En el año de 1964, a la edad
de 17 años, David Bowie, conocido
entonces como Davy Jones, fue
entrevistado por Cliff Michelmore
para el programa Tonight de la BBC. Bowie estaba hablando sobre su
recién fundada Sociedad para la
Prevención de la Crueldad contra Hombres de Pelo Largo.
martes, 31 de julio de 2018
"Veronica", Elvis Costello - Idea Musical (1989)
"Veronica" es una
de las múltiples canciones que Elvis
Costello coescribió con Paul
McCartney a finales de los años 80. Algunas aparecieron en Flowers in the Dirt de McCartney,
mientras que otras aparecieron en Costello's
Spike (incluida "Veronica") y Mighty
Like a Rose. "Veronica" se convirtió en el mayor éxito de
Costello con diferencia, alcanzando el puesto 19 en el Hot 100 en junio de 1989.
Se trata de una anciana que sufre demencia,
inspirada en la propia abuela de
Costello. Partes de "Veronica" son soleadas y optimistas, tanto
una celebración de una vida como un retrato de una mujer perdida en su propia mente.
Él retrata a Veronica como
repentinamente teniendo vívidos destellos
de memoria en medio de la niebla, cantando con una emoción desgarradora,
"¡volvió a decir su nombre en voz alta!" como una foto de periódico
de repente desencadena el recuerdo de un viejo amor que se eleva desde lo más
profundo de su mente como una burbuja
que sube a la superficie de un estanque y estalla en el aire.
La actuación
profundamente personal de Costello es rica en emociones genuinas. La historia de Verónica merece ser contada, y
Elvis Costello lo hace con gracia y
pasión.
Poesía y Lou Reed
La poesía de Lou Reed viene
de un período de seis meses en 1970, después de que dejó a Velvet Underground y se fue a trabajar para la firma de contabilidad
de su padre.
En ese semestre, Reed había revertido su decisión de abandonar la música y estaba
escribiendo material en solitario, pero el libro Do Angels Need Haircuts? da una visión fascinante de su mentalidad en ese momento.
Una de las más importantes
estrellas de rock es la amiga de Lou Reed, Patti
Smith, quien ha publicado numerosas colecciones de sus versos.
En su
discurso para la inducción póstuma de Reed al Salón de la Fama del Rock'n'Roll,
ella declaró que "como poeta, debe ser considerado como un artista solitario. Entonces, Lou, gracias por inyectar tu poesía de forma
brutal y benevolente en la música".
Fantasía a la fantasía con Tommy Nutter
Era un joven diseñador
inspirado, con una “clientela estrellada". Vistió a Mick Jagger (en su boda en Saint-Tropez con Bianca, en 1971). John Lennon lo usó (en su boda en
Gibraltar con Yoko, 1969). Los Beatles lo llevaban puesto en la portada del
disco Abbey Road (todos excepto
George, quien usaba jeans).
A finales de la década de
1960 y hasta la década de 1970, se tenía una especie de deuda con Tommy Nutter, el sastre británico que
se estrelló contra Savile Row, el símbolo
de la fabricación de trajes ingleses, y lo dobló a su propia imagen: joven,
alegre, guapo y socialmente efervescente.
Nutter trajo una dosis
sustancial de fantasía a la fantasía. Comenzó en Savile Row en los niveles más
bajos, recogiendo alfileres en G. Ward & Company, donde finalmente unió
fuerzas con un talentoso cortador joven llamado Edward Sexton y, con él, abrió
Nutters en 1969 - el primer sastre
nuevo en Savile Row en más de un siglo.
Entre sus inversores estuvieron Peter Brown, un manager de los Beatles (dejó
al grupo cuando murió su amigo y ex jefe Brian
Epstein) y la cantante pop Cilla
Black.
Bowie, pionero...
David Bowie fue el primero en escribir letras en inglés con la
melodía original de lo que finalmente se convirtió en el éxito mundial “My Way”.
Claude Francois, un gran nombre en
su Francia natal, escribió y realizó la canción original llamada, “Comme d'habitude” que significa 'Como
siempre'.
“Danza Eterna” / Marcos Wertheimer
(...) Los cuerpos bailan una danza
que no conocen,
música silenciosa de las
nubes,
bailan sin saber que son agua
que pronto caerá sobre esta
plaza
de cuerpos solitarios,
cadencia continua, edad sin
rumbo.
Marcos Wertheimer
Stones con sabor a Dylan
¿Qué dice el nuevo disco,
Stripped, sobre los Stones, hoy?
Intentamos obtener un giro en
un disco en vivo porque no quería regresar y repetir el anterior disco en vivo.
Pensé que sólo teníamos que dar algo
diferente. Eventualmente lo abordamos y desarrollamos un disco más íntimo. Tenemos algunas pistas inusuales, lo que
siempre es bueno para un disco en vivo, no canciones originales pero revisadas.
Creo que fue inusual de hacer "Like
a Rolling Stone". Nunca antes hemos hecho una canción de Dylan.
¿Qué te atrae de esa canción?
Bueno, melódicamente, me gusta
bastante. Está muy bien armada; tiene tres secciones apropiadas, coros
realmente buenos y un buen bit en medio, y letra
genial. En mi opinión, es una canción
pop realmente bien construida.
¿Te gusta cantar líneas de
Dylan?
Esta es realmente buena; es muy directo, no se agita demasiado.
La canté muchas veces en la gira europea, tal vez 50 veces. Así que realmente la
disfruté. Me encanta tocar la armónica
en ese tema.
*Fragmento de la entrevista realizada por Jann Wenner al vocalista de los Rolling Stones, Mick Jagger, en el número del 14 de diciembre de
1995 de Rolling Stone.
Acerca de Tom Wolfe (III)
La revista tenía sólo dos
años; conseguir un escritor como Wolfe sería un golpe. Pero resultó que Wolfe era todo un admirador de Rolling Stone. "En un momento
en que todo el mundo decía que había que competir con la televisión y escribir
en pocas palabras", recuerda Wolfe, "Si era bueno, Jann simplemente lo dejaba
correr".
