Sticky Fingers. Tenía diecisiete años. Fue increíble, subraya Feiger"

El heroísmo de Miller y Wyman

El director francés Jean-Luc Godard estuvo en los Olympics Studio, filmando, organizando, ensayando y grabando a los Rolling Stones para el film Sympathy for the Devil.

En sus memorias, Stone Alone, Bill Wyman recuerda que hubo un incendio después de una sesión nocturna. El calor de las luces del equipo de filmación incendió el techo del estudio.

"El resto de los muchachos se había ido y mi primer pensamiento fue guardar las cintas: Jimmy y yo corrimos a la sala de control y luego a las bóvedas para dejarlos en claro, y luego corrimos por seguridad", recordó Wyman.

"Todos fueron evacuados, mientras que tres camiones de bomberos llegaron en cuestión de minutos para extinguir el incendio. Guitarras, amplificadores, un órgano de Hammond y equipos fotográficos estaban empapados. Después de que los bomberos habían terminado, Jimmy Miller y yo devolvimos las cintas intactas a la bóveda de cintas del estudio y nos fuimos a casa".

Slayer y el asesinato de Elyse Pahler

Después de que tres adolescentes asesinaran a Elyse Pahler, de 15 años, los padres de la víctima afirmaron que las letras de un par de canciones de Slayer eran las culpables del crimen.

Aparentemente, los tres tipos que cometieron el espantoso acto tenían su propio grupo de metal llamado Hatred y eran seguidores de Slayer. Durante el juicio, el trío afirmó que tenían que sacrificar a Elyse para que Satanás ayudara a su grupo a ser profesional.

Mientras sus padres David y Lisanne Pahler estaban horrorizados por este acto, demandaron a Slayer, declarando que la letra en "Postmortem" y "Dead Skin Mask" daban instrucciones claras para el asesinato y la necrofilia.

El caso fue rechazado y los padres lanzaron otra demanda, culpando a Slayer por distribuir "material dañino a menores". Esto por supuesto, también fue descartado.

'Desparado' – Eagles (1973)

Una expansión de un tema de todo lo que los Eagles intentaron hacer en su debut homónimo, el Desperado con tema del Viejo Oeste es un proyecto que a menudo se pasa por alto y que simplemente mejora con la edad.

Por supuesto, un concepto tan ambicioso no era exactamente igual a éxito en las listas. De hecho, este álbum no tuvo éxitos, a pesar de la posterior reproducción radial para su canción principal (que nunca se lanzó como single) y 'Tequila Sunrise'.

Después, los Eagles se sintieron atrapados en la ropa cowboy de esta época, lo cual los llevaría directamente a su obra maestra: Hotel California.

'Hysteria' - Def Leppard (1987)

La sorpresa no fue que Def Leppard tuviera otro gran álbum después del consensuado número 1 Pyromania, sino que sobrevivieron - después de una serie de desastres personales y profesionales - lo suficiente como para lograrlo.

Hysteria, por su parte, es una producción más simplificada, con menos bordes, pero no se puede negar su popularidad. Ya superestrellas, Def Leppard se hizo aún más grande. Sucede así cuando algún grupo lanza un disco sin relleno y con seis asombrosos Top 20.

Medalla por "Exile on Main Street"

Las historias acerca de la producción de Exile on Main Street son legendarias. Gran parte del álbum fue grabado en el sótano de la mansión de Keith Richards en el sur de Francia, frecuentado por traficantes de drogas, drogadictos, vagabundos y ladrones.

Los Rolling Stones mismos raramente llegarían a las sesiones, y el espacio excesivamente húmedo no era en absoluto propicio para que los instrumentos se mantuvieran en sintonía. La sala de control, el nuevo Rolling Stones Mobile Studio, era un camión estacionado afuera de la mansión, lo que dificultaba la comunicación del equipo de producción con los músicos.