Wenner y Wolfe comenzaron a
intercambiar cartas. "He estado disfrutando mucho de Rolling Stone", le escribió Wolfe a Wenner en un momento dado.
"Estoy orgulloso de ti", agregó.
Fue el comienzo de una relación de décadas con la revista que llevaría la
carrera de Wolfe y su trabajo a nuevas
alturas.
“Cuerpo Público” / Mariela Cordero
(…) Yo me acurruco
y espero que el amanecer
nos asombre con la evidencia
de que ambos,
este cuerpo donde habito y yo
sobrevivimos
a la larga noche
de las jaurías.
Mariela Cordero
Ziggy Stardust aparece en "Top of the Pops"
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders from Mars es
posiblemente el álbum más importante
en la alucinante carrera de David Bowie.
Lanzado en 1972, es el disco que marcó al mercurial
músico para convertirse en una de las estrellas pop más conocidas del
planeta. David Bowie y la historia de Ziggy
Stardust, de BBC Four, narrada por Jarvis Cocker, cuentan la
historia de cómo Bowie llegó a una de las creaciones
más icónicas de la historia de la música pop.
Acerca de Tom Wolfe (II)
En ese momento, Wolfe era uno
de los escritores de revistas más importantes de EU, y su trabajo ayudó a
establecer una forma emergente conocida como “Nuevo Periodismo”.
Entre los muchos que habían ingerido The Electric Kool-Aid Acid Test se
encontraban el editor de la revista Rolling
Stone, Jann S. Wenner.
"Había asistido a
algunas de las pruebas de ácido y me
sorprendió lo preciso y bien informado que fue el libro y cómo pudo
penetrar ese mundo loco", recuerda Wenner.
En 1969, el ambicioso joven
editor se acercó a Wolfe para ver si estaría dispuesto a escribir para Rolling Stone.
Definir el rock & roll...
¿Puedes definir el rock &
roll para mí? ¿De qué se trata? ¿Se trata de sexo, violencia, energía, ira?
Todas esas cosas: energía,
enojo, angustia, entusiasmo, cierta espontaneidad.
Es muy emocional. Y es muy tradicional. No puede romper
demasiadas reglas. Tienes ciertas reglas establecidas, ciertas formas, que
tradicionalmente son basadas en el folk,
formas basadas en el blues.
Pero deben
ser cantados con esta energía juvenil,
o letargo juvenil, porque la juventud tiene este lado lánguido, letárgico y
rebelde también. Entonces pueden ser cantados como un modo alterno de paliza,
esta languidez ligeramente femenina, el aburrimiento de la juventud así como la
ira, porque la juventud tiene esas dos cosas. Para representar esas emociones,
esta forma parece funcionar muy bien.
*Fragmento de la entrevista realizada por Jann Wenner al vocalista de los Rolling Stones, Mick Jagger, en el número del 14 de diciembre de
1995 de Rolling Stone.
Se transmite documental de Bowie
El documental Omnibus, de Alan Yentob, acerca de David
Bowie fue filmado en 1974 y transmitido en enero de 1975. Cracked Actor sigue a Bowie en Hollywood mientras comienza a
descartar el elaborado disfraz y maquillaje de su legendario personaje Ziggy Stardust y asume un nuevo papel
más enigmático.
“Devenir” / Melina Montenegro
“Devenir”
(…) me volqué con mi azahares
hacia la soledad
sin volar, ni correr
hacia una certeza de paz
que me hacía libre
pero oscurecía la
transparencia
de mis alas…
Melina Montenegro
Acerca de Tom Wolfe (I)
A mediados de los años 60,
las pruebas de acidez lanzadas por Ken Kesey y sus Merry Pranksters fueron el
centro candente de la revolución psicodélica. Una noche de 1966, Kesey y sus
seguidores encontraron una figura inverosímil en su medio: el elegante
periodista de Virginia, Tom Wolfe, quien
escribiría un libro acerca de Kesey y su órbita: The Electric Kool-Aid Acid Test, de 1968, se convirtió en el primer gran relato de la contracultura
de los años sesenta. Wolfe también ayudó
a redefinir el periodismo, gracias a un estilo rápido y ojos desorbitados
que puso a los lectores dentro de la acción.
Todos han hecho "Unplugged": Jagger
¿Por qué rechazaron hacer
esta parte de la serie Unplugged de MTV?
Porque todos lo han hecho, y
no quería ir a Nueva York en particular y hacer Unplugged a mitad de nuestra gira europea. Sentí que tomaríamos el mejor elemento de Unplugged, lo más
íntimo de él, sin hacerlo completamente desenchufado.
Fragmento de la entrevista realizada por Jann Wenner al vocalista de los Rolling Stones, Mick Jagger, en el número
del 14 de diciembre de 1995 de Rolling
Stone.
lunes, 30 de julio de 2018
“Beggar’s Farm”, Jethro Tull – Idea Musical
Esta fue una de las primeras piezas
que escribí; creo que técnicamente coqueteé con Mick Abrahams, nuestro guitarrista original. Era esencialmente una
pieza derivada de 12 barras-blues, pero líricamente era un poco inusual. Fue un
intento relativamente exitoso de tomar la esencia
del blues afroamericano y convertirlo en un chavo blanco de clase media, no
muy lejos de ser un clon, sólo para ser influenciado por ese estilo y tener ese
estado de ánimo.
Pero no intenté cantarlo como si estuviera imitando a Muddy Waters, Howlin 'Wolf o cualquiera de mis héroes cuando era un adolescente.
Pero no intenté cantarlo como si estuviera imitando a Muddy Waters, Howlin 'Wolf o cualquiera de mis héroes cuando era un adolescente.
También tenía una especie de sensación ligeramente jazzística.
Cuando escribí esa canción y comenzamos a tocarla, solo había estado tocando la
flauta durante aproximadamente ocho semanas.
Mas cuando la grabamos, pasaron cerca de seis meses, por lo que se había establecido en algo razonablemente competente con respecto a la grabación.
Mas cuando la grabamos, pasaron cerca de seis meses, por lo que se había establecido en algo razonablemente competente con respecto a la grabación.
Una de mis influencias en
aquel entonces era un acto de pares con el que a veces aparecíamos. Era un
grupo llamado Fleetwood Mac, por
supuesto, no me refiero al Mac Fleetwood de hoy; me refiero al original "Fleetwood Mac de Peter
Green".
Peter Green fue un guitarrista fino, muy lírico y muy buen cantante con Fleetwood Mac. Creo que había reemplazado a Eric Clapton en Bluesbreakers de John Mayall y luego migró con John McVie, el bajista, a lo que se convirtió en Fleetwood Mac.
Peter Green fue un guitarrista fino, muy lírico y muy buen cantante con Fleetwood Mac. Creo que había reemplazado a Eric Clapton en Bluesbreakers de John Mayall y luego migró con John McVie, el bajista, a lo que se convirtió en Fleetwood Mac.
Pero por la forma en que
Peter hacía canciones, tenía la gran habilidad de tomar cosas que eran
esencialmente una pieza de blues y luego convertirlas en lo que se denominaba "rock progresivo". Ya no era tan
sólo una copia imitativa y bastante inverosímil de folk-blues americano negro.
Estaba haciendo algo más con eso que
creo que era peculiarmente británico, de verdad. Siempre pensé que si Peter
Green hubiera hecho "Beggar's
Farm", hubiera sido una canción mucho mejor. Porque él le habría dado
su toque particular. Habría hecho lo mismo que hizo con "Black Magic Woman", que era una canción que Fleetwood
Mac solía hacer y luego Santana hizo un exitoso cover con ella. Eso es lo que estaba detrás de eso otro…
Ian Anderson - cantante, compositor, flautista de Jethro Tull
Ian Anderson - cantante, compositor, flautista de Jethro Tull
Rompiendo estereotipos: "Helter Skelter"
"Helter Skelter"
ejemplifica aún más los aspectos experimentales de The White Album. Después de las aventuras sónicas del Sgt. Pepper y Magical Mystery Tour, los Beatles estaban listos para explorar el
floreciente movimiento avant-garde.
Junto con pistas como "Long Long
Long" y "Revolution 9", "Helter Skelter" desafía a los oyentes a reconsiderar
preguntas como las siguientes: ¿Qué es
la música? ¿Qué es estructura?
El movimiento punk de la década de los 70 plantearía aún más estas
preguntas, con los sonidos de confrontación de The Clash, New York Dolls,
The Stooges, Ramones y Sex Pistols
forzando a los oyentes a reevaluar las nociones preconcebidas de la música.
Justo cuando parece que The Beatles podrían ser encasillados fácilmente como
los portavoces del Verano del Amor, "Helter Skelter" rompe los estereotipos previos de los
Beatles y, a su vez, revela el futuro de
la música rock.
Remembranzas de lo primigenio
¿Qué recuerdas sobre la primera
versión de Jethro Tull, con Glenn Cornick
y Clive Bunker?
Martin Barre: Nos llevamos
muy bien. Tuvimos una relación cercana ya que pasamos mucho tiempo viajando
juntos, compartiendo habitaciones de hotel debido al presupuesto. Fue una
experiencia creciente visitar nuevos territorios como EU, ninguno de nosotros
había estado ahí antes.
El sueño de todo músico inglés era ir a EU. También fue una gira maravillosa con grupos que
solamente habíamos escuchado a través de sus álbumes: Grateful Dead, Blood, Sweat
& Tears, Captain Beefheart.
Fue emocionante, compartimos la experiencia e hicimos un grupo muy cercano y
compacto. Pero las cosas siguen y la gente
se harta. Hay mucho trabajo y viajes, y las cosas cambian.
Arte político: Agnes Obel
"Creo en la percepción
más amplia del arte político; se trata de escuchar y ver las cosas de una
manera nueva, para que puedas experimentar las cosas desde los ojos de otra
persona".
Esto fue algo en lo que Joni Mitchell, una artista que Obel
admira mucho, junto con Roy Orbison
y el compositor Erik Satie sobresalieron.
"La música de Mitchell siempre me pareció política
porque era tan idiosincrásica y específica para ella, y tan introspectiva y
poderosa", se entusiasma. "Ella
estaba siendo tan femenina y poderosa y hablaba mucho desde su punto de
vista, que en sí es político".
Lo mismo podría decirse Agnes
Obel, una artista distintiva e impresionante.
"Clic en la eternidad": Bowie
En una introducción a la
colección de 2011 del fotógrafo
Masayoshi Sukita, "Speed of Life", David Bowie escribió: "Cada vez que me pide que haga una
sesión, evoco en mi mente al hombre dulce, creativo y de gran corazón que
siempre ha hecho estos asuntos potencialmente tediosos, muy relajados e
indoloros. Que él haga clic en la
eternidad".
Después de casi 60 años en el
negocio, la "eternidad" comienza a sonar bien. Pero aunque Sukita ha
trabajado con algunas estrellas masivas, y se ha convertido en un nombre
importante por derecho propio, dice que todavía prefiere conocer a sus sujetos como iguales.
"No me gusta cuando la
relación es así", precisa que el
fotógrafo es superior al sujeto. "Esta es siempre mi actitud. Me
olvidaré de mi carrera, de disparar a David Bowie: en ese momento, lo más
importante es cómo voy a fotografiar a
esta persona".
La Belleza Líquida de "Stand Up"
Stand Up fue el segundo álbum de Jethro Tull, pero el primero con Ian Anderson en el papel principal de cantante y compositor. El
cofundador Mick Abrahams era más o
menos un bluesman. Como el blues
estaba muy caliente en ese momento en Inglaterra, tocar el estilo permitió que
un grupo recién formado diera conciertos, creara una audiencia y ganara experiencia en el escenario.