Y, por supuesto, el dueño de la casa, Keith Richards, estaba cultivando un problema de heroína, al que Jimmy Miller sucumbió también. No es de extrañar que en el libro According to the Rolling Stones, Keith Richards reconociera:

"El nombre de Jimmy Miller está escrito en oro en el paraíso del rock'n'roll. Trabajando en las condiciones más extrañas y conociendo a los personajes con los que tuvo que lidiar, Jimmy fue una alegría".

Metallica - 'Ronnie'

Metallica, responsable de los actos violentos de otra persona. En 2002, Ronald Pituch, de 29 años, mató a su propia madre en su casa. Después de salir corriendo de la casa y huir en su motocicleta, Ronald tropezó con un niño de 11 años que murió apuñalado.

Después de ser arrestado, el Pituch confesó estos crímenes. Durante el juicio, dijo que había un demonio dentro de él y que la canción de 1996 de Metallica, "Ronnie", era sobre su vida. Obviamente, nadie en el tribunal lo tomó en serio y Pituch fue sentenciado a 50 años de prisión.

El tema de la canción "Ronnie" gira en torno a los asesinatos reales ocurridos a principios de la década de 1990 en Washington.

'Let There Be Rock' - AC / DC (1977)

La joya de la corona de los años anteriores a Back in Black de AC/DC, Let There Be Rock cuenta con algunas de las grabaciones para conciertos más populares del grupo, transmitidos con intensidad y potencia incomparables para grabación de estudio.

La canción principal, "Whole Lotta Rosie", "Bad Boy Boogie", y temas menos conocidos como "Overdose" y "Go Down" hacen de este uno de los documentos esenciales del hard rock.

'Hunky Dory' - David Bowie (1971)

Este era el momento de disparar a la luna por parte de David Bowie. Después de anotarse un hit solitario ("Space Oddity") y poco más en el transcurso de tres álbumes, el artista empaquetó todo lo que tenía en Hunky Dory.

Bowie expone aquí un pop reluciente ("Changes"), folk siniestro ("Quicksand"), bullicioso salón de baile ("Oh! You Pretty Things") y "Life on Mars?" es una de las mejores canciones escritas. Bowie demostró así que podía hacer cualquier cosa, abriendo la puerta para el triunfo de Low.

'Master of Reality' - Black Sabbath (1971)

Si no fuera por el hecho de que contiene tan sólo seis canciones completamente formadas (más dos instrumentales breves, "Embryo" y "Orchid"), Master of Reality bien podría haber superado a Paranoid.

Un tour de force afinado, Master of Reality todavía impresiona con el rastreo apocalíptico de "Children of the Grave", el último himno de las malas hierbas "Sweet Leaf" y los estándares finales en "After Forever" e "Into the Void".

Jimmy Miller y los Stones (V)

"Ya sabes, ahí estábamos, gastando un buen de dinero por tiempo en un estudio superior", dijo Miller al escritor Richard Buskin para su libro Inside Tracks, "y grabando en una máquina de cassette de 20 libras".

Miller también trajo el funcionamiento al rock. "Jimmy Miller era un muy buen baterista", escribe Keith Richards en su libro de memorias, Life. "Me facilitó mucho el trabajo, principalmente para establecer el ritmo, establecer los tiempos..."

"Sympathy for The Devil" comenzó como un canto fúnebre inspirado en el folk, no sería nada sin el ritmo de samba, que se incorporó bajo la mirada de Miller.

Jimmy Miller y los Stones (IV)

"Jimmy Miller fue uno de los productores más simpáticos con los que he trabajado", dijo Keith Richards en According to the Rolling Stones. "Podía manejar un grupo, especialmente a este grupo, y le dio a todos el mismo nivel de apoyo". ... Tuvo una muy buena relación con Mick".

Jimmy Miller trajo dos cosas principales a los Stones. Primero, alentó la experimentación en el estudio. A saber: cuando el grupo tocó el demo de "Jumpin' Jack Flash" en un cassette mono, Richards comentó cuánto le gustaba la distorsión que su guitarra acústica tenía al sobrecargar la cinta. Miller sugirió que si le gustaba tanto el sonido, podrían grabar así la parte de la guitarra para la canción.