Pero el blues no era el corazón musical de Ian Anderson, y cuando él, el bajista Glenn Cornick, el baterista Clive Bunker y el nuevo guitarrista Martin Barre siguieron su
propio camino sin Abrahams, la música, conservando un lado blues-rock ("A
New Day Ayer, "Nothing Is Easy") tomó un giro más original, con sabores populares y progresivos
("Fat Man", "Look Into the Sun", "Jeffrey goes to Leicester Square" y el instrumental basado en Bach: "Bourée").
Stand
Up es donde realmente floreció la inventiva de Anderson. También coloca el
álbum de 1969 en un contexto musical y
cronológico.
Gran parte de Stand Up sigue en pie: la brillante
nasalidad de la mandolina hiperactiva en "Fat Man", la fusión blues-rock/progresivo de
"Nothing Is Easy" y la oscura
psicodelia de "We Used to Know" son todo su tiempo. Debemos escucharlas,
son ellas, sin duda alguna, piezas que conservan su belleza líquida…
Convergencia (...)
…encuéntrame
al final
ahí, justo donde
tus oscuros
pensamientos
carecen
de verbo…
'White Rabbit': Carroll-Alicia-Grace
Escrita y realizada por la
enigmática Grace Slick, de Jefferson Airplane, no hay promesas de
seguridad en 'White Rabbit'. De hecho, es todo lo contrario.
Basada libremente en
el libro de Lewis Carroll, Las aventuras de Alicia en el país de las
maravillas, la letra críptica pero directa de Slick implora a los oyentes
que se traguen una buena dosis de aventura, sin importar a dónde pueda conducir.
'White Rabbit' comienza con
un cosquilleo familiar. Una línea de bajo
constante y latidos de percusión
conducen con confianza hacia un mundo
curiosamente psicodélico.
Las primeras notas casi alcanzan algo
profundamente primordial en la forma en que invitan al oyente a inclinar la
mente y participar en un viaje inconfundiblemente emocionante.
¿Los ángeles necesitan cortes de pelo?: Lou Reed
La poesía que reflexiona
sobre la nacionalidad, el sexo y el whisky, escrita en 1970 después de que Lou Reed abandonara Velvet
Underground, se publicará por primera vez.
Esta colección de poemas de Lou Reed, nunca antes vistos,
se publicarán este año, junto con grabaciones de él presentándolos en St Mark's
Church, Nueva York, en 1971 (con Allen
Ginsberg en la audiencia).
El libro, titulado Do Angels Need Haircuts? y publicado en abril, también contará con
un epílogo de su viuda Laurie Anderson,
así como las propias presentaciones de Lou
Reed a los poemas.
De los 12 poemas y cuentos de la colección, tan sólo tres han sido publicados
anteriormente, uno como una canción de Velvet
Underground y dos en revistas de
poesía de pequeña prensa.
Un joven poeta enojado...
"Somos la mirada cristalina devuelta a través de
la densidad y la inmensidad de una nación loca".
Es una frase que podría
haber sido escrita por un joven poeta
enojado de la América de Trump, pero en realidad fue escrita décadas atrás,
por el bardo de la sucia New York
punto vulnerable del rock'n'roll: Lou
Reed.
"Teacher", Jethro Tull - Idea Musical
Grabamos dos versiones diferentes
de "Teacher". Hicimos una para EU, que era la versión amigable para
radio que estaba en la edición estadounidense del álbum Benefit y otra para el Reino
Unido. Curiosamente, nuestro manager
está convencido hasta el día de hoy de que es una canción que escribí sobre él
y que él es el maestro.
De hecho, lo que estaba cantando era más acerca de esas
figuras espeluznantes de gurú que
podrían engañar a inocentes mentes jóvenes como las de The Beatles. Ellos aspirarían a las personas y usarían el poder de
la persuasión para doblegar su voluntad y guiarlos en un camino espiritual
hacia la iluminación.
Y la mayor
parte del tiempo, por supuesto, se trataba tan sólo de obtener su dinero y manejar en un Rolls Royce grande y blanco, por lo
que me pareció digno de escribir una canción. No estaba cantando necesariamente
acerca de líderes espirituales de
una determinada creencia étnica o una visión
religiosa particular, sino simplemente la idea del maestro, el gurú.
Ian Anderson - cantante, compositor, flautista de Jethro Tull
Ian Anderson - cantante, compositor, flautista de Jethro Tull
"People have the power", Patti Smith - Idea Musical (1988)
La estatura de Patti Smith es tal que le da a un himno
como "People Have the Power"
un aire inmediato de autoridad. Como
el primer sencillo de su primer álbum nuevo en nueve años, Dream of Life, "People Have the Power" recibió una
atención sustancial del rock y la radio
alternativa, así como de MTV.
Smith está completamente involucrado en el material, y su voz es
particularmente poderosa cuando canta, "¡El poder de soñar, gobernar,
luchar contra la tierra de los tontos / bueno, decreto que la gente
gobierna!"
Su brillante optimismo
es genuino y conmovedor, ella atrapa
con letras como: "Creo que todo lo que soñamos puede pasar a través de
nuestra unión / podemos cambiar el mundo / podemos convertir la revolución de
la tierra". Después de escuchar la exhortación
de Smith a la acción, es difícil no
sentirse estimulado e idealista.
Veintisiete años después de
que Smith grabara su canción, la gente
todavía tiene el poder, al menos teóricamente. ¿O todo ha sido una mentira?
¿La gente realmente tiene el poder si no estamos dispuestos o no podemos
usarlo?
Masayoshi Sukita: captura-iconos
El fotógrafo Masayoshi Sukita ha capturado imágenes de no pocos referentes del rock y estrellas de cine
que merecen el más usado de los epítetos: icónico.
Está Marc Bolan, con la cara arrugada de felicidad orgásmica y el pelo
ondeando detrás de él mientras se lanza hacia la cámara; un manchado de labios,
Masatoshi Nagase y Youki Kudoh, apoyados contra la cama de
un hotel, en el set de Mystery Train de Jim Jarmusch.