Jimmy Miller y los Stones (III)

Los Stones no necesitaban un crítico de rock para decirles que podían usar algo de ayuda. Así que el grupo terminó contratando al productor Jimmy Miller quien, mientras el grupo grababa Their Satanic Majesties Request en el estudio A, en los Olympic Studios, había estado trabajando en el álbum debut de Traffic en el estudio B. "Jumpin' Jack Flash" fue el primer lanzamiento de la nueva asociación.

La colaboración sería una de las más fructíferas del rock, con Miller produciendo los siguientes cinco álbumes de Stones: Beggars Banquet, Let It Bleed, Sticky Fingers, Exile on Main Street y Goats Head Soup.

Los primeros cuatro no son tan sólo cuatro de los mejores álbumes que grabaron los Stones; sino que son, además, cuatro de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos.

Jimmy Miller y los Stones (II)

Jon Landau escribió en Rolling Stone: "Their Satanic Majesties Request, a pesar de los momentos de indiscutible brillantez, pone el estado del grupo en peligro. Aquí, los Rolling Stones abandonan su capacidad de impresionar a los impresionables.

"Han sido demasiado influenciados por sus inferiores musicales y el resultado es un álbum inseguro en el que intentan demostrar que también son innovadores, y que también pueden decir algo nuevo". Landau agregó que el álbum "fue estropeado" por una pobre producción".

Jimmy Miller y los Stones (I)

El tema "Jumpin' Jack Flash", de los Rolling Stones, lanzado como sencillo hace medio siglo, no es simplemente la mejor canción que se haya escrito sobre el jardinero de Keith Richards (quien inspiró la canción).

Empero, gracias a la participación del productor Jimmy Miller, "Jumpin' Jack Flash" ya era un hito en la trayectoria discográfica del grupo.

La canción llegó cinco meses después del desafortunado álbum Their Satanic Majesties Request, en el que tanto críticos como seguidores se preguntaban si los Rolling Stones seguían siendo relevantes.

“More songs about buildings and food” - Talking Heads (II)

Más canciones sobre edificios y comida es a donde fue. Su segundo álbum arroja minimalismo por la ventana. Las canciones están completas: coros femeninos, palmadas, teclados, guitarras en capas, y Brian Eno (quien apareció como productor pero terminó como un quinto miembro no oficial) tratando todo y añadiendo bucles y efectos.

El resultado es un excelente ejemplo del funk boho urbano de finales de los 70.

“More songs about buildings and food” - Talking Heads (I)

Para cuando ingresaron al estudio, Talking Heads tenía más de dos docenas de canciones en reserva, perfeccionadas durante los tres años que el grupo se presentó en CBGB. Sus dos primeros álbumes, 77 y More songs about buildings and food, se derivan de dicho arsenal, pero con un efecto enormemente diferente.

En 77 eso significaba esqueleto art rock: guitarras y una sección rítmica terminada. Da una buena idea de cómo sonaron los primeros ejercicios en vivo; una versión auditiva del arte minimalista y conceptual visto en las galerías del SoHo.

Más diagramas esquemáticos que carne, las letras (y el gruñido manchado de David Byrne) insinuaron algo más oscuro. La producción espaciosa (de Tony Bongiovi) muestra la afinidad de la agrupación por Lou Reed y las producciones elegantes de Willie Mitchell para Al Green. Un disco maravilloso, aunque era difícil ver hacia dónde podría ir.

'Highway 61 Revisited' - Bob Dylan (1965)

Una vez que Bob Dylan se conectó y se hizo eléctrico en 1965, no había manera de detenerlo. En menos de un año y medio, grabó tres LP clásicos, entre ellos Highway 61 Revisited, un revoloteo alegre de su imagen folklórica que se enfrentó a influencias, expectativas y sus críticos.

Es amargo, divertido, melódico, lírico y revolucionario. Y es uno de los mejores discos de rock jamás realizados. Justo a la par de Blonde on Blonde, por supuesto.

'Eat a Peach' - Allman Brothers Band (1972)

Eat a Peach, el seguimiento del álbum en vivo de The Allman Brothers Band, también contiene grabaciones de conciertos, pero se inició como el tercer disco de estudio del grupo antes de que Duane Allman muriera en un accidente de motocicleta.

El álbum resultante se convirtió en un tributo al fallecido guitarrista, combinando pistas sobrantes de las fechas del Fillmore con algunas de las nuevas canciones de estudio.

Es Jimmy, no Charlie...

Es Jimmy Miller, no Charlie Watts, quien toca en la canción “You Can’t Always Get What You Want”.

"Sentí una figura rítmica que a todos les gustaba, pero Charlie no la sintió", apunta Miller en el libro Inside Tracks. "Me senté y la volví a tocar, y Charlie, que era encantador y humilde, dijo: 'Jim, eso suena genial, lo tocas'".

"Jimmy realmente me hizo parar y pensar nuevamente sobre la forma en que toco la batería en el estudio", relata Watts en el libro According to the Rolling Stones, "y me convertí en un baterista mucho mejor en el estudio gracias a él, juntos hicimos algunos de los mejores discos que hemos hecho..."

Miller también está detrás del kit en "Happy", "Shine a Light" y la salida en "Tumbling Dice", y tocó diferentes instrumentos de percusión en canciones como "Gimme Shelter", "Monkey Man" y "Can’t You Hear Me Knocking". Por supuesto, también es el hombre que está detrás de las campanillas...

'Making Movies' - Dire Straits (1980)

El segundo álbum de Dire Straits, Communique, fue criticado por sonar demasiado parecido a su debut, por lo que Mark Knopfler hizo del tercer álbum su gran movimiento de arena-rock.

Es su álbum más logrado después de Brothers in Arms, de 1985, lleno de canciones increíbles ("Tunnel of Love", "Romeo y Julieta") que eran más grandes, más audaces y más melódicas que cualquier otra cosa que hayan hecho antes.

'Rocks' - Aerosmith (1976)

Aerosmith estaba en una buena racha después del mejor álbum de 1975: Toys in the Attic, por lo que no cambiaron mucho para su siguiente trabajo.

Rocks es un producto más suelto y, con certeza, oscila más duro. Un álbum fundamental para Aerosmith, Rocks sería el último trabajo consistente hasta su regreso de finales de los años 80.

'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ' - The Beatles, (1967)

La música pop creció en 1967, cuando The Beatles forjaron una obra maestra de sonido, textura y melodía. Su enfoque caleidoscópico de grabación, capa tras capa de instrumentos y voces apiladas una encima de la otra hasta que todo se convierte en una colorida explosión, se convertiría en un marcador y patrón para todo lo que llegaría después.

Canción por canción, el único álbum de los Beatles que podría rebasarlo es su predecesor: Revolver.

'Powerslave' - Iron Maiden (1984)

Ningún álbum personifica a Iron Maiden en su mejor momento como Powerslave, con sus memorables imágenes egipcias cortesía del diseñador Derek Riggs.

Los puntos destacados incluyeron grapas de metal pesado como "Aces High", "2 Minutes to Midnight" y la colosal de 13 minutos: "Rime of the Ancient Mariner". Sin embargo, por grandioso que sea, nada ha podido superar a Number of the Beast.

'L.A. Woman' - The Doors (1971)

Para el momento en que The Doors grabaron su sexto y último álbum durante el invierno de 1970-71, Jim Morrison ya era un desastre hinchado y borroso. Tan sólo unos meses antes, fue sentenciado a seis meses de prisión.

Pero se armó de fuerzas el tiempo suficiente para hacer el segundo mejor álbum de The Doors después de su debut: un trabajo influenciado por el blues y que en su mayoría fue grabado en vivo.

Tres meses después, Morrison murió en París a la edad de 27 años.

'The Last in Line' - Dio (1984)

Dio se burló de la depresión del segundo año con el estelar de 1984: The Last in Line, que mostró que el grupo ahora estaba encerrada en el prototipo ganador que emularían en todos los álbumes futuros. La formación clásica de Dio, el guitarrista Vivian Campbell, el bajista Jimmy Bain, el baterista Vinny Appice y el tecladista Claude Schnell arden en "We Rock", el corte de título, "Mystery" y el cierre "Egypt (The Chains Are On)". Solamente Holy Diver es mejor.