Luego está David Bowie: montones y montones de
Bowie. Sukita primero capturó al músico en Londres
en 1972, en la cima de su fama de Ziggy
Stardust, y continuó fotografiándolo durante los siguientes 35 años.
Su retrato monocromático en la portada del álbum Heroes de 1977 demostró ser tan indeleble que Bowie todavía hacía
referencia a él décadas después, incluso recreando la pose en Instagram, vestido como un miembro de Daft Punk.
Duncan Hannah revive una década
Cuando el pintor Duncan Hannah llegó a Nueva York
en 1971, pudo haber salido de las páginas de The Picture of Dorian Gray, de Oscar
Wilde. Con ojos grandes y pómulos altos, la belleza andrógina de Hannah atrajo la atención de las mujeres y
hombres gay prominentes de la ciudad.
Como una aspirante a artista
madurando en un tiempo mítico cuando glam
rock, punk y new wave transformaron el underground,
Hannah se encontró en el centro de todo, alimentando un apetito insaciable por
las cosas buenas de la vida: sexo,
drogas, alcohol, fiestas y arte. Ya sea de fiesta con Television en el club CBGB,
protagonizando la película underground
de Amos Poe, Unmade Beds, o sirviendo de musa para Patti Smith, Hannah siempre estuvo en la mezcla.
A lo largo de todo ese tiempo,
mantuvo una serie de diarios escritos a mano llenos de cameos por todos, desde David Bowie, Iggy Pop, Richard Hell y
Debbie Harry hasta Andy Warhol, David Hockney, Nico y Lou Reed. Sus páginas, llenas de
recuerdos evocadores de los años 70, fueron recopiladas y editadas en el nuevo
libro de Hannah: Twentieth Century Boy:
Notebooks of the 1970s.
"Never Say Never", Romeo Void - Idea Musical (1981)
Romeo Void, con sede en San
Francisco, grabó una marca distinta de post-punk/dance-rock
con mucha moxie. Aunque no fue un éxito en el Top 40, "Never Say
Never" es su canción característica. La gran Debora Iyall ofrece una interpretación vocal perversa, separando la
letra con vulnerabilidad oculta bajo una apariencia dura.
"Puede que te
guste más si nos acostamos juntos", se burla de manera arrogante a lo
largo de la canción, como si el hecho del sexo en sí no fuera gran cosa.
Musicalmente "Never Say Never" es
una máquina feroz, con una guitarra de trinquete, bajos propulsivos y un saxofón tremendamente frenético de Benjamin Bossi que forma el principal
anzuelo instrumental entre los versos, y algunas veces explota en forma de
fuego sobre la percusión maníaca.
La versión definitiva de seis
minutos aparece en el EP Never Say Never
de 1982, estilizado como "Nvr Say
Nvr" en la portada. La versión más corta está en el excelente álbum del
grupo de 1982: Benefactor.
El único
éxito Top 40 de Romeo Void se produjo
dos años más tarde, cuando la polémica "A Girl in Trouble (is a temporary
thing)", una referencia emblemática
del aborto, alcanzó el puesto 35.
"Aqualung" nos sorprendió: Barre
¿Tenían alguna idea de que Aqualung sería un álbum tan exitoso?
Martin Barre: No, y nos
sorprendió más que nada porque nunca se
sintió así. Fue bastante estresante y no
fue divertido de hacer. Ian Anderson
nunca pensó que a la gente le gustaría la canción "Aqualung", y ahora
su mayor arrepentimiento es que no tocó la flauta.
Con nuestros primeros
álbumes, estábamos montando la cresta de una ola. Stand Up fue una salida del blues cuando todo el mundo estaba
tocando blues. Fuimos en una dirección opuesta y, cuando tuvo éxito, fue bueno
para nosotros. Benefit fue fácil:
estábamos llenos de confianza y usando las mismas personas.
Pero Aqualung fue mucho más
difícil de grabar: tuvimos problemas en el estudio técnicamente, y hubo
presión para que creáramos otro gran álbum. Se trataba de vender muchos discos
y hacer grandes giras. Pero toda esa
tensión funcionó, y el público se dio cuenta. Fueron ellos quienes lo
convirtieron en un álbum icónico.
Musicalmente, lo más
importante era establecer las partes
acústica y eléctrica de las canciones, la "división". La música
de Jethro Tull podía ser muy
silenciosa en un minuto, pero en los siguientes tambores completos y grandes riffs. Fue ese contraste el que nos
llevó a Thick as a Brick y Passion Play, y finalmente se convirtió en nuestra marca registrada.
La autocritica de Robert Smith
The Cure pasó los años 80 de la misma manera en que The Beatles se apresuraron a lo largo
de los años 60, o David Bowie los
años 70: tremendamente prolífico, en
constante cambio.
"Es extraño mirar hacia
atrás", dice Robert Smith, fundador del grupo. "Todo se hizo a un
ritmo increíblemente rápido. La vida
pasaba como un rayo".
Para un neófito de 19 años de
la tierra suburbana de Crawley en el oeste de Sussex, Smith parecía
extrañamente seguro de sí mismo. "¿De dónde salió esa confianza
grotesca?", dice Smith.
Probablemente del punk. La mayoría de los grupos de punk eran
jodidamente horribles. Pensé que estábamos bien y que estábamos mejorando.
Mucho de eso fue fanfarronear y fanfarronear a esa edad".
Reincorporándose a Crimson
La alineación actual de King Crimson presenta tres baterías entre sus
ocho miembros (la mayor cantidad en una agregación en vivo) y presenta al flautista Mel Collins, quien se
reincorporó a la agrupación en 2013 después de una ausencia de 39 años.
Glenn Cornick - Jethro Tull
Glenn Cornick era una figura de sorprendente excentricidad: llevaba
gafas y una diadema de tela india. El bajista también tenía un crédito de
co-escritura como Len Barnard en el
lado B del primer single de Jethro Tull: "Airplane"
(emitido erróneamente como Jethro Toe),
y era una fuerza compositiva constante en los primeros álbumes, contrapunto
melódico a la flauta y las guitarras.