Miller dice adiós a los Stones

Así como "Jumpin 'Jack Flash" marcó el comienzo de la era dorada con los Rolling Stones, Goats Head Soup señaló su desaparición. También marcó la última vez en que el productor Jimmy Miller trabajaría con los Stones.

No fue un álbum terrible en sentido alguno, pero después del lapso de álbumes brillantes e innovadores que lo precedieron, Goats Head Soup parecía falto de inspiración.

En Life, Keith Richards comenta: "Nos cansamos de Jimmy Miller, quien sucumbió lentamente a la droga y terminó esculpiendo cruces gamadas en la mesa de mezclas mientras trabajaba en su álbum de canciones de cisne para nosotros, Goats Head Soup".

Miller lucharía contra las drogas y su adicción al alcohol por el resto de su vida.

“This Year’s Model” - Elvis Costello (II)

Menos de un año después, y los ritmos aumentan (el álbum se toca a un ritmo vertiginoso, casi se puede obtener un contacto de elevada anfetamina), los arreglos se reducen, y el órgano eléctrico de Steve Nieve dirige la música.

En This Year’s Model, Costello encontró a sus iguales creativos y espirituales en The Attractions, el grupo perfecto para él. Las canciones son igualmente agudas: el romance y la fama se filtran a través de una inteligencia feroz y sangrienta.

“This Year’s Model” - Elvis Costello (I)

No hay mucho por lo que criticar el debut de 1977 My Aim Is True: es un álbum lleno de grandes canciones... pero a pesar de la bilis y la saliva que recorre la letra y la entrega de Elvis Costello, es algo suave.

En su ingeniosa raíz, Aim está más cerca del último grito de pub rock que del rock moderno. (Se supo que Costello volvió a grabar el álbum con The Attractions, pero las pistas nunca han salido a la luz).

El revolucionario sonido Davies

Es injusto, en verdad, pero gran parte de la pronta aclamación de Dave Davies vino de "You really got me". Fue escrita por Ray al piano, pero luego Dave concretó el revolucionario sonido, electrizando la canción, cortando el cono de su amplificador.

Dave refiere que en el lejano1964 estaba solo en casa, en Muswell Hill North, Londres, estaba molesto por haber cortado con su novia. En un arranque de rabia, señala que cortó el cono del parlante con una navaja de afeitar. “Ray no estaba conmigo. Estaba solo, con mi ira. No tiene nada que ver con una pelea con mi hermano".

Durante años, persistieron otros rumores de que fue Jimmy Page, entonces un músico de sesión, quien tocó el solo en "You really got me", a pesar de que Page lo negó. Dave dice: "Soy yo quien lo tocó, no podría ser nadie más. La forma en que toqué ese solo, nadie en este planeta podría tocarlo como yo. ¡Eso es ridículo!".

'Machine Head' - Deep Purple (1972)

Machine Head es el álbum más esencial e influyente de Deep Purple, sin duda alguna, con clásicos atemporales como el inigualable espectáculo principal "Highway Star".

Quizá el mejor single puro de del grupo sea "Never Before", la irreprimible "Space Truckin", y la madre de todos los riffs: "Smoke on the Water".

Pero, quizá, queda debajo de Deep Purple In Rock debido a que los cortes restantes "Pictures of Home" y "Lazy" se quedan cortos, en tanto que "Maybe I'm Leo" queda a deber.

'Cosmo's Factory' - Creedence Clearwater Revival (1970)

Poco después de un año en el que Creedence Clearwater Revival lanzó tres álbumes, realizó una gira ininterrumpida y tocó en Woodstock, no sorprendería que el grupo decidiera descansar en 1970. En lugar de eso, la disquera presionó a John Fogerty.

Las canciones originales de Fogerty se centran en escapar y recorrer ("Up Around the Bend", "Travelin 'Band"), así como una cosmovisión poco soleada ("Ramble Tamble", "Who'll Stop the Rain"), además de que el LP presenta más covers que cualquier otra producción de Creedence (cuatro).

Las relaciones se estaban volviendo tensas, pero los muchachos seguían sacando algo de la mejor música de su carrera. De hecho, el único álbum de Creedence que compite con este es Green River, de 1969.

Las ausencias de Jimmy Miller

A Jimmy Miller lo acreditan como el productor del disco Sticky Fingers, pero no estuvo en el estudio para "Brown Sugar", "Wild Horses" o "You Gotta Move".

Esas canciones fueron grabadas en Muscle Shoals Sound Studio, en Sheffield, Alabama, durante un par de días libres de la gira de The Rolling Stones en 1969, a principios de diciembre.

El guitarrista de la sesión, Jimmy Johnson, quien diseñó las canciones junto con los Stones, era el productor de facto. En el libro According to the Rolling Stones, Charlie Watts dice que las pistas en Alabama fueron geniales, "y las hicimos sin Jimmy Miller, que fue igualmente sorprendente".

Un promotor llamado Tony Calder (II)

Los clientes pronto solicitaron el sencillo en sus tiendas de discos locales, y de repente los Beatles tuvieron un éxito Top 20 en el Reino Unido. "El disco estaba luchando y se recuperó", señaló Calder, "así es como lo conseguimos".

Antes de lanzar Inmediate Records, Calder y el también promotor Andrew Loog Oldham comenzaron una firma de relaciones públicas que contaba a los Rolling Stones y Beach Boys como clientes.

En Inmediate Records, firmó con Rod Stewart, Fleetwood Mac y Small Faces, aunque la etiqueta fracasó unos años más tarde. Calder y Oldham más tarde colaboraron en un libro de 1994 sobre el grupo pop ABBA.

Un promotor llamado Tony Calder (I)

The Beatles todavía estaban luchando por encontrar una audiencia para su tema "Love me do" cuando un muy ocupado promotor Tony Calder, quien trabajaba en Decca Records durante el día y se desempeñaba como DJ de salón de baile por la noche, decidió retomar la causa del grupo.

Calder personalmente envió copias del single a los clubes a través del Reino Unido, asegurando a sus compañeros disc jockeys que "Love me do" sería un éxito.

"No se escuchaba en la radio, y después de la primera semana entraron en pánico", señaló Calder. "Fue entonces cuando pensé: 'Esto llena todos los salones de baile de Mecca Leisure Group en los que toco. Hagámoslo 'en todo el país'. Lo enviamos por correo el lunes. Para el miércoles, todos lo estaban tocando".

Joe Cocker, valor agregado en el cover

Joe Cocker fue uno de los pocos cantantes de rock cuya voz era reconocible al instante, añadiendo una nueva dimensión a cualquier canción que cantara. Y tal vez esta es la razón por la cual sus covers funcionaron tan bien: sonaron completamente diferentes, emocionantes y auténticas.

Cocker podía tomar una canción muy querida y transformarla de una manera que era amada por aquellos que amaban el original.

El nacido en Sheffield fue el único que mejoró una canción de The Beatles. Su cover al tema “With a little help from my friends”, de 1968, es inolvidable, sobre todo después de la introducción.

Parece una canción completamente diferente, disparando en una dirección que ni siquiera los Beatles manejaron.

Paul McCartney admitió que Cocker transformó la canción, su canción, en un himno de blues, después de haber visto en ella una belleza que George Martin ciertamente no tenía cuando se la regalaron a Ringo para Sgt Pepper.

Cocker transformó “With a little help…” de una canción infantil en una canción para adultos…

'Demasiada voz': Mick Jagger

"Mick y yo siempre luchamos un poco por su voz", dijo el productor Jimmy Miller en el libro Inside Tracks. "Pensé que deberían estar al frente, pero cada vez que mezclábamos él decía 'demasiada voz, demasiada voz'. Así que le dije: 'Mick, ¿por qué siempre pides menos nivel en la voz? Quiero decir, ¿no estás seguro de cómo suena tu voz? 'Él dijo:' No, no es eso'.