En una agrupación que
realmente funcionaba en esos primeros años como un trío Anderson, el robusto
doblaje de riff de Cornick interpretado por Mick Abrahams y (comenzando con Stand
Up) su reemplazo Martin Barre
era una fuerza vital, manteniendo la escritura progresiva de Anderson enraizada
en el movimiento de blues.
Al parecer, Cornick no estaba
destinado a estar en Tull por mucho tiempo. Dos de sus actuaciones más
emblemáticas, "Song for
Jeffrey" y "Jeffrey Goes
to Leicester Square", llevan el nombre de Jeffrey Hammond, amigo de la escuela de gramática de Anderson, uno
de los predecesores de Cornick en John
Evan Smash y, finalmente, su sucesor en Tull cuando Cornick, irritado por el
endurecimiento de Anderson, se fue a fines de 1970.
Cornick, a la postre, formaría su propia agrupación,
Wild Turkey, que revivió para
álbumes y espectáculos (incluidas las convenciones de admiradores de Jethro Tull)
en los años noventa y principios de los 2000. Cornick también tocó con el ex
guitarrista de Fleetwood Mac, Bob
Welch, y el baterista de Nazz, Thom
Mooney, en un trío de mitad de los años setenta, en París.
jueves, 26 de julio de 2018
"Helter Skelter" y The Who
Paul McCartney compuso
originalmente "Helter Skelter"
en 1968 como respuesta a Pete Townshend, de The Who, quien en una entrevista concedida a Melody Maker afirmaba que su grupo acababa
de grabar la canción más sonora y ruidosa hasta la fecha (la canción más tarde
se reveló como “I Can See for Miles”).
Mientras estaba en Escocia,
Paul McCartney leyó la entrevista y decidió probar suerte en esa composición.
Lo que resultó fue no solamente uno de los temas más difíciles de The White Album, sino también uno de los
temas más agresivos que grabaron los
Beatles.
Después de leer la entrevista
de Townshend, McCartney inmediatamente comenzó a componer "Helter
Skelter". "Escribí 'Helter Skelter' para que fuera la voz más
estridente, la batería más sonora", le dijo a Barry Miles para la biografía Many
Years from Now.
Según The Complete Beatles Recording Sessions, de Mark Lewisohn, "Helter Skelter" se sometió a numerosas
encarnaciones. La primera sesión de grabación se produjo el 18 de julio, con
los Beatles ejecutando varios ensayos de una versión llena de blues.
La toma uno duró 10 minutos y
cuarenta segundos; la toma dos duró 12 minutos y 35 segundos (finalmente se
publicó una versión editada de esta toma en Anthology
3); y la toma tres duró unos asombrosos
27 minutos. Lewisohn señala que los tres intentos parecen similares, ya que
la batería, el bajo, la guitarra principal, la guitarra rítmica y las voces principales se grabaron en vivo.
“Too Old to Rock ‘n’ Roll: Too Young to Die!”, Jethro Tull – Idea Musical
El título vino a mi mente en
un vuelo muy, muy malo y turbulento en EU. Odio volar de todos modos, pero este
fue un vuelo realmente malo, y estaba convencido de que todos íbamos a abandonar
el cielo, y solamente me vinieron a la mente las palabras: "Soy demasiado
viejo para el rock and roll, pero yo Soy demasiado joven para morir”.
La escribí en un pedazo de papel y decidí hacer algo al respecto. En lugar de
escribir una canción sobre el miedo a volar, parecía más divertido escribir una
canción sobre un viejo ciclista que se niega a cambiar con los tiempos y se
aferra a su estilo de vida, a su cultura. Y junto con la ropa, las modas, la
música y las cosas que son parte de ella; en otras palabras, es un poco lúdica
y no hace bien en cambiar.
No fue una favorita inmediata de nuestro público, pero parece haberse desarrollado a
lo largo de los años, tal vez porque la gente cree que estoy cantando esto de
una manera autobiográfica. Pero yo
no. El personaje está en tercera persona
en la letra de la canción, por lo que es
bastante descriptivo.
Ian Anderson - cantante, compositor, flautista de Jethro Tull
Ian Anderson - cantante, compositor, flautista de Jethro Tull
"Downtown Lights", The Blue Nile - Idea Musical (1989)
El trío escocés The Blue Nile lanzó el deslumbrante "Downtown Lights" como el
primer sencillo de su álbum Hats de
1989. "Downtown Lights" es solemne, graciosa y elegante, con el tenor
seductor de Paul Buchanan
resplandeciente en todo momento. El grupo debería enorgullecerse de su propio
trabajo de producción, es exquisito.
La disposición es lánguida y
de construcción lenta, con un exuberante lecho de sintetizadores y un ritmo
pulsante. "Downtown Lights" se mueve con una lentitud hasta que se construye gradualmente hasta un clímax
dramático introducido por el sonido de las guitarras. Su belleza desbordante está plagada de
soledad y dolor palpables.
La voz de Buchanan se vuelve
tensa y profundamente emotiva: "Los neones y los cigarrillos /
habitaciones alquiladas y coches alquilados / las calles abarrotadas, los bares
vacíos", aúlla en la noche,
solo, bañado por las farolas de la ciudad. "Downtown Lights" se
extiende a seis minutos y medio de
placer, pero nunca excede su bienvenida.
En el Reino Unido, "Downtown
Lights" alcanzó el número 12, y en EU llegó al número 10 en la lista de Modern Rock.
Robert Smith, el reaccionario...
A Robert Smith le preocupa que, a sus 59 años, se haya convertido en
un reaccionario que desprecia las redes sociales, los teléfonos
inteligentes y demás.
"Estoy en guerra con gran parte del mundo
moderno", dice. "Realmente odio
cómo han terminado las cosas en los últimos 20 años. No sé cómo ha
sucedido. Hay un cierto tono en este país que realmente ha cambiado para peor.
Está construyendo una diatriba, pero melancólica.
"Es extraño cómo los
años 70 se refieren a menudo como un período de gran inquietud y la semana de
tres días, bla, bla. Son tontos. En el período comprendido entre la segunda guerra mundial y los años 70,
estábamos en una gran trayectoria para la igualdad, etc.
"Es sólo desde finales
de los 70, con Maggie y Ronnie, que
las cosas han salido inexorablemente mal. Es una locura, la lujuria de las personas por la tecnología
y las cosas nuevas".
"Me estoy convirtiendo
en un viejo gruñón". Smith siente su edad de otras maneras. Señala que el último concierto de Tom Petty en el
Reino Unido antes de su muerte el año pasado también fue un concierto del 40 aniversario en Hyde Park.
"La
última vez que vendimos lugares en EU que nunca habíamos vendido, incluso en
los años 80", dice. "Una parte más oscura de mí piensa que les gusta
mirarnos porque creen que me voy a caer y no
podrán vernos de nuevo".
"Solo estoy siendo
tonto. Se detendrá, por supuesto que lo hará. Me despierto en un día como hoy y
pienso: "¿De verdad estoy hablando de éste grupo, todavía?"
Sinceramente, estoy sorprendido de
cuánto amor hay para el grupo.
Colaboraciones de Robert Fripp
Mientras que Robert Fripp
podía ejercer una tensión dictatorial dentro del grupo, a menudo era buscado
por otros músicos. Ha colaborado con los Talking
Heads, Peter Gabriel, Blondie y Daryl Hall, de Hall & Oates. Pero el trabajo más notable de
Fripp fuera de King Crimson fue con David
Bowie en los álbumes Heroes y Scary Monsters (and Super Creeps).
Duplicando conceptos en el rock
Jethro Tull se encontraba en
la cima del mundo (y de las listas de éxitos) en 1972 cuando Thick as a Brick se convirtió en el
primer álbum pop compuesto por una
canción continua para llegar a un público amplio.
El concepto fue por demás
audaz: este es uno de los pocos gritos sagrados para los seguidores del rock progresivo, sin preguntas. En pocas palabras,
muchos bebés hermosos fueron arrojados con el agua de la bañera por críticos
escépticos que se contentaron con descartar los trabajos más ambiciosos
(pretenciosos) que ciertas agrupaciones lanzaban a principios o mediados de
los años 70.
Si Aqualung se duplicó
en el concepto de "álbum conceptual", Thick as a Brick funcionó como el parteaguas que daba pautas acerca
de lo que ya era posible en la música de rock…
No más entrevistas: Morrissey
A finales del año pasado, Morrissey hizo una rabieta después de
que un sitio de noticias alemán publicara
algunas cosas que dijo en una entrevista acerca de la agresión
sexual, el Holocausto y los refugiados, donde el ex líder de The Smiths terminó acusando al medio de editar sus comentarios para que el músico
quedara mal.
El periódico, Spiegel Online,
respondió diciendo que Morrissey realmente dijo que algunas víctimas de violación
están "simplemente
decepcionadas" y que Berlín es la "capital
de la violación" porque Alemania acepta a los refugiados.
Después de
haber sido tratado tan injustamente, Morrissey
anunció que ya no daría entrevistas impresas, lo que evitaría que los “viciosos
miembros de la prensa” lo acusen de decir cosas que definitivamente dijo.
Empatía en lo repetitivo: Manzanera
¿Brian Eno y tú se conectaron
de inmediato? Él era orgullosamente un
"no músico" y tú acababas de venir de Quiet Sun, donde habías estado tocando en locas marcas de tiempo de
rock progresivo.
Nos llevamos muy bien. Siempre me había encantado Velvet Underground, que tenía mucho que
ver con algunos acordes y paisajes sonoros a través de comentarios de guitarra
y cosas por el estilo. Entonces no fue
por ninguna habilidad técnica que nos vinculamos.
Fue a través de cosas repetitivas
mediante el uso de unidades de eco y equipo similar. Y eso vino de compositores
de música de sistemas como Terry Riley
y Steve Reich, que a ambos nos
encantaban. Solía toparme con Brian Eno en varios conciertos de avant garde. Así
que nos llevamos muy bien. Incluso
compartimos un apartamento juntos por un tiempo.
Phil Manzanera: ayudó a
inventar el art rock como miembro de
Roxy Music, tocó con todos, desde Brian Eno hasta David Gilmour y Bob Dylan.
El Crimson más grande
El ex baterista Bill Bruford
una vez comparó a Robert Fripp con una mezcla del Marqués de Sade, Stalin
y Gandhi. "Cuando leo
entrevistas con antiguos compañeros de King Crimson, sugieren que la dificultad
recae en mí", dijo Fripp al Telegraph
of London en 2014. "Y estoy de acuerdo con eso".
Fripp agregó que su búsqueda
para vivir de acuerdo con el original de King Crimson el modelo a veces se
sentía como una carga.
"Si lo que está disponible no cumple con lo que veo
como una responsabilidad para el Crimson más grande, esa brecha debe ser satisfecha por alguien. Y me correspondería.
Entonces, no es un lugar cómodo".
Agnes Obel, privacidad
Citizen of Glass (Agnes Obel, 2016) es un disco conceptual que presta atención a un mundo cada vez más
frágil, y constantemente pregunta cuánto sabemos de la historia de una persona.
¿Qué sabemos realmente sobre
el nivel de privacidad? ¿Somos
demasiado rápidos para escudriñarnos? ¿Somos demasiado rápidos para
escudriñarnos el uno al otro? Si continuamos sometiéndonos a tanta presión,
¿eventualmente nos romperemos como
vidrio?
Citizen of Glass, y el resto del catálogo de Agnes Obel es una situación seria, pero su audiencia lo
acepta y respeta. Su conjunto es a
partes retrospectivo, temperamental, autorreflexivo y desafiante.
Así que no es de extrañar que
el aclamado director de cine y televisión David
Lynch (Twin Peaks, Mulholland Drive) se encargara de
remezclar la canción 'Fuel to Fire'
de su álbum Aventine de 2014.