Y describió cómo, cuando crecía y escuchaba canciones de blues negro, había un concurso para recitar las palabras donde el artista a menudo sonaba como si tuvieran un bocado. No podías descifrar las palabras de una canción escuchándola de vez en cuando en la radio, por lo que tendrías que salir y comprar el disco, y tocarlo una y otra vez.

"Pragmático como siempre, Mick ahora creía que si la gente quería entender las palabras... mezclar su voz los haría más propensos a comprar los discos", remata Miller.

“Axis: Bold as Love” - Jimi Hendrix Experience (II)

Axis: Bold as Love señaló una maduración, un avance, que no se puede negar. The Jimi Hendrix Experience, en un principio, tenía algo de una cualidad novedosa, pero en esos meses de 1967 entre el primer y el segundo álbum, Hendrix, el bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell se habían solidificado en una unidad capaz de extenderse más allá de donde había comenzado conceptualmente.

Pistas como "Castles Made of Sand", "If 6 Was 9" y, especialmente, "Little Wing", establecieron a Hendrix como un verdadero artesano de la canción.

Claro, la guitarra pirotécnica sigue siendo omnipresente, pero en el núcleo de este álbum había una colección de melodías, canciones significativas y brillantes, que hubieran sido igual de efectivas si Hendrix las hubiera tocado solamente con una guitarra acústica.

“Axis: Bold as Love” - Jimi Hendrix Experience (I)

Are You Experienced fue, en cualquier medida, uno de los mejores álbumes de debut de todos los tiempos. No tan sólo estableció su estrella como el guitarrista de rock más innovador, sino que engendró géneros enteros.

A pesar de todo el destello y la magia técnica, Jimi Hendrix demostró ser un poeta tanto con sus palabras como con su instrumento.

Podríamos - aún podemos - profundizar en las canciones que conformaban esa obra maestra introductoria y seguir encontrando nueva belleza en ella.

“I am the walrus”: poesía y LSD (IX)

Lo que todos estos covers tienen en común es que cambian el sentido de la pista original. Aunque la morsa reaparecería en el trabajo de John Lennon de una manera mucho más seria.

En su polémica canción de 1970, "God", de su primer álbum solista John Lennon / Plastic Ono Band, el músico declara: "Yo era la morsa, pero ahora soy John".

Fue una forma inesperadamente desgarradora de renunciar tanto a The Beatles como a su propio espíritu anárquico.

“I am the walrus”: poesía y LSD (VIII)

Podría decirse que la única versión que realmente puede sentarse junto a la de The Beatles 'por el puro entretenimiento y desconcierto que provoca, es la efectuada por el actor canadiense Jim Carrey para el álbum de covers de 1998 de George Martin, In My Life.

Carrey en verdad se compromete con la canción, agregando improvisaciones para hacer suya la canción, o, como él dijo, "profanar una obra de arte atemporal".

“I am the walrus”: poesía y LSD (VII)

En 2011, los rockeros independientes estadounidenses Flaming Lips grabaron una versión ligeramente siniestra, más lenta y aún más distorsionada que la original. El video muestra al cantante Wayne Coyne cantando a través de un plato de plástico y un músico de respaldo (inexplicablemente envuelto en papel de estaño) imitando la compleja orquestación con su voz.

“I am the walrus”: poesía y LSD (VI)

En 2007, Bono, vocalista de U2, grabó una versión con el personaje interpretado en la película musical de The Beatles, Across the Universe. El líder irlandés pone en este cover su mejor voz, aunque su voz bien definida y su imagen parecen estar mal ajustadas para la canción.

Por contraste, la canción también fue interpretada con frecuencia por uno de los personajes más grandes y más extravagantes del rock, Frank Zappa, en sus conciertos en vivo.

En una grabación especialmente surrealista, un Zappa visiblemente aturdido toma una pausa para fumar en el escenario y entrega las tareas vocales a un cantante que sostiene una morsa de juguete a lo largo de la canción.