Mientras los discos sigan girando...
"No tengo tiempo para la
revista Time, o Rolling Stone", Ian Anderson
cantó en 1975. Incluso entonces pareció entender, y aceptó, que simplemente no
estaba para ser tomado tan en serio como debería haber sido. Que ha habido
pocos directores de orquesta multiinstrumentistas capaces de crear un cuerpo de
trabajo tan asombrosamente original y
ecléctico.
Que nadie calificaría nunca sus talentos líricos junto a los
virtualmente venerados forjadores de palabras como John Lennon, Bob Dylan y
Ray Davies, aunque sobre una base puramente poética su habilidad
podría superarlos a todos.
Que el mundo no tuviera espacio suficiente para un viejo rockero que llevaba el cabello
demasiado largo, los pantalones demasiado ajustados, permaneciendo así demasiado viejo para el rock 'n' roll y muy
joven para morir.
No importa: en el tribunal de
la opinión pública, las obras perseveran, estarán bien vivas y vivirán en los
corazones y mentes de oyentes
sensibles y exigentes mientras los discos sigan girando. Al final, Jethro Tull no es el tipo de grupo que termine
recibiendo premios.
Influencias británicas en Rush
El baterista de Rush, Neil Peart, menciona: "El hard rock es nuestro tipo de música, la
música con la que crecimos. Es lo que nos viene naturalmente. No estamos
tratando de tocar la música de finales de los 60. Estamos intentando tocar la música de finales de los 70, que ha
crecido a partir de los años 60.
"Estamos tratando de adoptar un enfoque
moderno, en la forma en que los Beatles
adoptaron un enfoque moderno sobre Chuck
Berry y demás... nosotros, las personas a las que seguimos fueron Jeff Beck, Who, Cream, Hendrix, principalmente
agrupaciones británicas".
"A uno le gustaría
pensar que es porque hay una influencia
británica más fuerte en nuestra música, nuestra cultura como canadienses, y
porque estamos esforzándonos más", subraya Peart.
Y agrega: "Para mí,
el misterio de Aerosmith no es que
no tengan éxito aquí, sino que tengan éxito en cualquier otro lugar".
"Ni prog rock, ni glam": Phil Manzanera
En el 45 aniversario del primer
álbum de Roxy Music, ¿cómo te suena hoy?
¿Ha resistido la prueba del tiempo?
No lo escucho a menudo, pero
tuve que escucharlo para este proyecto de reedición de aniversario de lujo, y
estaba muy contento. Me sorprendió que tuviéramos la valentía de hacer un álbum tan loco en ese momento.
Me resulta difícil categorizar, estilísticamente. No es prog rock, no es glam... Respondí un anuncio en el Melody Maker para unirme a Roxy Music, y el anuncio decía:
"El guitarrista perfecto
para grupo avant rock." Había una
lista de cosas que querían: "original, creativo, adaptable, melódico,
rápido, lento, elegante, ingenioso, aterrador, estable, tramposo. Músicos de calidad solamente".
Estaba desesperado por unirme a un grupo. Realmente no creo haberlo
asimilado. Pero, al rememorarlo 45 años después, seguramente resume el estilo
del Roxy Music – un grupo de avant rock.
Todas las cosas que querían, para mí, resume al grupo en ese momento.
Fue una mezcla así. Todos contribuimos. Lo único que más destacó de Roxy Music
fue su mucho humor. Nos reíamos constantemente.
Especialmente haciendo las cosas raras que estábamos tocando, pensamos, si nos tomamos muy en serio, la gente se
aburrirá con esto.
Phil Manzanera: ayudó a
inventar el art rock como miembro de
Roxy Music.Tocó con todos, desde Brian Eno hasta David Gilmour y Bob Dylan.
Fripp, elemento esencial
Ha habido 21 músicos en King Crimson desde la creación de la agrupación
en 1968. La única constante en ese lapso de casi 50 años ha sido el guitarrista Robert Fripp. Y Fripp, sin
duda, es el elemento esencial.
En su
lista de los 100 mejores guitarristas de 2015, la revista Rolling Stone dijo que Fripp interpretaba "una singular mezcla
de complejidad distorsionada y magistral continuidad".
Desde el debut con In the Court of the Crimson King, a
menudo promocionado como el álbum de
rock progresivo más influyente, el sonido
inimitable del grupo nunca se ha duplicado.
"Todavía estoy tratando
de procesar la hora en que los vi en el Stanley
Theatre a principios de los 70", dice el músico Steve Sciulli. "Después de ese espectáculo, el velo se levantó
para siempre".
Me ayudó a darme cuenta de que cada nota es importante, ya sea que la hayas tocado o no. King Crimson es un proceso y una forma de
pensar. Robert Fripp lo dice mejor: 'Si hay una calidad presente, es
claramente reconocible y puede nombrarse'."
“Don’t Let Me Down”, The Beatles - Idea Musical (VI)
Finalmente, “Don’t Let Me
Down” fue restaurada en Let It Be a
través de Let It Be... 2003, como una
edición de las dos actuaciones en la azotea. Otra versión más de la canción
aparece en el disco Fly on the Wall
incluido con Let It Be... Naked.
Los Beatles pueden haber
estado en sus etapas finales, pero “Don’t Let Me Down” ejemplifica cómo el grupo podía trabajar en conjunto para
crear poderosas canciones. Además, la canción contiene una de las actuaciones vocales más poderosas de John Lennon,
dramatizando su relación de rápido crecimiento con Ono.
“Don’t Let Me Down” dio
una panorámica de la dirección creativa de Lennon
como solista. Las cualidades sinceras, crudas y emocionales de la canción
se convertirían en elementos básicos de
su trabajo posterior, particularmente el álbum Plastic Ono Band (lanzado justo un año después del single "Get Back").
Su carrera
solista puede ser notable por estas cualidades honestas, pero primero
desarrolló estas habilidades de composición y canto durante sus años con The Beatles.
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