“I am the walrus”: poesía y LSD (V)

Muchos vieron a los pioneros del Britpop en la década de los 90 como los sucesores naturales del legado de The Beatles, y los rockeros de Mancunian adoptaron "I Am the Walrus" como un elemento básico de sus shows en vivo.

Su versión, presentada en una edición de lujo de su álbum Definitely Maybe, es en gran parte fiel, aunque los solos de guitarra restan valor al respecto de la versión original.

Liam Gallagher, quien modeló todo, desde su voz nasal hasta su mirada, en Lennon, interpreta la canción con  digna impertinencia.

“I am the walrus”: poesía y LSD (IV)

Los instrumentos de cuerda crean una tensión desequilibrada a medida que las notas se elevan y caen en picada. La voz de Lennon, sórdida, distorsionada y gravosa, ayuda a convertir un ejercicio absurdo en un verdadero himno de rock.

Un caso atípico entre las canciones más cantadas, escritas por Paul McCartney en el Magical Mystery Tour de 1967, es un símbolo del abismo cada vez más amplio en el estilo de los compositores que, a la postre, desgarraría al grupo tres años después.

“I am the walrus”: poesía y LSD (III)

La letra se inspiró en lo literario: Lennon se inspiró en el absurdo poema de Lewis Carroll: "La morsa y el carpintero", el salaz, "el hombre de los huevos" mencionado en el coro alude a un fetiche basado en los huevos entregado por el líder de The Animals, Eric Burdon.

Pero una fijación perdurable con las letras inescrutables significa que los logros musicales de la canción a menudo se pasan por alto. Con "I am the walrus", The Beatles, junto con el productor George Martin - quien al parecer estaba horrorizado por una temprana versión acústica de la canción -, tuvieron una experiencia sónica vertiginosa y desorientadora, muy similar a la de "Lucy in the sky with diamonds".

“I am the walrus”: poesía y LSD (II)

Lennon ya tenía las dos primeras líneas cuando recibió la carta. La primera, "Yo soy como tú eres, como tú eres yo y todos estamos juntos", una especie de cadena de significado diferido, llegó al compositor durante un viaje de LSD.

La segunda: "Mira cómo corren como cerdos desde un arma de fuego", surgió durante otra neblina alimentada con narcóticos. El resto de la canción fue completado posteriormente, y, medio siglo después, prevalece como una de las canciones más enigmáticas del canon de The Beatles.

“I am the walrus”: poesía y LSD (I)

En 1967, John Lennon recibió una carta de un alumno de su antigua escuela secundaria en la que le informaba que las letras de The Beatles se estaban analizando de forma muy seca en la clase de inglés.

Lennon se dispuso a escribir una canción tan repleta de imágenes elegidas tan arbitrariamente y con tal cantidad de referencias que sería completamente impermeable a la interpretación. "¡Dejen que los asesinos lo solucionen!", dijo Lennon a un amigo después de escribir un verso particularmente intrincado.

“Nevermind” – Nirvana (II)

Nevermind, por su parte, es un animal completamente diferente. Con Dave Grohl en la batería, producción de Butch Vig y un verdadero presupuesto de grabación, el sonido es más resbaladizo y más concentrado; las guitarras de Cobain son tan dentadas como su aullido, y la trampa de Grohl tiene un golpe real.

Impulsado por el estridente "Smells like teen spirit", vendió decenas de millones de copias. Pero el mayor logro de Nevermind podría ser su sonido de guitarra, que hizo que el rugido de la caja de distorsión de los Sex Pistols fuera aceptable para los seguidores de la música rock.

“Nevermind” – Nirvana (I)

Hay muy poco en Bleach (1989) que llevaría a alguien a creer que Nirvana sería el grupo definitivo de principios de los 90. Claro, hubo un par de buenas canciones ("About A Girl" fue la pieza más destacada), y Kurt Cobain tenía una voz carismáticamente afilada, pero no fue suficiente para distinguirlas de otras agrupaciones que salían de Seattle.